hit da breakz

HDB TV

2008-09-09T19:48:00.002Z

Rocky Marsiano - viagem musical. Esta 6a na FNAC

2008-06-25T09:41:00.004Z

Esta 6a, pelas 18:30, na FNAC do Chiado farei uma viagem musical pelo universo jazz/funk/soul/hip-hop que me inspira sempre que "visto a pele" do Rocky Marsiano.
O convite partiu da própria FNAC e eu achei-o bastante original.

Posso garantir que a viagem será bastante interessante para todos os amantes dos Breakz...

HTB Tv: Behind The Scenes no Hip Hop Pessoa

2008-06-23T15:10:00.007Z

Para quem perdeu um grande espectáculo no passado dia 13, aqui fica um "cheirinho" do excelente ambiente que reinou durante o jantar conjunto dos artistas, técnicos e produtores do evento.

Um forte abraço para: Fuse, Mase, Sagas, Rodrigo Amado e T one, Ride, D_Fine, Raptor, Nomen e Rui Murka (claro que faltam nomes - mas cairam no esquecimento , desculpem)!

HTB TV

2008-06-18T12:37:00.003Z

A HTB TV está de volta com um mini-filme feito há poucos dias na Meca do diggin em Amsterdam, a Wax Well Records. O Delay, uma das caras da loja, mostra-nos um dos seus mais recentes bolos.

Fernando Pessoa e Hip Hop, 13 Junho

2008-06-12T09:16:00.004Z

No próximo dia 13 de Junho completam-se 120 anos sobre o nascimento de Fernando Pessoa. Para celebrar a data, a Casa Fernando Pessoa e a Câmara Municipal de Lisboa decidiram lançar um desafio à editora Loop:Recordings e marcar um encontro entre os escritos do poeta e algumas das mais aplaudidas vozes do movimento Hip Hop nacional.

O primeiro resultado desse desafio será o espectáculo que no próximo dia 13 tomará conta do Terreiro do Paço, ali mesmo ao lado do Martinho da Arcada tão caro a Fernando Pessoa. A partir das 18 horas haverá música e graffiti para evocar a obra de Fernando Pessoa.

Melo D, Maze e Fuse dos Dealema, Raptor, Rocky Marsiano, Rodrigo Amado, Sagas, Dj Ride, T-One, D_Fine e Viriato Ventura (pai de Sam The Kid) serão os artistas que marcarão presença no palco montado no Terreiro do Paço. As actividades começarão às 18 horas, com DJs da Loop (Rui Miguel Abreu, José Belo, D-Mars, DJ Ride) a darem música à cidade enquanto painéis alusivos à iconografia pessoana serão pintados por Nomen, um dos mais reputados writers de graff nacionais. Às 22 horas começará o concerto propriamente dito.

Entretanto, estão a ser dados os retoques finais num álbum de homenagem a Fernando Pessoa que a Loop:Recordings deverá editar em Setembro. Este projecto nasce igualmente do desafio lançado pela Casa Fernando Pessoa. Tem direcção artística de D-Mars (aka Rocky Marsiano) e envolve artistas como Pedro Laginha (actor, vocalista dos Mundo Cão) em colaboração com DJ Ride, Marta Hugon em colaboração com os Spill de André Fernandes, Kalaf em colaboração com o trio do saxofonista Rodrigo Amado, D_Fine e Rocky Marsiano, Maze com o DJ Soma, Fuse, Melo D, Sagas, Raptor e Sam The Kid com o seu pai, Viriato Ventura.

Todos estes projectos partiram de diferentes abordagens aos textos de Pessoa para uma viagem de redescoberta das suas palavras e ideias. A edição em CD deste projecto deverá ser acompanhada de um DVD com entrevistas aos diversos artistas envolvidos e imagens do concerto do próximo dia 13.

HIP HOP PESSOA
Dia 13 de Junho

18 horas – início com djs e graffiti
22 horas – concerto

Entrada livre

Diggin' in Africa: as aventuras de Frank Gossner

2008-06-10T18:25:00.003Z

No novo número da revista Parq (descarregável em pdf no link indicado atrás), assino um texto sobre Frank Gossner, mentor do fabuloso blog Voodoo Funk (onde há vários sets feitos a partir dos discos descobertos no terreno que todos deveriam descarregar!) que dá conta das suas expedições em África para encontrar vinis que a memória local há muito perdeu. Essas viagens servirão de leit motiv para um documentário que se encontra actualmente em fase de montagem e pós-produção. Para me documentar para o artigo em questão entrevistei o ultra-prestável Frank que a partir de um cyber-café na algo agitada (política e militarmente) Guiné Conakry me respondeu com detalhe e paciência extrema. Prestes a mudar-se para Nova Iorque, com a sua colecção de discos, os seus cães e a sua mulher, Frank desvendou um pouco do seu mundo. Estas são as suas respostas:

Antes da primeira questão, dá-me um pouco de informação sobre o teu passado: quando começaste a tua actividade de DJ, como se iniciaram os teus hábitos de coleccionador, etc.
Tenho coleccionado discos de vários géneros desde que era criança. Sempre amei a música. Comecei a pôr música como DJ em Berlim por volta de 1994. Fazia umas festas conceptuais que eram uma espécie de Sleazy Listening dos anos 60 com projecção de velhos filmes de Sexploitation e com go go girls. Eu estive envolvido no lançamento do disco “Vampyros Lesbos – Sexadelic Dance Party” com faixas de Manfred Hübler & Siegfried Schwab que foram usadas pelo realizador espanhol de Sexploitation Jesus Franco para os filmes “Vampyros Lesbos”, “She Killed In Extasy” e “The Devil Came From Akasava”. Fiz também as festas promocionais para esse disco. Viajei muito por toda a Alemanha com uma trupe de bailarinas go go, uma jaula de go go cromada feita de propósito e algumas caixas cheias de bandas sonoras de clássicos de Sexploitation, Pop francês dos anos 60 e funk movido a órgão Hammond. Em 1996 levei esse conceito para Nova Iorque onde me mantive a fazer a festa “Vampyros Lesbos” semanalmente durante quatro anos e também uma festa mensal em Filadélfia.
Quando é que te apaixonaste por afro-beat e música africana em geral?
Quando vivia em Nova Iorque na segunda metade dos anos 90 passei muito tempo a fazer diggin’ e a procurar singles obscuros de soul e funk. Regressei a Berlim em 2000 e comecei aí uma festa funk chamada Soul Explosion. Continuei e voar para os Estados Unidos para procurar mais singles pelo menos uma vez por ano. Numa dessas viagens descobri a Smith’s Record Store em Filadélfia. Uma loja que se tinha mantido intocada e inexplorada por outros coleccionadores apenas por causa da zona perigosa em que se encontrava e por causa do algo assustador dono, Stan, que não era doido pela companhia de gente branca. Para minha sorte, os preconceitos raciais dele não se estendiam aos europeus e por isso fui o primeiro coleccionador de funk a ter acesso ao seu inacreditável armazém no andar de cima. Numa visita mais tarde, expliquei ao Stan que a minha mulher tinha recebido uma oferta de emprego para a embaixada alemã da Guiné Conakry e que se calhar por causa disso poderia mudar para África por um par de anos. O Stanj disse “hey, bom para ti… deixa cá ver, penso que tenho para aí algures um monte de discos africanos…” Ele levou-me ao seu escritório onde uma parede inteira estava coberta por estantes com discos e mostrou-me alguns lançamentos na editora nigeriana Tabansi. Comprei-lhe o lote inteiro de para aí duas dúzias de discos porque as capas me intrigaram. Uma inspecção mais minuciosa em casa revelou que apenas um dos discos continha material mais funky, mas era um disco incrível: “Na Teef know the road of theef” de Pax Nicholas & The Nettey Family. O líder da banda tocava percussões para o Fela Kuti na altura e as quatro faixas soam inegavelmente a Fela, pelo menos um bocadinho, mas têm um som meio trippy que lhes confere uma aura única e muito funky. Tem até um par de breaks de bateria muito bons. Descobri depois que este disco era tão raro que ninguém tinha ouvido falar dele. A minha curiosidade acerca de discos africanos foi então espicaçada e se antes eu estava preocupado a pensar no que iria fazer nos três anos que iria viver para África, agora sabia que iria passar o tempo a viajar e a procurar mais discos como aquele.
É difícil viajar em África? As expedições para procurar discos foram complicadas, tiveste problemas de segurança?
Viajei extensivamente pela Serra Leoa (8 viagens), Ghana (5 viagens) e Benim (9 viagens). Também fui ao Mali e à Costa do Marfim em várias ocasiões. Viajar em África é bastante diferente de viajar na Europa ou nos Estados Unidos. Na maior parte das vezes não há comboios e a maior parte das pessoas usa os “bush táxis” que normalmente são carros todos rebentados onde entra tanta gente quanto é possível (num carro pequeno isso significa 4 ou 5 pessoas na parte de trás mais duas pessoas no lugar ao lado do condutor!). Ás vezes há autocarros grandes que ligam as cidades mais importantes, alguns têm até ar condicionado e os atrasos são normais – se for de algumas horas apenas ninguém fala em atraso. Um atraso em África começa para aí nas doze horas e isso acontece muito frequentemente. Atravessar fronteiras pode ser um pesadelo, a corrupção está muito espalhada e os empregados do estado dependem dos subornos pois têm famílias para alimentar e é frequente passarem meses sem que recebam ordenado.
Não viajei na Nigéria. Lagos é demasiado perigosa para andar a correr por vários bairros com os bolsos cheios de dinheiro. Se andam a procurar discos tens que ter sempre dinheiro contigo para fazer uma compra caso uma oportunidade se apresente. Tenho sempre que ir onde quer que o meu guia local me leve. Provavelmente podes ter alguma segurança em Lagos se te mantiveres em certas zonas da cidade, mas não seria possível fazer qualquer tipo de diggin’ a sério e directo. É por isso que contrato pessoas para me procurarem discos na Nigéria e depois mos levarem até Cotonou no Benim que fica a três curtas horas de distância.
Em termos de segurança, nunca tive nenhum problema sério. Quer dizer, uma vez fui assaltado por alguém armado com uma faca em Cotonou, mas isso aconteceu por minha culpa: foi estúpido apanhar um táxi-motorizada para me levar através da zona mais perigosa da cidade durante a noite. O momento mais assustador foi quando tive que deixar a Guiné por causa de violentos confrontos entre gente que protestava contra o governo e as forças armadas. Viajar longas distâncias através de um país africano sob lei marcial não é algo que me apeteça repetir tão cedo.
A música africana ainda é muito pouco conhecida fora de África, embora várias compilações e reedições tenham começado a aparecer nos últimos anos. Assim sendo, como é que sabes o que procurar? Ou compras discos por instinto?
Comecei por coleccionar apenas discos de funk africano e afrobeat que pudesse usar para a minha actividade de DJ. Eu tinha uma enorme lista de discos que procurava e passava cópias a toda a agente. Ainda assim, muitas das melhores coisas que encontrei foi em discos que nem sabia que existiam. Ando sempre com um gira-discos portátil comigo e sem ele estaria perdido.
Nos últimos tempos tenho comprado também outros tipos de música africana: há demasiadas coisas boas por lá para me limitar apenas ao lado mais funky da música.
Quando é que a ideia de fazer um documentário surgiu?
Para minha surpresa, fui contactado por vários produtores de cinema que mostraram interesse em filmar as minhas expedições em África. Escolhi trabalhar com a Leigh Iacobucci porque ela já tinha vivido uns meses em Accra e parecia estar mais acostumada aos hábitos africanos. Em África, muita gente não quereria que lhes tirassem uma foto. As pessoas não querem sentir-se culturalmente exploradas por uns tipos brancos que lhes apontam as câmaras sem lhes oferecerem um pequeno presente e que depois vendem as imagens a alguma estação de televisão ou a quem lhes proporcione um certo lucro. A maior parte dos Ocidentais também não entende a forma que muitos africanos ocidentais têm de valorizar uma fotografia. Se alguém te tira uma foto então passa a ter uma cópia da tua aparência. Isto pode ser perigoso até porque as fotografias são muitas vezes usadas por feiticeiros para lançar feitiços que podem resultar em qualquer coisa: para te apaixonares por uma determinada pessoa, para teres muito sucesso no teu negócio, mas se encontrares o feiticeiro certo para determinado trabalho também podes fazer com que alguém perca a visão, fique louco ou morra. Tudo o que é preciso para que isso aconteça é um pouco de dinheiro, uma fotografia e um nome. Pode ser superstição e podemos tentar rir-nos disto, mas praticamente toda a gente por aqui (Frank ainda estava na Guiné quando respondeu a estas perguntas) acredita nestas coisa, mesmo as que têm educação e estudos. Se não exibires a atitude certa e se não andares com o tipo certo de pessoas, nunca serias capaz de conseguir fotos reais e autênticas.
Há algum tipo de plano para a estreia do documentário?
Ainda não, a montagem vai levar alguns meses, mas tenho a certeza que faremos algumas festas de lançamento com muita música e dança.
Além dos sets incríveis que fazes para o teu blog, alguma vez usaste os discos que encontras para contribuir para alguma compilação?
Haverá uma reedição do álbum de Pax Nicholas no final do ano e já há planos para outros lançamentos.
Estás a mudar-te de novo para Nova Iorque: vais dar uso à tua colecção e criar uma noite de afro-beat por lá?
NYC é a minha segunda casa. Tenho mais amigos lá do que em qualquer outro lugar do mundo. Propuseram-me um programa de rádio semanal na WFMU que começará em Outubro e que será perfeito para mim, até para poder tocar alguns dos discos que encontrei e que não são talhados para os clubes. Também tenho planos para criar uma noite afrobeat regular. A minha primeira data em Nova Iorque será já a 12 de Julho no APT.

Podes dar-me o TOP 5 das tuas descobertas em África?

01. The Poly Rythmo LP com Vincent Ahehehinnou (ALS 005).
Provavelmente o mais raro e mais cru dos álbuns da Poly Rythmo e todas as faixas são incríveis.

02. Marijata - This is Marijata
Depois das compilações “Ghana Soundz” na Soundway Records, todos os DJs queriam ter uma cópia disto… A maior parte das pessoas não sabe no entanto que além do tema “No condition is permanent” que aparece na compilação, há no disco mais duas faixas funky perfeitas para os clubes e um tema soul muito bom.

03. Stanislas Tohon - Dans le tchink systeme
Álbum de estreia do Stan que até aos dias de hoje permanece um dos mais populares cantores do Benim. Este é muito, mas mesmo muito complicado de encontrar e contém a bomba Afro-Latin-Funk “Paix Lo” que já agitou pistas de dança em Madrid, Berlin e NYC.

04. Pax Nicholas & The Nettey Family - Na teef know the road of theef
“You” é provavelmente uma das canções afrobeat mais cativantes que já ouvi.

05. Djimmy Ferry - Egbemi black
O Djimmy passou a maior parte da sua juventude em França, antes de regressar ao Benim onde gravou uma série de singles de garage-funk e um LP. A maior parte das gravações dele sofrem de péssima qualidade sonora, mas não este single. Também é a melhor faixa dele, na minha opinião. “Egbemi black” foi gravado em 1970 e soa a MC5 com James Brown a cantar em Yoruba.

Imagens cortesia de Frank Gossner e do blog Voodoo Funk.

The Disco Handbook

2008-06-06T13:40:00.001Z

The Disco Handbook - Upload a Document to Scribd

Não vão vocês precisar de um manual de sobrevivência, uma noite destas...

Jimmy McGriff R.I.P.

2008-05-28T10:23:00.002Z

Jimmy McGriff, organista de excepção que marcou o lado mais "groovy" do jazz, faleceu no passado dia 24. Fica aqui a homenagem HdB a mais este mestre do balanço. Como quase sempre faço, iniciei a pesquisa de Jimmy McGriff no disco duro do meu próprio computador, procurando saber se tinha por acaso escrito sobre algum dos seus álbuns. Curiosamente, os ficheiros que responderam aos parâmetros da minha procura são aqueles onde tenho listados os breaks da minha colecção (há breaks nos álbuns "Groove Grease" e "Electric Funk"), o que já diz muito da natureza da música deste senhor que neste momento deve estar a trocar impressões com Jimmy Smith sobre como tocar Hammond em cima de uma nuvem... Paz à sua alma.

Daqui:

"They've always classified me as a Jazz organist which I am not," states Jimmy McGriff. "I'm more of a Blues player. That's what I really feel."
With innumerable Top Ten albums to his credit, there is no mistaking McGriff's status as a legend. A master of the Hammond B-3, his renditions of Jazz and Blues classics along with his own compositions like "All About My Girl", "Kiko", "Vicki" and "Granny’s Lane", have made him a Blues original.

James Harrell McGriff was born in Philadelphia, a city known for its world-class Jazz musicians - particularly its organists. He was surrounded by music while he was growing up: his mother and father both played piano while cousins Benny Golson and Harold Melvin were beginning to work on their own musical paths.

Jimmy started out playing acoustic bass and alto sax. By the time he had finished high school, he was playing drums, vibes and piano, as well! At that point in his life, the bass seemed to be holding his interest and Big Maybelle gave him his first steady job working with her at Philly's famous Pep's Showboat.

The influence of neighbor Richard "Groove" Holmes was dynamic though, and he studied privately with him. Jimmy also studied organ at Philadelphia's Combe College of Music and at Julliard. In addition, he studied privately not only with "Groove", but with Milt Buckner and with classical organist Sonny Gatewood.

An A&R rep for Sue Records heard Jimmy playing organ at a small club in Trenton, NJ, offered him a contract and Jimmy was on his way to becoming an international favorite.

Jimmy's arrangement of "I Got A Woman", on the Sue label, made it to the top five on both Billboard's R&B and Pop charts ... and the hits have kept coming year after year.

There are close to 100 albums with Jimmy McGriff's name at the top as leader. He has recorded for Sue, Solid State, United Artists, Blue Note, Groove Merchant and recently for Milestone, Headfirst and Telarc.

In his prolific career, Jimmy has recorded with George Benson, Kenny Burrell, Frank Foster, JJ Johnson and even a two-organ jam affair with the late "Groove" Holmes.

Jimmy McGriff has performed in concert with Count Basie, Wynton Marsalis, Dizzy Gillespie, James Moody, Lou Donaldson, and the Thad Jones-Mel Lewis Big Band. He also toured and recorded with the great Buddy Rich for two years in the mid 70's.

Jimmy's television credits include programs with Nancy Wilson, the PBS favorite, "Club Date", and some fun with Paul Shaffer on Late Night with David Letterman.

Currently Jimmy performs around the world with his own Quartet, carving his own distinctive organ niche. Incorporating traditional gospel with a spiritual feel, he often teams up with musical buddy Hank Crawford in concert and on records.

Jimmy McGriff has received numerous awards over the years. Whether these accolades refer to him as a Blues master or a Jazz legend, McGriff fans will tell you that he just reaches for your heart and soul with his music and always comes up with a "feel-good" gettin' down sound!

Filme do ano

2008-05-19T08:40:00.003Z

Matt Wolf’s documentary, “Wild Combination: A Portrait of Arthur Russell,” reconstructs the emergence and all too quick dissolve of the musician and composer, who died of AIDS in 1992—as well as the rise and fall of the downtown New York community that nurtured him. A young man from Oskaloosa, Iowa, with bad acne scars and a cello, Russell landed in downtown New York in 1973, after a short stint in a commune in San Francisco and occasional collaborations with Allen Ginsberg. In the words of his peer Philip Glass, Russell was “one of the more eccentric of our community.” Wolf has dug up rare footage that will make some New York natives tremble: pictures of the Loft, the informal dance party that some claim as the birth of disco itself, and short films of Russell performing by himself, seated with his cello and singing the unearthly ballads that were exactly the “Buddhist bubblegum” music he told Ginsberg he wanted to make. “Wild Combination” has its New York première at the Kitchen May 15-17. ♦

Texto de Sasha-Frère Jones na New Yorker.

Rocky Marsiano Hoje no Lux 15/5

2008-05-15T07:49:00.002Z

Esta noite (15 de Maio), ao vivo no Lux, Rocky Marsiano apresenta "Outside The Pyramid", o novo álbum na Loop:Recordings. Apareçam!

Hip Hop e Jazz são frutos da mesma árvore e por isso andam juntos praticamente desde que no Bronx se começaram a imaginar os enunciados originais da cultura que deu ao mundo Afrika Bambaataa, o dj de scratch, rimas inflamadas e ritmos traduzíveis em acrobáticos gestos físicos. O cruzamento dessas duas linguagens tem portanto uma história longa e episódios notáveis como “Rockit” (quando Herbie imaginou um futuro eléctrico com a ajuda de Grandmixer DST), “Jazzmatazz” (quando Guru percebeu que a cadência da palavra podia seguir os mesmos ritmos da imaginação de estetas como Donald Byrd) ou até “Drunk Trumpet” (quando Kid Koala afirmou que um velho pedaço de vinil chegava para erguer um discurso próprio).
Em 2005, quando a produção Hip Hop nacional ainda procurava uma identidade própria, D-Mars assinou um dos factos do ano com “The Pyramid Sessions”, um álbum que deixava de lado a armadilha narrativa em que se podia tornar o discurso rap para longe das palavras olhar para o jazz a partir de um sampler, de uma colecção de discos e do esboço de uma vontade de partilha de ideias que o levou a colaborar, entre outras pessoas, com o guitarrista T-One (líder dos funkers Mr. Lizard) e Rodrigo Amado (saxofonista com uma carreira notável no mundo do novo jazz). O resultado foi muito positivo: “The Pyramid Sessions” era puro Hip Hop, mas estendia o olhar para lá das margens que por cá já se começavam a desenhar nessa cultura.
Sem que existisse um plano prévio nesse sentido, as ideias expostas em “The Pyramid Sessions” acabaram por ser decisivas para a transformação de Rocky Marsiano num colectivo que percorreu palcos de todo o país e não só: concertos na Fundação Calouste Gulbenkian, Casa da Música, Lux, Music Box, Maus Hábitos e no festival Interparla em Madrid deixaram claro que o que tinha nascido de um processo solitário de orquestração de samples tinha pés para se afirmar em palco. E mais: o que no disco eram calculados gestos de corte e colagem, ao vivo transformavam-se em intensas sessões de improviso, com os ritmos fornecidos por D-Mars a afirmarem-se como a âncora que mantinha o colectivo seguro à terra.
Agora, D-Mars e o seu alter-ego Rocky Marsiano têm novo álbum: gravado entre Amesterdão, cidade para onde o produtor luso-croata se mudou nos últimos dois anos, e Lisboa, “Outside the Pyramid” posiciona-se a um tempo como a continuação lógica do registo de estreia e como algo de completamente diferente. O tema “The End of Something”, por exemplo, soa, paradoxalmente, ao início de algo completamente novo: toada jazzy, pontuação hip hop, pormenores de orquestração inteiramente cinemáticos e, de repente, o sinal de diferença – um rasgo de electrónica a projectar o conjunto para a estratosfera sem que nada o indicasse. Há igualmente piscadelas de olho ao Brasil (“Break ‘Em Off!” e “Zum Zum Zum”), excursões pelo domínio do funk (“Rocky’s Funk Anthem” com a certeira colaboração de D_Fine) e objectos não identificados que colocam esta música em território ainda não devidamente cartografado (“The Meeting” tema apropriadamente baptizado onde uma cadência house sustenta um encontro entre um pulsar jazzy e o que parecem ser salpicos de blaxpoitation e de abstracção pura; e ainda “Amstel Hustle” com mais electrónica a deslocar o centro de gravidade).
Fora da pirâmide, D-Mars volta a encontrar o saxofone de Rodrigo Amado, a guitarra de T-One e a voz de D_Fine. Novas adições resultantes da experiência de palco são os nomes de DJ Ride e do guitarrista André Fernandes, dois excelentes músicos que privilegiam igualmente a inventividade. O trompete de Joep van Rhijn é já o resultado da vivência holandesa, onde D-Mars se tem concentrado na produção e na sua actividade como DJ.
“Outside the Pyramid” é de facto um álbum onde se aperfeiçoam ideias e experiências enunciadas no álbum de estreia, mas é igualmente um disco que ousa olhar para lá do terreno aí definido. É igualmente um disco que reforça o lugar singular de D-Mars no panorama musical nacional – com um percurso iniciado nos Micro, este produtor soube encontrar para si um lugar muito próprio enquanto produtor no sentido clássico do termo. Já não apenas o produtor de beats que buscam um MC, mas o produtor de corpo inteiro que entende os segredos de estúdio e da arte de condução de músicos em estúdio.

www.myspace.com/looprecordings
www.myspace.com/rockymarsiano

30 anos de rodas de aço

2008-05-05T09:52:00.003Z

O aniversário de um gira-discos é mais importante do que se possa pensar: nas três décadas em que o Technics SL-1200MK2 tem estado activo o mundo mudou e um pouco por sua causa: o Hip Hop e o culto crescente do dj como super-estrela devem tudo a estas rodas de aço que a partir do Japão tomaram conta do mundo.

Numa época de gadgets cada vez mais fantásticos, no sentido George Lucas do termo, e do desaparecimento da música do terreno do palpável, é admirável perceber que uma invenção com três décadas continua, teimosamente, a ser ferramenta talhada para a descoberta e a invenção. Foi há 30 anos que a Matsushita, fabricante japonês da marca Technics, colocou no mercado o modelo SL-1200MK2 que, ainda hoje, é usado por djs de todo o mundo.
A série 1200 da Technics está no mercado desde 1972 e por isso equipou muitas das cabines de Nova Iorque fundamentais na construção da arquitectura Disco Sound que dominaria boa parte dessa década. Mas só em 1978 é que surgiu no mercado o modelo que ainda hoje serve de base à versão mais comum, a 1210. A Technics introduziu poucas alterações no seu gira-discos desde 1978 sendo sobretudo sensível a pequenas modificações sugeridas pelo próprio uso que os djs lhe davam. As rodas de aço, como Grandmaster Flash lhes chamou, são, na verdade, o pilar técnico de uma revolução.
Meros 15 anos após o aparecimento dos Beatles, no Bronx nasceu outro tipo de culto: nos bairros sociais de uma das mais devastadas zonas da cidade de Nova Iorque, multidões reuniam-se para observar não um grupo de rapazes com guitarras, baixos e baterias, mas pioneiros como Afrika Bambaataa e Jazzy Jay, Kool Herc, Grandmaster Flash e Grandwizard Theodore, DJ Hollywood, DJ Breakout e outras lendas que mesmo dispensando instrumentação convencional conseguiam concentrar em si as atenções como verdadeiras estrelas.
Nesta altura o Hip Hop começava a impor os seus códigos, mas a partir de Manhattan outro tipo de revolução já estava em marcha e o dj como shaman, capaz de conjurar espíritos e manipular emoções pela forma como sequenciava os seus discos, começava a adivinhar-se. Em locais como o Gallery ou o mítico Studio 54 as pessoas reuniam-se em torno de um tipo, muitas vezes italiano, para dançar e estilhaçar convenções arcaicas de identidade sexual e social. No virar da década, o poder e alcance do dj era uma realidade incontornável e nomes como o de Larry Levan ecoavam como se de semi-deuses se tratassem.
Entretanto, em Chicago e Detroit outras revoluções desenhavam-se tendo igualmente o Technics 1200 como principal ferramenta. O House e o Techno nasceram ambos a partir das explorações de DJs como Frankie Knuckles, Ron Hardy ou Electrifying Mojo que em clubes ou na rádio apontavam a direcção pela forma com que usavam os seus gira-discos: mais do que meras ferramentas, os pratos onde se colocava o vinil eram extensões da própria personalidade dos djs.
As bases para uma nova ordem, que se tornou evidente depois da explosão da cultura de clubes no arranque dos anos 90, estavam lançadas e o dj como super-estrela tornou-se realidade. Obviamente muitos dos grandes nomes que hoje fazem o circuito mundial de super-clubes, funcionando como uma espécie de jet-set do mundo dos djs, há muito dispensaram o vinil como suporte principal da música que tocam. Mas graças a novas tecnologias como o Serato, mesmo armados com laptops esses djs continuam a utilizar o gira-discos como interface principal para a sua própria relação com a música: podem ter eliminado essa incurável fonte de problemas para a coluna que são as toneladas de vinil que tinham que se carregar para os clubes, mas não dispensaram as rodas de aço que permitem a manipulação da música.
Claro que para a comunidade mundial de gira-disquistas o Technics SL-1200MK2 continua a ser uma referência. Estes guerreiros que nasceram do Hip Hop, transformaram o gira-discos num autêntico instrumento levando a que DJs passassem a ser vistos na companhia de músicos “convencionais”: desde que Herbie Hancock recrutou Grandmixer DST para “Rockit” que uma nova tribo emergiu e passou a realizar calculadas experiências de manipulação de tempo e espaço a partir dos Technics. Por causa disso, algures no virar desta década anunciou-se que no Japão a venda de gira-discos tinha ultrapassado a das guitarras eléctricas. Ser DJ passou, pelo menos durante um certo período, a ser um objectivo mais desejado do que ser o novo Van Halen ou Slash.
Hoje, são várias as marcas – Vestax, Gemini, Numark, Stanton… – que competem no mercado que a Technics inventou sozinha. E os novos modelos de gira-discos que continuam a surgir no mercado todos os anos funcionam como monumento à longevidade de um pedaço de tecnologia que de facto revolucionou o mundo da música.

Publicado originalmente no número 2 da revista Parq.

Novo álbum de Al Green

2008-05-02T10:08:00.002Z

Há um novo álbum de Al Green a rebentar por aí, razão mais do que suficiente para encarar cada novo dia com uma dose renovada de entusiasmo. Notícia abaixo retirada do site de Al Green. E Massagem visual cortesia do YouTube.

Musical collaborations happen all the time. From Alicia Keys and Maroon 5 to The Killers and Lou Reed to Jamie Foxx and Rascal Flatts, many fans cease to so much as bat an eye when told news of a new pairing between musicians.

However, that's because most musical match-ups aren't nearly as cool as this one. Soul legend Al Green has new album (due May 27), which he worked on with The Roots' ?uestlove. Other artists featured on the album include John Legend, Corinne Bailey Rae, and neo-soul singer Anthony Hamilton.

Luckily, ?uestlove seems to recognize the need for Green to make good with younger, hipper artists, all without crossing the line and transforming his persona and sound completely. In a recent Billboard.com article, ?uestlove is quoted as saying, "I'm not saying Al Green wants to do his version of [Chamillionaire's] 'Ridin'..."

Wax Poetics # 28

2008-05-01T15:03:00.004Z

Há um novo número da Wax Poetics nas ruas, o 28º, razão mais do que suficiente para se encararem as próximas semanas com um sorriso nos lábios. Há mais uma torrente de informação para descodificar, mais um monte de fotos para deliciarmos os nossos olhos, mais uma data de referências para acrescentar ao nossos processadores pessoais. Nas capas (há duas...) estão Al Green e Q-Tip, duas diferentes gerações, mas igualmente dois bons exemplos do tipo de coordenadas que guiam esta revista.
A propósito, aqui fica um texto que saiu na última Op. sobre a edição em livro dos primeiros 5 números da Wax Poetics:

A bíblia

É um mundo estranho este, em que uma revista dedicada a objectos coleccionáveis se torna ela própria objecto de desejo capaz de angariar somas consideráveis em leilões no eBay. Mas é exactamente isso o que se passa com os primeiros números da Wax Poetics, revista dedicada ao mundo do vinil, criada a partir da paixão de uma série de diggers para se assumir como a bíblia de toda uma cultura subterrânea onde o Graal é preto, redondo e impossivelmente funky.
Agora, a Wax Poetics, a “pedido de várias famílias” que pressionavam para que os primeiros números voltassem a ser impressos, resolveu reunir os melhores artigos dos primeiros cinco números da revista, publicados entre 2001 e 2003, e editá-los sob a forma de um livro que leva o título apropriado de “Wax Poetics Anthology, Vol. 1”. A transformação dos conteúdos da revista dirigida por André Torres em livro tem diversos significados. O mais importante dos quais é o facto de, pelo menos simbolicamente, a visão do mundo da Wax Poetics adquirir um estatuto de referência definitiva sobre os assuntos que aborda. Por outro lado, também se reconhece a espessura do pensamento impresso naquelas páginas, assumindo-se a responsabilidade de o passar a este outro formato, mais sério. Mas esse foi sempre um ponto de honra desta revista de que se espera para breve o 26º número: uma escrita de qualidade, que não esconde a paixão pelo objecto da sua atenção e que ainda assim não abdica de rigor histórico e jornalístico.
Logo no primeiro (e hoje muito valioso) número, a Wax Poetics deixava muito claro que as lentes escolhidas para olhar para o passado eram as que o hip hop disponibilizava (provavelmente montadas numa armação Cazal…): o artigo sobre Idris Muhammad dava início a uma série onde outros notáveis bateristas como Bernard Purdie, Clyde Stubblefield ou Jab’O Starks viam a sua obra analisada e o seu crucial contributo para a arquitectura hip hop realçado; por outro lado, homenageava-se a série de compilações Ultimate Breaks & Beats, para muitos o verdadeiro mapa genético de uma cultura erguida a golpes de sampler e gira-discos. A Wax Poetics versa portanto sobre a paixão que o hip hop despertou nos seus colaboradores para os complexos universos do funk e do jazz, do reggae e da soul, da bossa nova e das múltiplas encarnações do afro-beat, da folk e da música experimental, do vinil. As páginas e páginas ilustradas com capas de discos perdidos dão-lhe igualmente uma deliciosa dimensão voyeurística (a expressão “record porn” roda na internet e descreve precisamente isso) que garante ao leitor um misto de prazer e angústia devido ao estatuto praticamente inalcançável de muitas daquelas obras. Finalmente, a arte da colecção, tão importante nas constantes reavaliações do passado que fornecem, afinal de contas, matéria para reinterpretação do presente, é humanizada e enaltecida nestas gloriosas páginas. Na vertigem destes tempos modernos rendidos ao vazio dos MP3, sabe bem ter uma referência assim. Na mesa da sala.

E, já agora, na Current TV:

Rock Technicolor

2008-04-27T00:17:00.004Z

Há quatro décadas que o mundo convive com a exploração de dimensões alternativas na música popular. O Rock Psicadélico impôs-se no período 67/68 como um sonho de expansão movido a LSD e electricidade e rendeu obras-primas que ainda hoje servem de referência. Dos Beatles e dos Jefferson Airplane até aos Stereolab e, mais recentemente, Radiohead, há uma linha que conduz até ao infinito e mais além. Texto: Rui Miguel Abreu

A indústria de nostalgia construída em torno dos anos 60, praticamente após o momento em que a utopia Beatles se dissolveu para dar origem à mais “negra” década de 70, nunca encaixou da melhor forma o facto de esse ter sido um período de intensa transformação e por isso perpetuou uma ilusão de harmonia que dava conta dos cabelos compridos, da música melodiosa, do pacifismo, do amor e da realidade multicolor, mas esquecia os abismos de feedback, as drogas, os confrontos com a polícia e vias políticas mais radicais. Na verdade, não houve uma década de 60, mas várias. E uma das mais interessantes é a que assistiu ao nascimento do movimento Psicadélico que registou o seu maior impacto no rock, mas que soube alastrar-se igualmente até ao jazz e à soul e a todos os outros géneros que lograram olhar para dentro antes de se lançarem para fora.
Em 1968, ao escrever sobre a histórica Convenção Nacional Democrata de Chicago, o poeta Allen Ginsberg confessava que o seu país o fazia sentir-se “num beco sem saída”. Os assassinatos de Martin Luther King, Jr e de “Bobby” Kennedy, em Abril e Junho, respectivamente, tinham deixado a América em estado de choque e a Convenção Democrata era vista como uma derradeira esperança para acalmar uma nação imersa em protestos e a contas com uma guerra no outro lado do mundo. Mas a Convenção terminou em violentos confrontos com a polícia, muitos deles liderados pelo notório activista anti-Vietname Abbie Hoffman, fundador dos Yippies (membros do Youth International Party). Um dos mais publicitados gestos de Hoffman foi a sua tentativa de reunir 50 mil pessoas em 1967 para através da energia psíquica fazer levitar o Pentágono e terminar a guerra no Vietname. Dois anos depois, porém, Hoffman conseguiu pelo menos arrancar um “fuck you” de Pete Townshend quando interrompeu o concerto dos The Who em Woodstock para protestar contra a prisão de John Sinclair, manager dos MC5 e líder do White Panther Party.
A CIA, bastante activa nesta época com o programa Cointelpro desenhado para desmantelar grupos organizados como os Black Panthers ou para perseguir intelectuais “subversivos” como o escritor negro LeRoi Jones ou até mesmo Allen Ginsberg – que escreveu que enquanto tudo isto se passava J. Edgar Hoover almoçava regular e tranquilamente com membros da Máfia em Nova Iorque… –, prendeu Sinclair por este ter passado dois “charros” de marijuana a agentes sob disfarce. Isto levou a enormes protestos na Crisler Arena de Ann Arbor em 1971 onde figuras como John Lennon, Bob Seeger, Stevie Wonder e Archie Shepp se reuniram para exigir a libertação do homem que levou os MC5 a darem um concerto livre em frente ao local onde se realizou a Convenção Democrata de Chicago. Sinclair tinha fortes ligações à música – John Drake, dos Amboy Dukes (grupo compilado na definitiva Nuggets: Original Artyfacts From The First Psychedelic Era, 1965-1968), escreveu o clássico “Journey To The Center of the Mind” sob o efeito de LSD fornecido pelo manager dos MC5. Para se ter acesso a essa droga, mesmo em 68, havia que ter ligações: “tinhas que conhecer alguém que conhecesse alguém para chegares até ao ácido. O alguém que eu conhecia era o John Sinclair,” recordou Drake quando entrevistado por Jim Derogatis, autor de “Kaleidoscope Eyes: Psychedelic Music From The 1960s to the 1990s”.

LSD

A Dietilamida do Ácido Lisérgico, ou LSD, é uma substância que foi sintetizada em laboratório pela primeira vez por Albert Hofmann, um cientista suíço que a 19 de Abril de 1943 resolveu experimentar 250 microgramas do seu próprio produto antes de se dirigir a casa de bicicleta, o único meio de transporte disponível na época da guerra. Depois do que se poderá descrever como uma viagem alucinante, o investigador chegou a casa e anotou os efeitos da droga: “Pouco a pouco comecei a apreciar as cores improváveis e as formas que persistiam por trás dos meus olhos fechados. Imagens fantásticas e caleidoscópicas surgiram em mim, explodindo em fontes coloridas.” A viagem de bicileta de Hofmann entrou para o folclore pop graças a temas de gente como os Beach Boys (“I Just Wasn’t Made For These Times”), Pink Floyd (“Bike”) e Tomorrow (“My White Bicycle”).
O primeiro vector de disseminação do LSD foi puramente académico, com artigos em revistas de psiquiatria a chamarem a atenção de escritores como Aldous Huxley, o homem de “Admirável Mundo Novo” e “As Portas da Percepção”, este último o livro que deu nome aos Doors de Jim Morrison. Não demorou para o LSD chegar à Califórnia: o psiquiatra Oscar Janiger e o filósofo Alan Watts começaram a testar os efeitos da droga – um dos pintores a quem Janiger deu LSD afirmou que a experiência teve o mesmo efeito que 4 anos na escola de arte. A elite de LA apressou-se a bater à porta do doutor: Anais Nin, Jack Nicholson, James Coburn, Cary Grant e até o maestro André Previn estão entre os notáveis que, de acordo com Jim Derogatis, sentiram no espírito os efeitos do LSD. Timothy Leary não tardaria também a experimentar o químico, colocando Harvard no mapa. As universidades revelaram-se mesmo pólos fundamentais para a divulgação do fármaco – Ken Kesey, mentor dos Merry Pranksters que haveriam de promover os famosíssimos “Acid Tests, descobriu o LSD como voluntário em experiências promovidas pela CIA na universidade de Stanford. Na rota de disseminação do ácido lisérgico seguiu-se Nova Iorque, cidade com uma extremamente activa cena underground de poetas beat e músicos folk desejosos de alargar a sua visão interior. Peter Stampfel, dos Holy Modal Rounders do Lower East Side de Nova Iorque, era um desses músicos. O seu tema “Hesitation Blues”, de 1963, é supostamente o primeiro a mencionar a palavra “psychedelic”! No ano seguinte, Bob Dylan cantava em “Mr. Tambourine Man” “take me for a trip upon your magic swirling ship…”. Os tempos estavam a mudar.

Acid Tests

Em 1964, a América aguardava ansiosamente algo que a subtraísse ao torpor em que os benefícios económicos do Plano Marshall a haviam mergulhado: carros luxuosos, casas nos subúrbios, aparelhagens com som estereofónico e filhos suficientes para darem origem a um baby boom e a um novo mercado feito de adolescentes que ajudou a propagar o rock and roll. A televisão ainda era a preto e branco, tal como a sociedade e, de certa forma, a música: os concertos tinham lugar em teatros, de luzes bem acesas para se ver o palco e as canções tinham que valer por si mesmas – sem adereços de qualquer espécie. A British Invasion liderada pelos Beatles teve o mérito de mostrar à América que o mundo tinha avançado para lá de 1959, mas nada fez para mudar a forma como a música era apresentada aos baby boomers.
Em 1968, Tom Wolfe, arauto do New Journalism, publicou o livro “The Electric Kool-aid Acid Test”, que Gus Van Sant vai agora adaptar ao cinema (ver caixa). Nesta obra, o autor de “A Fogueira das Vaidades” descrevia as festas promovidas pelos Merry Pranksters de Ken Kesey, que era uma verdadeira celebridade na América graças ao sucesso de “Voando Sobre um Ninho de Cucos”, a sua primeira novela inspirada na experiência como cobaia nos testes de LSD em Stanford. “Começou como uma festa,” escreveu Wolfe sobre o primeiro Acid Test, de 1965, “com filmes projectados nas paredes e luzes e fitas e os Pranksters a fornecerem eles mesmo a música, e isto para não mencionar o LSD.” Algures entre o primeiro Acid Test e a edição do álbum de estreia dos Grateful Dead em 1967 – eram eles a banda residente nas festas de Ken Kesey – nasceu o rock psicadélico e o concerto de rock moderno, autêntico happening de imersão total num mundo de som, imagem, cor e volume. Alguém tinha, finalmente, apagado as luzes da sala para acender as do espírito.

Beatles & Beach Boys

Brian Wilson experimentou LSD pela primeira vez em 1965. O ácido chegou-lhe às mãos através de Augustus Stanley que nesta altura operava o primeiro laboratório “caseiro” de fabrico deste químico quando não estava ocupado a tratar do som ao vivo dos Grateful Dead. “As minhas ‘trips’ levaram-me até às portas da consciência e depois para o outro lado,” escreveu o líder dos Beach Boys em “Wouldn’t It Be Nice”. A fragilidade emocional e psíquica de Brian Wilson foi bem documentada ao longo da história: nesta época, o cantor acreditava que o futuro da pop passava pelas suas criações e pelas dos Beatles, com quem mantinha uma relação simultânea de admiração profunda e competição cerrada. Depois de ouvir Rubber Soul, Wilson colocou a fasquia muito alta e resolveu deixar de acompanhar a sua banda ao vivo para se concentrar no trabalho de estúdio.
Até “I Want to Hold Your Hand”, de 1964, os Beatles e praticamente todos os outros grupos musicais gravavam ao vivo em gravadores de duas pistas. Quando Brian Wilson entrou em estúdio para gravar Pet Sounds a tecnologia já tinha evoluído bastante e o líder dos Beach Boys tinha à sua disposição gravadores de quatro e oito pistas. As bases instrumentais de Pet Sounds foram todas gravadas ao vivo no gravador de 4 pistas e depois misturadas para uma única pista do gravador maior. Nas sete pistas restantes, Wilson gravou as vozes dos seus companheiros e pormenores adicionais que ajudassem a realizar a sua visão de “sinfonias de bolso”.
Com efeitos de “reverb” e “phasing”, instrumentos electrónicos primitivos como o theremin (usado em “Good Vibrations”) e a possibilidade de manipular a fita de acordo com experiências já realizadas no âmbito da escola francesa de música concreta ou nos laboratórios da BBC por pioneiros como Delia Derbyshire, os músicos tinham finalmente a possibilidade de duplicar os efeitos provocados pela ingestão de LSD e manipular as noções de tempo e espaço em música, transformando o estúdio na mais fundamental das ferramentas de criação.
Os Beatles, no álbum Revolver, editado apenas 3 meses depois de Pet Sounds, em Agosto de 66, também mergulharam declaradamente no oceano psicadélico que se estendia à sua frente. John Lennon tinha experimentado LSD pela primeira vez no final de 1965, usando inclusivamente o manual correcto para isso – “The Psychedelic Experience”, o livro que Tomothy Leary tinha elaborado como um guia para a abertura das portas da percepção a partir do “Livro Tibetano dos Mortos”. Meses mais tarde, Lennon escreveu “Tomorrow Never Knows” inspirado directamente nessa “viagem”, usando até várias frases do livro de Leary na letra desse tema.
Menos de um ano depois, os Beatles editariam Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, álbum conceptual onde o estúdio – e já não o palco – se assume como central no processo de criação. Canções como “Lucy in the Sky with Diamonds” (LSD…) ou “A Day in the Life” mostram claramente que os Beatles abraçaram a experiência psicadélica, inclusivamente levando-os a perder a imagem de “bons rapazes” quando começaram a atirar com frases como “o LSD abriu-me os olhos” para uma imprensa sedenta de escândalo. Ainda assim, havia também outra imprensa que não lhes poupava elogios: o crítico Langdon Winner, citado por Greil Marcus, escreveu que “o mais próximo que a Civilização Ocidental esteve da unidade depois do Congresso de Viena em 1815 foi na semana em que Sgt Pepper’s foi editado. Em todas as cidades da Europa e da América as aparelhagens e a rádio tocavam… e toda a gente ouviu.”

São Francisco

É na cidade de São Francisco que se deve procurar o epicentro do terramoto psicadélico. Por um conjunto alargado de razões – incluindo rendas baixas na zona delimitada pela rua Haight e a avenida Ashbury, locais para tocar como o clube The Matrix, pertença de Marty Nalin dos Jefferson Airplane, ou velhos salões de baile como o Avalon e o Fillmore e uma atmosfera permeável à extravagância – esta cidade revelou ser o perfeito viveiro para uma geração de bandas que entendia que o rock podia e devia ser transformado.
Uma das mais notórias bandas de São Francisco, os Jefferson Airplane, emergiu do circuito folk da cidade e cedo aderiu ao caderno de estilo psicadélico procurando influências vindas de fora da esfera rock – como a música indiana e a literatura de Lewis Carroll, por exemplo. Foi com a entrada da antiga vocalista dos Great Society, Grace Slick, que o grupo adquiriu notoriedade. Canções como “White Rabbit” e “Somebody to Love” levaram os Jefferson Aiplane até às capas da Newsweek e da Time, revistas que na época procuravam os novos símbolos para a geração do “Verão do Amor”. E de repente, “psychedelic” era uma palavra usada pela América suburbana.
Apesar da notoriedade dos Jefferson Airplane, São Francisco era suficientemente grande para albergar outras bandas com propostas musicais bem diferentes. Os Greateful Dead cresceram nos Acid Tests e transformam-se num grupo que a partir dos blues partia para intensas sessões de improviso e criação onde o jazz, o rock, a erudição de Stockhausen, o country e o LSD eram sempre ingredientes activos.
Os Dead, juntamente com os Jefferson Airplane e os Quicksilver Messenger Service, estiveram entre as bandas de rock que animaram o histórico Human Be-In, um evento que teve lugar em14 de Janeiro de 67 para reagir contra a lei de proibição de consumo de LSD promulgada uns meses antes. No Golden Gate Park de São Francisco congregaram-se as tribos, como se referia na capa do primeiro número do San Francisco Oracle, importante veículo de contracultura impresso entre 66 e 68 em Haight-Ashbury, e além dos grupos de rock subiram também ao palco poetas como Allen Ginsberg e agitadores como Timothy Leary que no seu discurso proferiu a famosa frase “Turn on, tune in, drop out” que se tornaria num dos mais duráveis símbolos “destes” anos 60.

Nuggets

Como em todas as coisas, um pouco de perspectiva beneficia sempre qualquer olhar. E foi com uma distância confortável que em 1972 a Elektra, etiqueta do grupo Warner, editou a crucial compilação Nuggets: Original Artyfacts From The First Psychedelic Era, 1965-1968. Organizada por Jac Holzman, fundador da Elektra, e por Lenny Kaye (mais tarde guitarrista de Patty Smith e produtor de renome com trabalhos de Suzanne Veja ou Kristin Hersh no seu currículo), essa compilação revelou ser extremamente influente e até visionária: uma das primeiras vezes que o termo “punk rock” foi utilizado foi precisamente nas notas de capa assinadas por Kaye. No entanto, a geração agregada em Nuggets era significativamente diferente daquela que a partir de São Francisco perseguia os efeitos hipnóticos do LSD nas suas canções. “Essas bandas estavam mais viciadas no pedal Gibson Fuzztone, o primeiro Fuzztone que saiu, do que em qualquer droga,” afirmou Kaye ao autor de “Kaleidoscope Eyes”. “A menos que se vivesse em Nova Iorque ou San Francisco, duvido que se conseguisse ter acesso a LSD. Muito daquilo era apenas desejo. Isso é que fazia aquelas bandas serem maravilhosas – havia milhões delas e se elas fossem ouvidas a 5 quarteirões de distância isso de certa maneira estragaria o que estavam a fazer.”
Tal como os inúmeros grupos de funk que cresceram na sombra de James Brown e que só mais tarde viram a sua validade assegurada nas compilações que os recuperaram, também esta geração psicadélica precisou de tempo para se revelar. No entanto, nem todos os grupos compilados em Nuggets eram obscuros: os Electric Prunes, os Standells ou os Count Five (cujo hit “Psychotic Reaction” serviu de título a uma antologia de textos de Lester Bangs) chegaram perto dos lugares cimeiros da Billboard. Mas o impacto maior destes grupos foi registado nas gerações seguintes e na influência que surtiram sobre a escola punk, sobretudo a americana. A primeira edição em 72 e a segunda em 76 surgiram no timing certo para marcar todos os que a partir dos Ramones investiram na arte das canções com dois acordes.

Psych UK

A explosão pop em Inglaterra liderada pelos Beatles e Rolling Stones teve como consequência directa uma abertura enorme nos clubes e editoras e por isso muita música realmente desafiante foi lançada nessa época. Donovan, considerado por muitos como a resposta britânica a Bob Dylan, é um dos mais interessantes exemplos de psicadelismo em terras de Sua Majestade: “Sunshine Superman”, “Mellow Yellow” (tema que incluía arranjos de John Paul Jones e vozes sussuradas de Paul McCartney) e, sobretudo, “Hurdy Gurdy Man” (resposta a “Mr. Tambourine Man” de Dylan com a colaboração de Jimmy Page e John Bonham que estavam prestes a formar os Led Zeppelin com John Paul Jones) são destaques numa carreira que se revelaria demasiado curta. Donovan era originário da cena folk britânica – onde militavam artistas como Bert Jansch, Nick Drake, Fairport Convention ou a Incredible String Band – um dos pilares da imposição do psicadelismo no Reino Unido (tal como tinha acontecido também nos Estados Unidos). O outro pilar fundamental da primeira geração psicadélica britânica foi, sem dúvida, o clube UFO.
Fundado por Joe Boyd, produtor americano que ajudou a impor várias carreiras notórias na cena folk-rock britânica (incluindo as de Nick Drake e Richard Thompson), e pelo fotógrafo e jornalista inglês John Hopkins, o clube UFO operava na cave do número 31 de Tottenham Court Road e rapidamente se afirmou como ponto de passagem obrigatório no circuito underground de Londres da segunda metade dos anos 60. Os Pink Floyd foram a primeira banda contratada para actuar no clube UFO e o seu impacto foi tremendo. Neste clube, a música combinava-se com a projecção de filmes experimentais, slides, shows de luzes, bailarinos e o que mais fosse possível encaixar no espaço de forma a fazer de cada noite um evento único. Os Pink Floyd rapidamente cresceram para lá dos limites do clube, mas outras bandas como os Tomorrow,
The Crazy World of Arthur Brown, Procol Harum e os Soft Machine de Kevin Ayers e Robert Wyatt forneceram a dose de rock psicadélico necessária para manter o clube a funcionar.
Em 29 de Abril de 1967, John Hopkins foi também um dos organizadores do equivalente britânico do Human Be-In, o 14 Hour Technicolour Dream. Tratou-se de um evento desenhado para recolher fundos para o International Times (jornal da contracultura londrina) em que participaram os Pink Floyd, Yoko Ono, John Lennon, Soft Machine e The Pretty Things, entre vários outros nomes de relevo. Esse acontecimento está parcialmente documentado no filme “Tonite Let’s All Make Love in London” de Peter Whitehead, outro dos artefactos históricos da era psicadélica.
Tal como nos Estados Unidos, também em Inglaterra os ventos psicadélicos sopraram mais fortes entre 1967 e 1968, com bandas de topo como os Rolling Stones, os Cream e a Jimi Hendrix Experience a contribuírem também com trabalhos decisivos para o legado psicadélico.

Psych Now

Sendo a “primeira era” do rock psicadélico o produto da conjugação de circunstâncias – políticas, históricas, sociais, estéticas, etc – tão específicas, será possível ver esse psicadelismo na música actual? Obviamente que sim. Jim Derogatis estendeu a visão de “Kaleidoscope Eyes” até aos anos 90 (o livro foi originalmente editado em 1996), identificando herdeiros da chama psicadélica no Krautrock dos anos 70 (Amon Düül I e II, Ash Ra Tempel, Can, Neu), nos pioneiros da electrónica (Beaver and Krause), no Bowie da fase berlinense, no John Cale da década de 70, no P-Funk de Bootsy e dos Funkadelic, no rock alternativo dos anos 80 e 90 (Butthole Surfers, Cocteau Twins, Julian Cope, Dinosaur Jr, Feelies, Dream Academy, Dream Syndicate, Hugo Largo, Mercury Ver, Low), na cena Madchester (The Charlatans), no britpop (Blur e Oasis), no Hip Hop (De La Soul, Digable Planets, PM Dawn) e na nascente cena de dança erguida em torno da cultura rave (The Aphex Twin, Orbital, Orb, Irresistible Force, Moby). A sua “selected psychedelic rock discography” é suficientemente abrangente e generosa para citar ainda os R.E.M., Prince, as Bangles, os Big Star, Peter Gabriel, Flaming Lips e os Jesus and Mary Chain, entre outros. Se Derogatis editasse agora uma versão “revista e aumentada” do seu livro, certamente não deixaria de incluir a nova geração folk de gente como Devendra Banhart, Sufjan Stevens, James Yorkston ou Tuung. E certamente também seria capaz de ver na música dos Radiohead, Black Angels, Map of Africa ou Six Organs of Admittance uma intemporal marca psicadélica. Quando o rock procura novas texturas, estruturas e atitudes, quando os arranjos se abrem ao estranho e ao exótico, quando os mundos desenhados são mais interiores do que exteriores é sempre possível adivinhar-lhe algo de psicadélico.
Na introdução de “Kaleidoscope Eyes”, Jim Derogatis escreveu que em plena época da explosão punk Lester Bangs desenhou uma linha que ligava os três acordes e a atitude enérgica de “La Bamba” de Ritchie Valens a “Louie Louie” dos Kingsmen, “No Fun” dos Stooges e “Blitzkrieg Bop” dos Ramones. Uma visão panorâmica do psicadelismo é igualmente possível, como defendeu Derogatis enquanto apontava uma linha que liga “o drone hipnótico dos Velvet Underground ao confuso remoinho dos My Bloody Valentine; as experiências artísticas dos Beatles aos fluidos e estranhos samples dos PM Dawn; a demência dos 13th Floor Elevators à loucura grungy dos Flaming Lips; e os sons e imagens dos Acid Tests de Ken Kesey às raves dos anos 90.” Acrescente-se agora que essa linha também pode ligar a singular marcação rítmica do Donovan de Hurdy Gurdy Man ao DJ Shadow de Endtroducing.
Como é óbvio, hoje as portas da percepção continuam abertas e há sempre quem queira passar para o lado de lá e fazer música que acompanhe a experiência. Mais do que um som, o psicadelismo traduz uma atitude de permanente curiosidade e descoberta por esse mundo caleidoscópico que se transforma permanentemente em frente dos nossos olhos. Mesmo quando os temos fechados. Há portanto quatro intensas décadas de psicadelismo para explorar. Façam uma boa viagem.

Texto publicado originalmente na revista BLITZ

O ritmo da vida de James Mason

2008-04-24T02:49:00.007Z

Há discos que encontramos sem querer. Estão nas feiras, nas lojas, são oferecidos por amigos. Outros temos mesmo que os procurar porque não aparecem. "Rhythm of life" de James Mason é disco que ajuda a provar a lei da oferta e da procura (pouca oferta, muita procura - preço sobe). A procura surge porque "Rhythm of life" bebe da mesma água jazzfunk de que Roy Ayers é quase fonte. Não é à toa que o mago do vibrafone é a última pessoa a quem Mason agradece neste seu único trabalho a solo. Ouvido o disco, percebe-se que é apoiado na visão de Ayers que "Rhythm of life" se alicerça. Também é óbvia a influência de Ayers na composição quando Mason faz parte dos Ubiquity, participando da primeira fila em clássicos como "Running away", tema que, sozinho, já é um tratado de jazzfunk.

Mason, no entanto, sabe percorrer caminho por si só. Menos polidos, menos redondos que as obras perfeitas de Ayers (e de certeza que o orçamento em estúdio era bem diferente numa Chiaroscuro que numa Polydor), os temas de "Rhythm of life" têm, no entanto, estrutura sólida e um trabalho de groove camada sobre camada absolutamente incrível que encontra nessa rugosidade de som um insólito aliado. E toda a gente sabe que ouvir funk gravado num estúdio de topo nunca soa como o funk deve soar. Pelo menos Mason sabia.

James Mason - Sweet power you embrace

Universal Techno

2008-04-15T22:51:00.006Z

Com todo o realce que a maneira de olhar para a música de dança que os pioneiros de Detroit (não só a Santíssima Trindade de Juan Atkins, Derrick May e Kevin Saunderson) tem tido, principalmente desde o Verão do ano passado, a história não contada do que é Detroit e da sua influência nos sons de hoje são, sem dúvida nenhuma, algo que complementa toda a percepção da música.

Este documentário, realizado por uma estação francesa de televisão, ajuda a perceber quem são as pessoas por trás do género. Como chegaram onde chegaram e porque é que chegaram onde chegaram. Detroit por si só é resposta, como diz Juan Atkins, tal como uma Detroit diferente foi provavelmente resposta para Berry Gordy e a sua Motown. Mas alarga o espectro para incluir testemunhos de gente como os Autechre, que são ingleses, e o japonês Ken Ishii sobre a maneira como o som de Detroit os influenciou.

Universal Techno pt. 1 - Juan Atkins e Derrick May

Universal Techno pt. 2 - Kevin Saunderson e Derrick May

Universal Techno pt. 3 - Jeff Mills, Derrick May e Ken Ishii

Universal Techno pt. 4 - Autechre, Mad Mike e Kenny Larkin

Tim Sweeney: o homem do Beats In Space

2008-04-13T20:47:00.002Z

O Beats in Space, programa que Tim Sweeney mantém na WNYU (89.1FM, para os que se encontrarem na Grande Maçã) e que o planeta pode sintonizar em www.beatsinspace.net, é um marco incontornável da modernidade electrónica. Desde 1999 que Sweeney explora os territórios mais entusiasmantes da música pop contemporânea. O facto de no site já mencionado, Tim manter arquivados não apenas o áudio, mas igualmente as playlists de cada uma das emissões dá bem conta do messiânico trabalho de amor que suporta o Beats In Space.
Em Dezembro de 99, quem tivesse sintonizado a WNYU numa terça à noite teria descoberto um apresentador tímido e reservado, mas com uma paixão pela música suficientemente generosa para incluir Tom Zé, Dj Krush, Goldie, Steve Reich e as aventuras dos Global Communication de Mark Pritchard e Tom Middleton. Fast forward para finais de Fevereiro de 2008 e a sede de descoberta parece manter-se inalterada: Chaz Jankel, edits de Pilooski para Del Shannon e guest mixes de Mark Seven e Márcio Vermelho. A quantidade de informação incluída no site Beats in Space e o notório empenho em descobrir em cada momento os mais relevantes Djs para as suas guest mixes – de Trevor Jackson e Kieran “Four Tet” Hebden até Nitedog, Lovefingers, In Flagranti e Dj Kent (para manter a amostra limitada a 2008…) – não significam que a dedicação de Tim Sweeney a Beats In Space seja exclusiva. Além de aceitar convites como o do Lux para trazer a sua colecção de discos até algumas das melhores cabines de DJ do mundo, Tim tem igualmente uma intensa ligação à DFA de James Murphy e Tim Goldsworthy. E produz bandas sonoras para alguns jogos de computador, como o Grand Theft Auto: San Andreas. Tim mantem-se ocupado. Mas isso acontece porque procura constantemente desafios.
Quando chegou a Nova em 1999 para estudar Tecnologia Musical na famosa NYU, Tim não demorou muito a propor um programa de rádio, que arrancou primeiro no emissor de Onda Média da universidade e só dois anos depois foi “promovido” à frequência de FM onde ainda se encontra. Uma das primeiras pesoas que Tim Sweeney conheceu em Nova Iorque foi Steinski, verdadeira lenda da estética cut n’ paste e autor, com Double Dee das míticas “Lessons”. Naturalmente (em Nova Iorque estas coisas são naturais…), Tim conseguiu um estágio no estúdio de Steinski (onde se produz muita publicidade) e dedicou-se a fundo a analisar a sua monstruosa colecção de discos. Em 2002, Tim Sweeney era uma espécie de DJ oficial de Double Dee & Steinski e nessa qualidade conseguiu uma primeira parte de DJ Shadow no Roseland Ballroom (a mesma sala em que os Portishead gravaram o seu álbum ao vivo).
Passo seguinte: conseguir uma residência num bar. Isso aconteceu no The Plant, onde um dia Tim entregou uma das suas mixes. Do outro lado do balcão estava Luke Jenner (“everybody’s got to make a living…” como dizia Kool G Rap), dos The Rapture, que apresentaria Tim aos cabecilhas da DFA. Estágio seguinte: Plantain Studios, onde Tim Goldsworthy e James Murphy estavam a reinventar o futuro à imagem da DFA. Daí a colocar o saxofone na remistura DFA para “Dance to The Underground” dos Rádio 4 ou a misturar o catálogo da DFA a pedido da revista Muzik foi apenas um passo (talvez dois…).
Um sete polegadas auto-editado (assinado pelos Spaceman e com capas feitas à mão!), beats no álbum de regresso do mutante Rammellzee, “The Bi-Conicals…”, e um maxi com re-edits de Munich Machine e Boney M (assinado como The Flying Squad) são outras pistas para se entender um universo pontuado por diferentes referências – hip hop, punk-funk, disco – que, como aquele que o Hubble observa, se encontra ainda em expansão. O ano passado, em entrevista a Zé António Moura para a Blah Blah Blah, Tim Sweeney tinha revelado uma personalidade entusiasmada (e entusiasmante) pelas possibilidades permanentemente em aberto no mundo da música. Tim afirmava que os seus programas de rádio vivem muito do improviso e da música nova que vai comprando em cada dia. Os seus sets são pensados da mesma forma: ao sabor de cada momento, erguidos em torno daqueles discos que descobertos há 5 minutos parecem ter-nos feito falta toda a vida. Os Beats no Espaço de Tim são os que fazem a música ser ainda terreno priveligiado de ideias, de criação e de inconformismo. Sintonizem-se com ele em www.beatsinspace.net ou então na pista do Lux. E, naturalmente, perceberão que a paixão é uma coisa contagiante.

Texto escrito para a revista Blah Blah Blah do Lux a propósito da recente visita de Tim a Lisboa.

DJ Shadow + Cut Chemist: Hard Sell em Madrid

2008-03-26T10:58:00.002Z

Depois de uma tarde de diggin' com Mr. Cookie, Nery e X-Acto, uma longa caminhada deixou-nos à porta do La Riviera, um clube que já deve ter visto melhores dias (parece um sobrevivente da era das danceterias que não sofre obras desde a inauguração), mas que se encheu (estariam lá umas 2 mil pessoas...) para receber Kid Koala, DJ Shadow e Cut Chemist.
Tirando um anúncio numa das muitas revistas gratuitas que existem por toda a Madrid (talvez na Go) nada indicava que o espectáculo Hard Sell ia passar pela capital espanhola - não vi um único cartaz, nem sequer nas lojas de discos, a anunciar o evento. E no entanto, havia um guichet só para os compradores internacfionais de bilhetes (deviam ser bastantes). A palavra, obviamente, chegou a quem devia ter chegado.
As "operações" começaram às 20:45 (!!!), com a actuação de Kid Koala. E que actuação: em 3 giradiscos (no final usou ainda um quarto), e sem efeitos ou pedais, Koala deu uma lição na arte de manipulação sem rede, pleno de bom gosto, dispensando mesmo os beats numa tocante versão de "Moon River".
A noite, no entanto, era de Shadow e Chemist. Depois de um filme de introdução da autoria de Ben Stokes, a viagem começou: só com 45s, com 8 giradiscos, efeitos e pedais de loops, Shadow e Chemist desenharam um novo mapa para se guiarem. Esta dupla já tinha mostrado o que pode fazer com uma boa colecção de 45s e muita imaginação em "Brainfreeze" e "Product Placement", mas "Hard Sell" é farinha de outro saco. Já não importa o funk e a raridade dos artefactos, mas sim a imposição de novos desafios - há segmentos de "Hard Sell" em que se percebe a procura de novos caminhos, nomeadamente quando encenam o que soa a um estudo sobre a essência do ritmo. Logo depois é a homenagem a pérolas Hip Hop de Pharcyde, Wu-Tang, Digable Planets e De La Soul que importa: descobrem-se os sampels originais e reconstroem-se os beats numa sentida homenagem, como se dissessem que mesmo não sabendo para onde caminham, nem Shadow nem Chemist esquecem de onde vêm.
O concerto (é disso que se trata também, a aproximação à dinâmica de um show de rock é por demais evidente) é uma espécie de montanha russa de emoções, que nos carrega até ao alto e nos deixa cair, num constante movimento entre estímulos diferentes: electro, country, doo wop, rock, funk, disco, Queen, Doors. Foo Fighters, Blur e Metallica... As referências são mais do que muitas. E o resultado é assombroso.
Para referência futura saí de lá com o DVD de "Hard Sell at the Hollywood Bowl", que vem acompanhado de um livro com muitas imagens e um longo texto de Angus Batey. De Madrid trouxe ainda vários discos (incluindo um álbum do português Fausto que não parecia conseguir encontrar por cá...!!!) e uma tonelada de revistas, incluindo a versão espanhola da Esquire com Barack Obama na capa...

Rub-N-Tug: That Kind of Party

2008-03-22T10:18:00.002Z

Eric Duncan e Thomas Bullock são Rub-N-Tug, herdeiros modernos de um espírito singular nascido no Loft de Nova Iorque. Autores de compilações de referência e culto crescente, Rub-N-Tug já deixou marca na música de gente tão diferente como Coldplay ou Beastie Boys.

David Mancuso inventou Nova Iorque no seu Loft, criando uma utopia com a alta definição das suas Klipschorn e uma cuidada selecção musical que privilegiava uma certa espiritualidade em detrimento da funcionalidade exigida pela pista de dança. Das festas Love Saves The Day de 1970 até aos dias de hoje vai muito mais do que a simples distância das décadas. O Disco pode ter beneficiado da visão de Mancuso, mas o gesto de Travolta simbolizou uma nova ordem de escala planetária que já não contemplava lugares de intimidade desarmante como o Loft. Depois do Paradise Garage, o Disco esmoreceu até que, a partir de Chicago e Detroit, outros pulsares redefiniram o mundo. Com o tempo, dançar a partir das escolhas de um DJ tornou-se no gesto em que se apoia toda uma indústria que debita mix-CDs e DJ-stars com a cadência própria de uma bem oleada linha de montagem. Nova Iorque passou a ser um lugar quase imaginado, preso à realidade por ideias isoladas, como o Body and Soul, que nunca negaram ter o Loft como miragem permanente.

Eric Duncan e Thomas Bullock – Rub-N-Tug – não esqueceram essa Nova Iorque, mesmo não estando lá em 1970 a ajudar David a encher os balões que decoravam o Loft.

"We're into having a party. Music and having a drink and a good time. Our friends and family in New York all kind of gathered about us when we started to play jams. The first Rub-N-Tug night was a loft jam at the AsFour Siver Cage - a crazy night with 40 cases of champagne on the fire escape, fights broke out while we scratched records. At one point T played the keyboard with his bare ass. You know that kind of party. That's how it started; may it continue as it began." – Rub-N-Tug

Como muito bem explicou José António Moura no texto que assinou a propósito da passagem de Rub-N-Tug pelo Lux em 2007, as relações pessoais são o verdadeiro motor da ideia de Eric Duncan e Thomas Bullock, gesto revolucionário de regresso à essência numa época de calculadas associações. Mas tal como no Loft de Mancuso, que se impôs como uma festa privada que só aceitava novos frequentadores por convites directos de membros estabelecidos, a rede de relações Rub-N-Tug surgiu como uma forma de reinventar a cidade e de redescobrir a própria música.
O primeiro encontro de Eric e Thomas aconteceu em Los Angeles, mas a atracção da Big Apple era irremediável. Quebrando as regras e criando atalhos, Eric e Thomas rapidamente se encontraram num Loft (claro…) que antes havia sido um salão de massagens chinês, um… rub and tug. E as festas começaram a atrair as atenções de quem ainda procurava ecos da tal ideia perdida de Nova Iorque.

Ao ignorarem o livro de estilo dos DJs modernos em “Campfire”, a colectânea com que Eric e Thomas alinharam pelo caminho redescoberto por Dj Harvey em 2001 (com a compilação “Sarcastic Disco”), Rub-N-Tug encenaram, de forma simbólica, um regresso à Nova Iorque primordial com a música e a atmosfera genuína construída pela tal rede pessoal de amizades a ocuparem o centro das atenções e das intenções. E voltou-se a pensar em Disco não como um género, mas como um verdadeiro lugar – uma pista – onde a música comanda as suas próprias ligações, de forma orgânica e sem necessidade da observação de códigos feitos de bpms ou de concordâncias estéticas: Aphrodite’s Child, Bronx Dogs, Patrick Adams, Cozy Powell e Daniel Wang… Diferentes épocas, géneros, nacionalidades… Diferentes. Descontínuos. Desligados. Errados. Mas absolutamente vibrantes, como se supõe que eram as festas Love Saves The Day.

Uma passagem mais assumidamente “housy” pela série Fabric (número 30) não interrompeu a demanda singular de Rub-N-Tug que em “Better With a Spoonful of Leather” desacelerou o pulsar da pista até ao hipnótico balançar em gravidade zero preconizado por Beppe Loda e Daniele Baldelli. Em comum, a procura de uma abordagem distinta à arte de encadear discos em frente de pessoas.

O ano passado e após uma longuíssima espera que gerou delirantes especulações, Thomas e DJ Harvey editaram um álbum na Whatever We Want. Map of Africa fantasia o Rock como Rub-N-Tug fantasia Nova Iorque. E de uma forma tão inteligente que se demarca de qualquer tentação revisionista. «Map of Africa», o LP, foi editado sem qualquer foto promocional da “banda”, sem qualquer entrevista ou vídeo-clip, sem um único concerto ou qualquer outra coisa que não a música. Rub-N-Tug também é assim: o melhor segredo que conhecemos, o melhor cartão de vista de uma Nova Iorque que não existe nos roteiros ou nas páginas das revistas. Só no centro da pista de dança, naquele preciso momento em que o disco certo sucede ao que nos parecia ser errado.

Texto publicado originalmente na revista Blah Blah Blah do Lux a propósito da última vinda de Rub-N-Tug a Portugal.

RBMA Taster: dia # 3

2008-03-19T11:14:00.002Z

O último dia do Taster da Red Bull Music Academy teve lugar no passado sábado, com um verdadeiro "Detroit Day": Juan Atkins e Waajeed foram os lecturers convidados para fechar em beleza o último dia de actividades.
No sábado, depois de três dias de convívio muito próximo, os 50 convidados já estavam em velocidade de cruzeiro e o ambiente era fantástico: podia perceber-se no ar a densidade de criatividade, com todos os cantos ocupados com gente a fazer música, a passar música, a partilhar música, a ouvir, pensar e respirar música. Hip Hop, Dubstep, House, Techno, Reggae... eram muitas as coordenadas que se iam atravessando e o ambiente de pura vontade de realizar alguma coisa. Muito interessante.
Juan Atkins assinou a primeira das lectures desse dia. Visivelmente cansado (a agenda deste senhor é impressionante!), ainda assim revelou histórias interessantes sobre a época em que começou a fazer música, com meios ainda muito primitivos: a memória dos settings dos seus teclados analógicos era inexistente e por isso guardavam-se esses settings fotografando com polaroids os próprios sintetizadores! Atkins é obviamente uma lenda viva, um dos pioneiros da transformação de Detroit na meca electrónica que é hoje. os aplausos que recebeu foram, pois claro, mais do que mereceidos.
A lecture da tarde pertenceu a Waajeed, homem dos excelentes Platinum Pied Pipers (que estão a trabalhar num novo disco), patrão da Bling 47 e companheiro próximo de outras lendas de Detroit como os Slum Village e Jay Dee, o homem que lhe ofereceu a sua primeira MPC. Um dos momentos altos da comunicação de Waajeed foi aliás quando permitiu que a plateia ouvisse algumas das mensagens que Jay Dee lhe deixava no seu gravador de chamadas. Verdadeiramente comovente. Waajeed forneceu ainda muito material para consideração para todos os produtores na sala, falou de dedicação e disciplina, mostrou a sua visão do empreendedorismo e tocou muita música, incluindo beats onde a influência do techno de Detroit se faz sentir de forma muito óbvia.
No final, pode dizer-se que esta iniciativa da Red Bull Music Academy Portugal correu a 100 por cento e superou todas as expectativas: não só a organização foi exemplar, como a matéria prima seleccionada deixou claro que estamos todos no bom caminho. Venha a próxima etapa: estamos todos preparados.

RBMA Taster: dia # 2

2008-03-15T08:56:00.004Z

Ontem decorreu a segunda etapa do Taster que a Red Bull Music Academy trouxe até Lisboa e que terminará hoje (com as presenças de Juan Atkins e Waajeed dos Platinum Pied Pipers). As palestras de ontem centraram-se em Arthur Baker e Carlos do Carmo. Dois nomes muito diferentes, mas que estiveram no Taster para partilharem uma muito similar paixão pela música.
Arthur Baker, como sabem, é uma lenda viva. Este é o homem que fez clássicos como Planet Rock, Walking on Sunshine ou I.O.U. e que há muito conquistou um lugar na história da música. Trabalhou com Afrika Bambaataa, produziu Bob Dylan e os New Order, remisturou os Stones e Springsteen, enfim, a sua discografia é monumental. Arthur Baker é um excelente comunicador e a sala bebeu atentamente das suas palavras e experiência!
A tarde foi marcada pela palestra de Carlos do Carmo, outra lenda viva e referência maior da cultura portuguesa. Carlos do Carmo é igualmente um excelente comunicador que partilhou a sua longa história com uma sala rendida desde o primeiro momento. Carlos do Carmo é uma das presenças mais notáveis no documentário "Lusofonia: a (R)Evolução" que a Red Bull Music Academy de Portugal produziu e é, claro, um homem de cabeça aberta que abraçou, por exemplo, a ética e a estética do sampling. Sam The Kid "usou" samples de Carlos do Carmo na sua homenagem a Carlos Paredes e o fadista soube aplaudir os resultados. E isso deixa muito claro qual a sua posição face a esta cultura.
O dia de ontem prolongou-se também até ao Music Box, com um programa que incluia o projecto Tuga All Stars e Juan Atkins. Puro luxo.
Hoje é a jornada final desta incrível experiência. Mais informação para breve!

RBMA Taster arranca hoje em Lisboa

2008-03-13T10:43:00.002Z

É verdade, hoje o Red Bull Music Academy Taster arranca em Lisboa! Serão três dias recheados de acontecimentos pensados para dar às pessoas uma ideia do que é o espírito RBMA em acção: isso significa convidados de peso internacionais - incluindo o mítico Juan Atkins, padrinho do Techno de Detroit! - dj sets e um ambiente que convida à partilha de ideias, experiências e saberes. Tudo mesmo no centro de Lisboa. Report por aui ao longo dos próximos dias. Este taster acontce também no momento em que arrancam as candidaturas mundiais para a próxima RBMA que este ano terá lugar em Barcelona, depois de ter aterrado em Toronto em 2007. Mais informação aqui.

Tutors - Nesta página poderão ter uma ideia do impressionante arquivo de palestras dadas pelos tutores convidados pela RBMA ao longo de uma década de actividades!

DJ Harvey em entrevista

2008-03-12T04:51:00.008Z

nota do hitdabreakz

esta entrevista foi conduzida pelo jornalista Andy Beta, resultante de um trabalho para a Spin Magazine e pode ser lida, no seu formato original, no blog do Andy. Subentende-se pelo prólogo, que ou é a entrevista na sua totalidade, sem cortes, ou então aquilo que não coube na entrevista publicada. Pelo menos, é assim que a entendo mas quem tiver a edição original e me possa esclarecer a dúvida, força, a caixa de comentários é toda tua.

DJ Harvey
por Andy Beta

A minha entrevista com o veterano DJ Harvey, que revitalizou a arte do reedit com os seus cruciais Black Cock Edits no início dos anos 90, foi, provavelmente, a maior vítima do apertar de espaço que a SPIN teve. Como ele é um punk rocker original, havia muita coisa falada sobre a relação entre o punk e o disco que não foram faladas na entrevista.

Há ou não há um renascer do disco?

Nunca desapareceu. Nunca desapareceu, nunca parou. As pessoas estão é a ficar um pouco mais atentas à disco mas ela nunca foi a lado nenhum. É muito maior e melhor do que alguma vez foi.

Há alguma história secreta, onde a disco aparece momentaneamente e depois volta para o underground?

Não, disco é só uma palavra grande para definir uma coisa : música de dança. É um nome que apanha tudo na música de dança. Mas continua com o teu raciocínio.Estou só a pensar em disco-edits, italodisco, space disco, as cenas baleáricas, um nome que apanha tudo, mesmo.

Mas tu estás num plano onde olhas para estas coisas de maneira diferente, onde vês o que vem e vai de uma outra forma.

Não sei. A disco veio e nunca mais desapareceu. O Paradise Garage surge exactamente depois daquela queima de discos nos estádios de baseball a que chamaram a “morte do disco”. Exactamente quando devia ter desaparecido, explodiu.

Já não sei com quem falei sobre as diferenças em 1977 entre o punk e a disco.

Não são iguais? (risos). Vindo de uma perspectiva hardcore… No Reino Unido, estavam mais alinhados mas os punks na América não gostavam de disco. E eu gosto de fazer a vida negra aos punks americanos. Ainda por cima, adoram dizer mal do punk inglês, especialmente na Califórnia. Como punks, nós adorávamos o disco, porque era suposto não gostares de disco.

Como verdadeiro punk, tu deves fazer sempre o contrário daquilo que é esperado. Não quero bater mais no ceguinho (risos) em relação aos punks americanos porque eles sentem apaixonadamente tudo o que rodeia a sua cena mas para seres mesmo mesmo punk, tens de ser do contra. Se és punk em part-time, não és punk.

É como seres guerreiro só aos fim de semana.

O punk é um estado de alma, como o disco. Estão até muito interligados, como expressão de liberdade através da dança e da maneira como te vestes.

Tu eras baterista...

Fiz um disco em 1978 com uma banda punk chamada Ersatz.

Vieste à América e descobriste as festas de hiphop, foi isso?

Em 1985, nós saímos à descoberta do hiphop. Ouvíamos os discos importados que estavam a chegar . Os Clash andavam com o Futura. Foi essa a ligação inicial. Eu e um amigo meu andavamos de Manhattan até ao Bronx à procura do hiphop, percebes? Bem divertida essa tarde, no parque em 1985, irmão, woooh!

Então chegaste ao disco pelos breaks?

A disco fez parte dos anos em que estava a crescer, se preferires. Estava em todo o lado, na TV, na rádio, toda aquela loucura à volta do “Saturday Night Fever”. Estava à tua volta. Era a banda sonora da minha adolescência.

Os Sex Pistols surgem no mesmo ano que o “Saturday Night Fever”.

Acabei de me lembrar que no “Saturday Night Fever, a primeira coisa que o John Travolta diz é “fuck you, you cunt!” [na realidade, diz “fuck the future”] e eu fiquei tipo “WOOOOOOW!”. Ele era um punk jovem no seu próprio mundo. É difícil de concretizar mas o punk e a disco estavam juntos. Se vires o “The Great Rock'n'Roll Swindle”, tens os Sex Pistols e os Tavares a tocar juntos num clube. Era assim tão próximo.

O ser do contra do punk e a alegria da disco andam juntos, na realidade, especialmente em todo este novo punk, o electroclash e coisas parecidas, que fez com que miudos que nunca pensariam vir a gostar de house music, agora adoram o som cósmico. Está a re-ligar-se outra vez. Blondie com o Grandmaster Flash. “Queen of the Rappin’ Scene” foi um momento interessante.

Estavas em Nova Iorque?

Estive lá pouco tempo em 1985. Tinha uma namorada na 5ª Avenida. Andava sempre a tomar grandes doses de ecstasy, na altura. Andávamos no hiphop, era tudo pastilhas e todas essas coisas. Nunca vivi em Nova Iorque e acho que não conseguiria lá viver. Até porque dá cabo do meu fígado. Adoro ir a Nova Iorque e adoro a cidade. Mudou um pouco, agora é uma cidade mais conservadora (risos). Nós fartávamo-nos de bombar os comboios. Isso acalmou um bocado. Estavas a tentar levar a cidade de uma forma mais ligada às artes. E era suja na altura. Tinhas que te sujar todo e arriscar a vida para seres um artista de graffiti, na altura.

Em que altura é que começaste a ir ao Loft?

Não foi nessa altura. Fomos a provavelmente todos os clubes interessantes, excepto o Paradise Garage. Andávamos à procura de hiphop, não era de disco. Só fui ao Loft no princípio dos anos 90. Mas acho que estou a divagar.

Vês o rock e a disco como duas pontas opostas do mesmo espectro?

Não, não vejo. Todas as grandes bandas de rock que existiram fizeram um disco de disco. Estás a ver a Jerry Hall, depois de uma noitada no Studio 54, a chatear o Mick Jagger “faz algo que nos faça dançar!”. Rock’n’roll é uma forma de música de dança. Nos anos 50, “é o beat, daddy-o, é o ritmo da selva”. Estão muito ligados. Sinto que as divisões por géneros tendem a ajudar os jornalistas a concretizar determinados movimentos, sejam eles rock, punk ou disco. Mas são o mesmo espírito.É tudo sobre o ritmo, mais do que um género per se. Qualquer artista que sobrevivesse os anos sessenta estava a fazer um disco de disco no final dos anos setenta.

E os Black Cock edits? Thom Bullock (dos Rub’n’Tug) creditou-te como responsável. Como é que isso aconteceu?

Tornando-me amigo do Larry Levan. Costumávamos estar juntos e ele tinha vários edits que eu queria ter e não conseguia. Por isso, decidi fazer os meus. O Danny Krivit fazias os seus, havia mais algumas pessoas a fazê-los. Não havia outra maneira de faze a coisa, tinhas de fazer edits por ti próprio. Foi assim que a Black Cock apareceu. Começámos como o Danny os fazia, a cortar fita. Consegui arranjar um disco duro quase primitivo, com 4 MB, conseguias ter lá 4, 6 minutos de música, ficar com a onda de som e cortá-la num Atari.

As primeiras coisas foram feitas em fita, as restantes em computadores. Hoje, as pessoas esquecem-se disso. Fazer reedits não é uma maneira fácil de fazer discos. Há gente que destruiu temas pura e simplesmente porque tornaram a quebra enorme, demasiado grande. O que torna uma quebra tão boa é aquilo que a precede. Se não tens isso, então a quebra não vai ter o impacto que devia ter.

A história que leva a ela.

Exacto. Já pensei várias vezes em pegar num disco com uma quebra fantástica e tirá-la e só repetir a parte foleira. Assim, vais ter toda a gente a ouvir o disco à espera que aconteça a quebra, que não acontece, e crias ali um enorme momento de tensão.

Nunca têm um orgasmo.

Tu arrásta-las antes de elas se virem. Tornou-se esta maneira fácil de criar discografia. Faço-o de tempos a tempos mas não tenho editado nada do que faço. É que os reedits são algo de muito muito importante. A edição de um filme ou de uma banda sonora pode fazer ou matar a coisa. Não é fácil, não é uma maneira fácil de fazer discos. Parece que é, as pessoas fazem-no, há toneladas de discos de reedits hoje em dia. “Oh, não sei fazer música, ‘bora lá procurar o que há”… as pessoas fazem edits de coisas que há em 12 polegadas.

A cena dos reedits está demasiadamente cheia?

Tudo se torna assim com o tempo. Há o bom e o mau e tu procuras entre eles para encontrar o que se ajusta ao teu gosto. Há quase um género chamado de “reedits de disco”.

Dos que fazem hoje reedits, de quem é que tu gostas?

Bem, de ninguém (risos). Ninguém me vem à cabeça. Danny Krivit, Paul Simpson são as minhas maiores influências nos reedits. As coisas do Paul Simpson são incríveis. O Walter Gibbons e o Tom Moulton são pessoas a quem presto também a minha homenagem. As pessoas hoje ainda não apanharam a coisa. É apenas uma coisa fácil que as pessoas fazem. O Paul Simpson é um pouco um herói esquecido.

Não me lembro de ver o nome dele citado.

As primeiras coisas dele são fenomenais. Estou a tentar lembrar-me de alguém recente que faça coisas que me ponham “WOOOOOOW!”. Não é que não toque coisas de hoje ou que não te façam chegar lá, não é isso.

É uma forma de arte em extinção?

É isso, um pouco. As pessoas não andam a fazer as coisas como deve ser, fazem tudo demasiado fácil.

O computador torna tudo demasiado fácil?

É fácil fazer edits com o computador mas não é fácil fazer com que eles funcionem. Há menos desculpas agora. Cortar fitas demora tempo, é chato e difícil, demora dias e dias até ficar como queres. Hoje em dia, consegues fazer um edit numa noita. Não é propriamente o fim do mundo haver tanto edit mau nas lojas. Não estou acordado de noite preocupado com o triste estado do disco de hoje em dia.

O que é que te preocupa então?

O que é que me mantém acordado? Amor e cenas dessas.

Nem me digas nada. Isso é daquelas coisas que nunca fica mais fácil.

Mas é isso que me faz ficar acordado. Um pouco de amor, um pouco de romance, é por coisas dessas que vale a pena estar acordado à noite.

Soul power

2008-03-12T04:02:00.006Z

Se há coisa que não tem acontecido muito no mercado bolsista são dias como o de ontem. Dias onde o Dow Jones teve a sua maior subida dos últimos 5 anos. Espanto para alguns, será que houve queda do valor do petróleo? Erro, o petróleo está no seu valor máximo histórico. Será o dólar a recuperar face ao euro? Erro, o euro está no seu valor máximo histórico face ao dólar. Será que o Obama ganhou a nomeação dos Democratas? Erro, só ganhou outro Estado (Mississipi) mas só o ganhou já o mercado tinha fechado. Será que foi a injecção de 200 mil milhões de dólares no mercado pelo Fed? Os mais respeitados analistas andam todos a dizer que foi por causa disto mas continuamos a pensar que estão errados.

Para nós aqui no hdb, a subida de 416.65, mais do que 3 e meio por cento, no Dow Jones só pode ter acontecido por uma e uma só razão - foi este o dia em que Kenneth Gamble e Leon Huff abriram a sessão.

Nas imortais palavras de Margarida Rebelo Pinto, não há coincidências : é soul power, baby!

Gilles Peterson e a sua colecção de discos

2008-03-03T00:21:00.004Z

Gilles Peterson tem sido companheiro de viagem durante tantos anos que já o sinto como parte da casa. E digo isto sem sequer o conhecer mas já são tantas as horas, ao longo destes anos todos, a ouvir quer o programa de rádio (bendita internet!) quer os seus sets como dj que até parece que somos amigos há anos. Gilles foi fundamental na forma como me relacionei com a música, na forma apaixonada como fala de discos e na maneira aparentemente simples (não é) como relaciona décadas umas com as outras através da música que se fazia e que se faz agora. O seu conhecimento de música é algo que se sente em cada disco que passa e foi com ele que descobri coisas que hoje me são tão queridas como os Rotary Connection, os Starcrost e os Jazzanova e tanta tanta gente ligada ao universo do downtempo inspirado directamente do hiphop.

Talvez por isso, quando era puto, sempre fantasiei onde seria que o Gilles gravava o programa dele. Ou como seria a sua colecção de discos. E porque raio chamava ele "Brownswood Basement" a uma das mais interessantes rúbricas dentro do "Worldwide". Ao fim de tantos tantos anos, foi bom saber que há resposta para todas essas perguntas e que ela está aqui.

A procura da loja perfeita 2 - Flur

2008-02-29T15:08:00.002Z

Depois dos habituais cumprimentos à malta por trás do balcão, à malta em frente ao balcão e um olá a um dos Pedros no andar de cima, dirijo-me à zona aonde se encontra exposto o vinil.
Esta quase sistematização de movimentos para mim significa apenas uma coisa: sinto-me à vontade, sinto-me bem-vindo. A Flur, loja de discos em Santa Apolónia, é assim.

É pena só ter redescoberto este espaço muito recentemente, fruto da minha progressão natural pelo mundo da música. Já lá vão longe os tempos em que teimosamente ostentava um certo preconceito em relação a quase tudo que não estivesse ligado ao hip-hop. E foram as lojas de discos, como a Flur, as principais responsáveis por essa mudança de visão. Não apenas pela música exposta mas, principalmente, pelas conversas.

A troca de opiniões, as sugestões do Zé, um elogio sentido, mais um vinil picado, o flyer da festa, o carimbo no cartão, gestos e sons. Tudo isto com o bom gosto a servir de ponto de ligação e coerência. O que, no país à beira-mar plantado, representa um enorme balão de oxigénio. Para a mente.

RIP Teo Macero

2008-02-23T17:24:00.002Z

Teo Macero, lendário produtor de, sobretudo, Miles Davis, faleceu esta semana, conforme notícia que poderão ler abaixo. Desaparece assim um homem enorme que de forma igualmente imensurável contribuiu para uma das mais significativas obras do jazz. Macero conquistou notoriedade pelos seus inovadores métodos de produção e pela forma como permitia que as obras se erguessem a partir da fita magnética, que editava com tesoura e cola, organizando assim o pensamento dos músicos com quem trabalhava.

February 22, 2008
Teo Macero, 82, Record Producer, Dies
By BEN RATLIFF
Teo Macero, a record producer, composer and saxophonist most famous for his role in producing a series of albums by Miles Davis in the late 1960s and early 1970s, including editing that almost amounted to creating compositions after the recordings, died on Tuesday in Riverhead, N.Y. He was 82 and lived in Quogue, N.Y.

His death followed a long illness, his stepdaughter, Suzie Lightbourn, said.

Helping to build Miles Davis albums like "Bitches Brew," "In a Silent Way" and "Get Up With It," Mr. Macero (pronounced TEE-oh mah-SEH-roh) used techniques partly inspired by composers like Edgard Varèse, who had been using tape-editing and electronic effects to help shape the music. Such techniques were then new to jazz and have largely remained separate from it since. But the electric-jazz albums he helped Davis create — especially "Bitches Brew," which remains one of the best-selling albums by a jazz artist — have deeper echoes in almost 40 years of experimental pop, like work by Can, Brian Eno and Radiohead.

Davis's routine in the late 1960s was to record a lot of music in the studio with a band, much of it improvised and based on themes and even mere chords that he would introduce on the spot. Later Mr. Macero, with Davis's help, would splice together vamps and bits and pieces of improvisation.

For example, Mr. Macero isolated a little melodic improvisation Davis played on the trumpet for "Shhh/Peaceful" on "In a Silent Way" and used it as the theme, placing it at the beginning and the end of the piece. Even live recordings he sometimes treated as drafts; the first track of Davis's "Live at Fillmore East," from 1970, contains a snippet pasted in from a different song.

Mr. Macero strongly believed that the finished versions of Davis's LPs, with all their intricate splices and sequencing — done on tape with a razor blade, in the days before digital editing — were the work of art, the entire point of the exercise. He opposed the current practice of releasing boxed sets that include all the material recorded in the studio, including alternate and unreleased takes. Mr. Macero was not involved in Columbia's extensive reissuing of Davis's work for the label, in lavish boxed sets from the mid-'90s until last year.

Attilio Joseph Macero was born and raised in Glens Falls, N.Y. He served in the Navy, then moved to New York in 1948 to attend the Juilliard School of Music, where he studied with the composer Henry Brant. In 1953 he became involved with Charles Mingus in the cooperative organization called the Jazz Composers Workshop; he played in Mingus's other groups and put out his own records on Debut Records, the label founded by Mingus and Max Roach.

While simultaneously working as a tenor saxophonist — with Mingus, Teddy Charles and the Sandole Brothers, among others — and composing modern classical music as well as working in the classical-to-jazz idiom then called Third Stream, he joined Columbia Records in 1957. He was first hired as a music editor; in 1959 he became a staff producer.

At Columbia he worked with artists like J. J. Johnson, Mahalia Jackson, Johnny Mathis, Thelonious Monk and Dave Brubeck, for whom he produced the famous album "Time Out." He also produced Broadway cast albums like "A Chorus Line" and film soundtracks.

Mr. Macero left Columbia in 1975. He later worked with the singer Robert Palmer, the Lounge Lizards, Vernon Reid, D.J. Logic and others.

Besides Ms. Lightbourn, of Morristown, N.J., he is survived by his wife, Jeanne, of Quogue, N.Y., and his sister, Lydia Edwards of Sarasota, Fla., and Queensbury, N.Y.

Social Disco Club no Lux - 6ª 22

2008-02-20T10:28:00.002Z

Humberto Matias é Social Disco Club e Zac encarna a Barna Sound Machine. Ambos acreditam no poder do disco para movimentar corpos e espíritos. A prova estará na próxima Espuma dos Dias, já esta sexta-feira, dia 22.

Há exactamente 30 anos, todos os homens do mundo queriam ser John Travolta e todas as mulheres queriam cair-lhe nos braços. Tudo por causa de “Saturday Night Fever”, o filme que se baseava num artigo do jornalista britânico Nik Cohn publicado na influente “New York Magazine”. “Tribal rites of the new Saturday night”, assim se intitulava o artigo, foi o resultado da prodigiosa imaginação de Cohn que, já nos anos 90, confessou ter inventado a personagem de Tony Manero que Travolta interpretou no grande ecrã. Este facto é sintomático de todo o fenómeno disco: invenção e reinvenção, realidade e fantasia são coordenadas que se cruzam e confundem neste fenómeno. Afinal de contas, o re-edit, estratégia importante do arsenal do dj de disco – clássico e moderno – é em si mesmo uma reinvenção da realidade. Com fita magnética, tesoura e cola um tema de funk de três minutos passava a ser um opus de groove para a pista estendido no tempo sobre doze polegadas de vinil. Tom Moulton, Walter Gibbons e Danny Krivit, entre outros, procuraram dilatar os grooves para melhor os encaixarem na pista de dança e no processo inventaram a revolução que Travolta depois personificaria no cinema com uma banda sonora dos Bee Gees que quebrou recordes de vendas em todo o mundo.
Três décadas mais tarde o filme mudou, mas o desejo de recriação mantém-se inalterado. Novos heróis como Todd Terje, Greg Wilson ou Pilooski aplicam o impulso recriador sobre velhas canções, elevando o passado, sob a forma de re-edits, até às necessidades do presente. Humberto Matias, o homem por trás do Social Disco Club, compreende esse impulso e usa-o para personificar a sua visão do disco.
“Escolhi um nome que por si só mostrasse do que se trata o projecto. Tentei que soasse a década de 70. E quero que a música que passo seja acessível a muita gente.” Na década de 70 a discoteca tornou-se no centro de uma revolução social – subúrbios e inner cities, brancos e negros, straight e gay… a pista de dança sagrava a igualdade, sem nunca esquecer as diferenças. Essa é uma das magias do disco.
“Cerca de 80% das faixas que passo tem arranjos meus... as faixas soam quase iguais ao original, mas nota-se qualquer coisa diferente.” O que se nota é a personalidade do próprio DJ que recorta os originais à sua própria medida, para manter a festa sempre em alta. O re-edit traduz igualmente o sonho de perfeição de cada dj.
“Os re-edits, quando são bem feitos, têm um poder incrível,” garante Humberto, que acrescenta “quando faço um edit tento sempre respeitar ao máximo o original. O crédito não é meu, mas sim de quem tocou e criou a música.” E nesse sentido, Humberto Matias enumera Danny Krivit, Larry Levan, Tee Scott, John Morales e François Kevorkian como referências clássicas, elegendo Greg Wilson e Todd Terje como incontornáveis influências modernas.
A “marca” Social Disco Club está envolvida num maxi editado recentemente com o apadrinhamento de Greg Wilson. “Barna Vs Porto EP” (editado na Ocsid Music) junta trabalho de reconstrução de Social Disco Club e Barna Sound Machine com a aura disco a dominar ambos os lados de um maxi que recebeu elogios de Simon Lee (Faze Action) e Pete Herbert (Reverso 68) entre outros nomes.
Juntamente com Social Disco Club estará na Espuma dos Dias a Barna Sound Machine, o alter-ego de Zac, um francês a viver em Barcelona já com uma série de discos editados (a série Funk For Your Face na Blindtest). Juntos, Humberto e Zac prometem arrancar o John Travolta que existe dentro de cada um de nós. Para se prepararem, fica uma lista de 5 clássicos pensada por Social Disco Club.

Pam Todd - Together (Mr. Chinn's Eternal Love Mix)
Crown Heights Affair - You Gave Me Love (Greg Wilson Edit)
Chic - I Want Your Love (Todd Terje Edit)
Jessie G - That's Hot (SDC Edit)
Claudja Barry - Love For The Sake Of Love (Pete Herbert Edit)

(Texto escrito para a revista Blah Blah Blah do Lux)

Humberto Matias teve ainda a gentileza extrema de nos dar uma pequena amostra da atmosfera que irá construir na próxima sexta-feira no Lux. Há um set feito a pensar em nós aqui em baixo para todos descarregarem. Força!

Set Exlusivo de Social Disco Club para o Hit da Breakz (áudio)

Encontros Hip Hop na ETIC - 16 Fevereiro

2008-02-15T08:23:00.004Z

Amanhã, a partir das 14 e 30, o auditório da ETIC recebe uma iniciativa inédita - a primeira edição dos Encontros Hip Hop que terá a presença de Xeg. De que se trata? De nada mais do que um encontro de alunos e não alunos da ETIC que partilhem um interesse nesta cultura. A ideia é aproveitar esses encontros para partilhar conhecimentos, colocar perguntas, estabelecer parcerias, mostrar obra, pedir conselhos, oferecer ideias ou simplesmente ouvir um pouco de música, ver vídeos e conversar. A orientação destes encontros - e as suas consequências - vai por isso depender inteiramente dos presentes! Estão todos convidados.

Rocky Marsiano no Festival Interparla

2008-02-13T20:30:00.002Z

Amanhã dá-se a estreia de Rocky Marsiano (ao vivo) em terras dos nuestros hermanos. O palco Sound&Vision do Festival Interparla será pisado pelo "formato tipo" deste projecto com André Fernandes, Rodrigo Amado e DJ Ride a acompanharem-me no que será certamente mais uma viagem pelo mundo do improviso, sempre com a fusão hip-hop/jazz/funk como pano de fundo.

Desta vez o espectáculo contará também com a participação do Zekans, o homem vídeo dos Deubreka .

DJ Shadow & Cut Chemist: de regresso aos 45s

2008-02-12T08:31:00.000Z

No final da entrevista que lhe fiz a propósito de "The Outsider", DJ Shadow já dava conta da sua vontade de voltar aos mundos paralelos que sempre gostou de explorar, desde o início da sua carreira. Porque Shadow tem sabido equilibrar o lado mais visível da sua discografia - "Endtroducing", "Private Press", "The Outsider" - com uma série de aventuras que parecem desenhadas para a sua base hardcore de fãs - "Brainfreeze", "Product Placement", , "Diminishing Returns", "Funky Skunk". Se na sua discografia "oficial" é a faceta de produtor que sai mais evidenciada, nestes discos de circulação limitada é o seu lado de dj e até de digger que se sublinha. Agora, Shadow tem um novo álbum na rua em colaboração com Cut Chemist: "The Hard Sell".
Este é o terceiro capítulo numa já longa colaboração com Cut Chemist, ex-Jurassic 5. Shadow e Cut conheceram-se de forma curiosa: ambos editaram em tempos faixas com o título de Lesson 4 por terem ambos decidido homenagear a dupla Double Dee and Steinski, criadores das famosas Lesson 1, 2 & 3. "Great minds think alike", diz o ditado, e Cut e Shadow não demoraram a estabelecer uma parceria que cedo começou a render dividendos (Cut foi, por exemplo, um dos poucos a remisturar Shadow, reconstruindo a clássica "The Number Song"). Mas foi com "Brainfreeze" que a colaboração ganhou dimensões extraordinárias. Set composto exclusivamente de Funk 45s, "Brainfreeze" foi o responsável por lançar luz na subcultura de coleccionismo hardcore de funk que fez disparar o preço das peças mais raras deste género. A febre foi tal que até "Brainfreeze" virou peça de colecção. O mesmo haveria de acontecer com "Product Placement", o segundo capítulo nesta viagem pelo mundo dos singles de funk.
Mas os fãs dessas suas lições práticas na arte de descobrir, sequenciar e mixar singles de funk não sabem bem o que os espera com "The Hard Sell"! Neste novo álbum, a receita continua a implicar uma dieta exclusiva de 45s, mas desta vez há 8 gira-discos e dois pedais de sampling mais uma rack de efeitos em jogo. Tudo começou com um convite para uma actuação no famoso Hollywood Bowl em Junho passado. O CD entretanto editado foi gravado nos ensaios de preparação desse concerto. Ora, interessante aqui é a decisão de Shadow e Cut de realizar uma inflexão de caminho no preciso momento em que a sua fórmula angaria atenção suficiente para merecer um convite para actuar num espaço com capacidade para 16.500 pessoas. É verdade, o equivalente ao nosso Pavilhão Atlântico. Dois Djs no Pavilhão Atlântico...!!! Shadow e Cut poderiam ter optado por regressar ao terreno conhecido dos Funk 45s, garantindo assim o sucesso da aventura. Mas "The Hard Sell", como o título indica, é algo mais complicado. Este termo de marketing designa uma estratégia mais "violenta" de abordagem dos consumidores, que foi exactamente o que Shadow e Cut fizeram aqui. Mais violenta, claro, porque os transporta para terrenos desconhecidos. Já não o funk, mas uma viagem intensa que começa em terrenos Doo Wop (embora transformados) e percorre um longo caminho que passa pelo Hip Hop (e pela homenagem, por exemplo, aos De la Soul de "3 Feet High & Risin'" pela via da desconstrução dos samples originais de alguns dos momentos-chave desse grande e histórico álbum), pelo rock e pelo que mais se possa imaginar, numa viagem intensa, dura e imprevisível. Dj Shadow e Cut Chemist decidiram correr riscos. E logo no momento em que se preparavam para enfrentar 16 mil pessoas. O que só demonstra o carácter irrequieto destes dois criadores.
Em "The Hard Sell" já não é tanto a ilustração de uma cultura ou de uma ideia de diggin' que está em causa, mas a utilização dos discos para a construção de algo novo. É isso que se quer dizer ao ir buscar os samples origianis de "Jenifa", por exemplo: esta é uma arte que vive do reenquadramento de velhos pedaços de vinil que podem - e devem - ser usados para erguer novas obras. "The Hard Sell" é, no fundo, uma mensagem, uma espécie de manifesto que parece pedir para se voltarem a colocar os pés no chão nesta época de profundo delírio digital. Não é à toa que a capa do álbum mostra uma velha jukebox a revoltar-se e a disparar singles de sete polegadas contra iPods...
Arranjem as vossas cópias o quanto antes. Vão esgotar, certamente.
No próximo dia 24 de Março, DJ Shadow estará em Madrid com Cut Chemist para apresentar este projecto. Uma delegação do Hit da Breakz estará presente para depois reportar o que viu.

RIP Tony Silver

2008-02-11T11:03:00.000Z

Existem obras que com o tempo se tornam em marcos inegáveis na afirmação de uma cultura. No caso do hip-hop, o brilhante Style Wars (1983) é um desses marcos.

Pessoalmente, considero-o o documentário mais fiel a retratar os primeiros passos desta cultura. A maneira como os "4 elementos" convivem é simplesmente incrível. É também neste filme que ouvi a melhor definição da palavra "style", tão importante para que encontra no hip-hop o seu espaço de expessão e criação.

O homem por trás desta aventura que marcou assim tanto a história do hip-hop chamava-se Tony Silver. O Sr. Silver falaceu no passado dia 1 de Fevereiro e o HTB presta-lhe agora a sua humilde homenagem. R.I.P. Tony e obrigado!

Jazz Bridges # 9: Byrd's groove

2008-02-11T10:18:00.000Z

O avanço imparável das décadas tem pelo menos uma inegável virtude: possibilita que se observe em simultâneo as diversas fases da carreira de um artista. Atente-se ao caso específico de Donald Byrd – se por um lado a reorganização do catálogo da Blue Note tem possibilitado a recuperação de pérolas do seu período hard bop/soul jazz, como por exemplo “Off to the races” (1959), “The cat walk” (1961) ou, entre outros, “Free form” (1961), por outro tem permitido que protagonistas da modernidade tão distintos como Madlib, os Glimmers, os Jazzanova ou James Murphy dos LCD Soundsystem descubram em diversos momentos da sua obra pontos de contacto claros com o presente. Curioso, no entanto, é o facto de todos os citados terem resolvido olhar para o Donald Byrd de meados dos anos 70 em diante nas suas incansáveis buscas das raízes da actualidade.
Madlib fez de “Stepping into tomorrow” (título profético para um tema de um LP homónimo de 1975…) a peça central de “Shades of blue”, o álbum que a Blue Note lhe encomendou em 2003; no mesmo ano, os Glimmers – belgas que recentemente remisturaram os portugueses Pop Dell’Arte e que são arautos da nova cena disco sound – incluíram “You and music”, tema do enorme “Places and spaces” de 1975, na compilação “Blue Note’s Sidetracks”; em 2005, os Jazzanova, figuras de proa da etiqueta Compost, também foram convidados pela Blue Note para fazerem a sua própria compilação e não se esqueceram de Donald Byrd – desta vez a escolha recaiu sobre “Think twice”, também do álbum “Stepping into tomorrow”; e já nesta recta final de 2007, James Murphy, cérebro dos LCD Soundsystem cujo álbum “Sound of Silver” vai encabeçar muitas listas de melhores registos do ano, assinou o 36º volume da série FabricLive, uma colecção de compilações promovida por um dos maiores super-clubes da actualidade, e não se esqueceu de incluir “Love has come around”, tema de abertura do LP “Love Byrd” de 1981 (produzido por Isaac Hayes), um trabalho assinado por Donald Byrd & 125th Street, N.Y.C. (assim mesmo) que já havia sido referência habitual nos sets do mítico DJ do Paradise Garage Larry Levan.
Seria possível enumerar mais exemplos de sintonia entre a música de Donald Byrd e as coordenadas que definem o presente das tipologias que apontam ao groove a partir da electrónica, mas julgo que estes são dos mais significativos. O que aqui é paradoxal é que a música que Donald Byrd realizou nos anos 70 – e que à época o establishment do jazz desvalorizou como música comercial: o New Grove Dictionary of Jazz descreve mesmo a sua produção nos seventies como “increasingly tasteless and shallow” – parece ser a que melhor o projectou no futuro. Byrd nasceu em 1932 em Detroit, cidade de fortíssimas tradições R&B (a Motown é um produto de Detroit, por exemplo), e fez carreira assinalável ao lado de gigantes como Max Roach, Sonny Rollins e Art Blakey, entre outros. Após a morte de Clifford Brown, em 1956, muitos olharam para Donald Byrd em busca da mais sólida referência para o trompete hard bop. Mas na década de 60, Donald dedicou-se a uma carreira académica que o levou a ingressar nos corpos docentes de algumas importantes universidades americanas, deixando a sua carreira de jazzman em pausa. Quando regressou aos discos em força, na década de 70, a produção dos fabulosos irmãos Mizell (que trabalharam igualmente com Johnny Hammond e Gary Bartz além dos Jackson 5 e dos Miracles…) sintonizou o talento de Byrd com a vertigem do groove que parecia comandar os destinos de grande parte da música negra da época. Nesse contexto, Donald Byrd assinou uma série de impressionantes álbuns – “Black Byrd” (1973), “Street lady” (1973), “Places and spaces” (1975), “Stepping into tomorrow” (1975), “Caricatures” (1976) – que os guardiões da verdade do jazz não encaixaram da melhor forma, quase sempre negando-lhes qualquer tipo de validade, mesmo à luz das experiências de fusão que então pareciam animar boa parte da produção jazzística mais moderna. Pode-se argumentar que Donald Byrd não deixou de ser um bom trompetista com a chegada dos anos 70 e que a sua música apenas ecoava as experiências ao nível do ritmo que se levavam a cabo nos terrenos do funk e até do disco sound. Mas a prova mais clara de que a música que Byrd criou nesse período merece toda a nossa atenção vem do facto de ter redescoberto pertinência no presente. Gente como Madlib ou James Murphy tem percursos muito diferentes. Que ambos – e outros - citem a obra “menor” de Donald Byrd só pode significar que há que reavaliar o que este trompetista fez no período em que o planeta inteiro parecia estar a dançar.

Donald Byrd (with 125th Street feat. Isaac Hayes) - "Love Has Come Around" - 1981 (áudio)

Herbie e o futuro

2008-02-06T10:51:00.000Z

Ora aqui estão quase sete minutos de um revelador vídeo que nos mostra Quincy Jones e Herbie Hancock a mexerem numa das peças que na transição dos anos 70 para os anos 80 anunciava definitivamente o futuro - o Fairlight CMI, um dos primeiros samplers do mundo. E Herbie (somos íntimos, trato-o pelo primeiro nome...), como sempre, dá um show de balanço e groove.

De Duivel: onde o Hip-Hop mora

2008-02-04T10:44:00.000Z

Já imaginaram como seria um lugar onde o Hip-Hop e seus parentes (funk, soul, reaggae...) tivessem lugar para se manifestarem todos os dias? Todos os dias?

Em Amesterdão existe um lugar assim. O De Duivel é a Casa da "música negra" na capital holandesa. Desde 1992 que é assim...

É também a minha segunda casa aqui. 3 vezes por mês tenho a oportunidade de restabelecer o meu equilíbrio, o meu "karma musical". E o sentimento de auto-satisfação que sinto após cada set é lindo. Porque são poucos (talvez nem existam) os sítios onde te pedem que toques o Big Daddy Kane ou o primeiro álbum do Paris, ou onde alguém ao teu lado passa horas a fumar erva e a rimar ao som de praticamente tudo que tocas...

Back to the lab

2008-02-01T11:47:00.000Z

Nao há nada como um batida fresca para começar bem o dia...

1. Sacar aquele viníl que está ali em cima da cadeira há meses - á espera de ser samplado...

2. Ligar a "mother ship", aka, a MPC

3. Ligar os cabos todos - seca!!!!!!!

4. ................................. - esta é a parte da criaçao

5. Ouvir essa batida 40 vezes

6. Fazer o "save" (!)

7. Colocar no HTB

A procura da loja perfeita 1 - Distortion Records

2008-01-31T12:08:00.001Z

Faz agora mais ou menos 5 anos que, por motivos afectivos, tenho repartido a minha vida entre Lisboa e Amesterdão. Como é óbvio, uma das primeiras acções que levei (e continuo a levar) a cabo nesta cidade, foi a de desobrir lojas de discos. A minha última descoberta, que se deu por mero acaso, foi a Distortion Records (http://www.distortion.nl/). Esta loja saltou de imediato para o primeiro lugar das minhas lojas preferidas de Amesterdão. O espaço da loja não é maior que algumas salas de estar e assemelha-se mesmo a muitas salas de estar de DJs - o vinil está por todo o lado. E quando digo por todo o lado não estou a exagerar. É que torna-se óbvio para qualquer um que entre na loja que os discos desde há muito ganharam vida própria e agora são uma espécie de vírus (benigno, claro!) que se espelha e espalha e espalha pela loja... o catálogo fala por sí (www.distortion.nl/catalog.php).
Para os mais "certinhos", os que gostam de ir direitinho à secção do funk, do techno, etc.; não recomendo esta loja. Mas para os que fazem da descoberta o seu método, a Distortion Records é O ponto de paragem obrigatório para o amante da música (vinil) de passagem na cidade dos canais.

Pieces of Peace: extreme digging

2008-01-31T11:20:00.000Z

Ter a capacidade de descobrir uma cópia de um single editado em 1969 numa pequena cidade do centro do Texas numa tiragem naturalmente limitada de 500 exemplares dos quais apenas 150 alguma vez chegaram ao mercado de distribuição local já nos parece uma tarefa sobre-humana. Mas nos Estados Unidos uma nova e ainda mais extrema visão do diggin' começou quando coleccionadores começaram - mercê de verdadeiros trabalhos de detective - a investigar os nomes nas fichas técnicas desses singles raros e chegaram ao ponto de poderem reeditar pérolas há muito perdidas. O caso dos Pieces of Peace, agora recuperados na Quannum de DJ Shadow e companhia através do selo Cali-Tex, é ainda mais incrível.
Esta pérola de soul (e jazz e funk...) foi originalmente gravada para a etiqueta Scarab, dos míticos Pharaohs, mas o disco foi arquivado depois do grupo se ter desmembrado. Todos estes anos depois, Dante Carfagna e Rob Sevier, com o apoio de Josh Davis, aka Shadow, localizaram as fitas originais, procederam à sua restauração e oferecem agora em toda a sua glória original esta edição preciosa. 35 anos depois, o free funk altamente libertário deste colectivo continua tão vibrante como quando foi gravado.
Derf Reklaw, percussionista e flautista que também militou nos Pharaohs, é um dos músicos deste colectivo e não é de espantar que surja ligado à Quannum através da sua participação em Keepintime. Abaixo há um link para a audição em stream da totalidade do álbum dos Pieces of Peace: música revolucionária de um tempo em que as revoluções eram não só reais, mas aconteciam todos os dias numa América que aprendia a viver com a sua população de pele mais escura. Este é um dos sons dessas revoluções que mudaram a face de toda uma sociedade. A edição em vinil na Quannum/Cali-Tex é limitada, por isso não percam muito tempo.

Pieces of Peace - Pieces of Peace (áudio stream)

Lewis Taylor homenageia o capitão

2008-01-30T09:32:00.001Z

Lewis Taylor é um pequeno génio torturado cuja música não foi entendida pela indústria em que tentou singrar ainda na década de 90. "Lewis Taylor", álbum de "Lucky", editado em 1996, continua a ser um dos melhores produtos surgidos da colheita nu-soul. Este britânico tinha uma postura musical invulgar, era altamente criativo e isso rendeu discos que a sua própria editora não soube como promover. Ao segundo álbum, datado de 2000, Lewis cruzou a soul com algumas marcas de um certo folk-rock cósmico e os resultados (comerciais) foram ainda mais pobres. Nos últimos anos, no entanto, nos circulos de coleccionadores mais atentos, Lewis tem recebido o reconhecimento que sempre lhe escapou. Pode pecar por tardio, uma vez que Lewis já chegou a anunciar a sua desistência do mundo da música. Esperemos que não seja verdade. Entretanto, Lewis embarcou num curiosíssimo projecto: a regravação da totalidade do clássico "Trout Mask Replica" de Captain Beefheart. Um maverick britânico atira-se a um dos maiores monumentos da música americana, um trabalho verdadeiramente exploratório onde todas as coordenadas da música americana eram combinadas de forma inequivocamente genial. O resultado da abordagem de Lewis Taylor é surpreendente. Ao que parece não há planos para uma edição oficial, mas alguém - talvez o próprio Lewis - já disponibilizou na net o que foi gravado (que não é a totalidade do álbum, que é duplo no original e conta com 28 temas). Vale a pena ouvir. E descobrir a restante obra de Lewis Taylor.

Lewis Taylor - Trout Mask Replica (áudio)

A resistência do vinil

2008-01-29T12:15:00.000Z

A semana passada Ekozh, um dos participantes mais activos no fórum Hit Da Breakz, chamou a atenção para este documentário que Eduardo de Castro assinou. Trata-se de um curioso olhar sobre o mundo dos coleccionadores de vinil no Brasil, país que, como se sabe, tem produzido música que diggers de todo o mundo apreciam (Cut Chemist e Madlib incluídos...). Depois de visionar as duas partes do documentário (links abaixo), decidi enviar um par de perguntas ao relaizador Eduardo de Castro que muito prontamente nos honrou com as suas respostas.

Qual a intenção por trás do seu documentário: mostrar uma cultura específica da cidade onde rodou o filme ou pensa que o culto do vinil é algo alargado a todo o Brasil?
Acredito que não só no Brasil, acho que o mundo, as pessoas tem ainda a necessidade de pegar a música, de ter o contato físico, os encartes, a arte final em um tamanho legal e principalmente o controle total da coisa, contato da agulha, escolha da faixa etc. Além da coleção do raro.
O que vem por trás na realidade é a discussão de algo mais profundo, tudo esta ficando virtual demais nos dias atuais estamos perdendo o contato com coisas que eram materiais, depois da música temos as fotos que ficam guardadas em código binários, dentro do computador ou outro suporte, não estão mais nos porta retratos a vida parece muito plástica, dai inconscientemente estamos travando uma guerra contra o subjetivo, contra a perca da vida material.
Você teve apoios do Estado para fazer esse filme ou rodou sozinho?
Na realidade foi um projeto acidental, começou com uma brincadeira, entrevistei um amigo meio doido, o personagem "Marcelino" sobre uma visão meio apocalíptica dele com a sobrevivência financeira dos vinis, era muito divertido, só depois notei que e era um bom tema para documentário, continuei sem apoio, pois não era conhecido no meio artístico, e se torna difícil a captação financeira, mais foi excelente como experiência, e mostra que podemos fazer bons filmes (video) com pouca ou nenhum grana, basta ter um bom tema e saber desenvolver com criatividade.
Quais as reacções no Brasil ao seu filme?
Eu não acreditei quando recebi a primeira premiação, pois fiz sem muito compromisso era mais uma diversão, sem grandes pretensões, só que ele ganhou 5 prêmios, e abriu as portas para outros projetos, além de me tornar conhecido.
Melhor Curta Goiano, na 5° Goiânia mostra curtas 2005
Melhor Direção de curta, 1° Festcine Goiânia 2005
Melhor Filme pelo Júri popular, 13° festival de cinema de Cuiabá
Menção Honrosa – 6° festival de cinema e vídeo CHICO , Palmas Tocantins
Melhor Documentário - 3º festival em ar - Porto Nacional – TO
Além de abrir a mostra sobre música na Cinemateca Brasileira em São Paulo ano 2007
Essa cultura do vinil é algo que lhe interessa pessoalmente ou seu interesse foi apenas como realizador?
Adoro vinil, tinha algumas coleções que acabei vendendo, quando andava meio duro (sem dinheiro), depois comprei em CD e descobri que não tinha o mesmo peso do som no vinil, aí comprei de volta alguns, ando com um MP3 no bolso, com várias musicas que transferi dos vinis mas com o chiados e barulhos da agulha só para manter minha nostalgia viva, puro fetichismo. rsrssrs
Que outros projectos você tem em mãos?
Acabei de realizar meu primeiro longa, é um filme político sobre um episódio do Regime Militar Brasileiro "Guerrilha do Araguaia-As Faces Ocultas da História" (tem um trailer no youtube), tenho até um convite em aberto para exibi-lo aí em Portugal, começo agora a escrever mais um trabalho sobre música que é meu tema predileto, que espero realizar até o próximo ano.

Erykah loves vinyl

2008-01-28T09:55:00.000Z

Cinco longos anos depois, Erykah Badu está de volta com um novo álbum. "New Amerykah" é o sucessor do enorme "Worldwide Underground" de 2003 e promete: traz produção de gente como Madlib e 9th Wonder, pelo menos uma participação de Bilal e uma capa absolutamente fabulosa.
O vídeo para o tema "Honey", produzido por 9th Wonder, é um hino à cultura do vinil, inclui um apelo para que se apoiem as lojas de discos locais (por oposição às cadeias de lojas) e tem um par de cameos, incluindo um dos Sa-Ra. Erykah já tinha em tempos homenageado o passado do Hip Hop e agora recua e desenha todo um universo, dos Funkadelic e Grace Jones e Ohio Players. Venha o álbum.

Alexandre Camarão

2008-01-26T18:50:00.000Z

É sempre complicado olhar para uma discografia como a da Loop, que tanto me diz por razões que são conhecidas, e poder dizer assertivamente que este ou aquele álbum é um dos especiais. “The remixes”, o álbum do Alexandre Camarão para a Loop é, sem grandes dificuldades, um desses álbuns. Reduzido a uma frase, pego na que o Alexandre várias vezes repetiu quando o disco saiu - “este disco é uma remistura dos discos que tenho em casa na minha colecção”. Frase que, parecendo tão simples para quem a lê, a mim, que todos os dias trato e alimento a minha colecção de discos como se fosse um animal de estimação, diz-me muito. Uma colecção é muito mais do que um mero ajuntamento de discos, mas antes a expressão em quantidade dos nossos gostos. Uma colecção de discos é elástica para conseguir nela abraçar todos (mas mesmo todos) os gostos de quem a faz. Pelo que nela falta, consegue até mostrar aquilo de que nós não gostamos. E consegue ser bem mais do que isso porque nada consegue expressar tão bem a própria evolução dos nossos gostos ao longo da nossa vida. Talvez por isso, não haja palavras nenhumas que consigam definir aquilo que somos enquanto ouvintes do que os discos que temos.

Nos dias que correm, nem sequer é novidade o que se está a dizer. Com o sampler a custar tanto como um barril do petróleo, pegar nos discos que temos e fazer deles outro, é tão comum que nem sequer é rodapé. O que torna o disco do Alexandre diferente, para mim, e uma das muitas razões pelas quais olho para ele com o carinho com que o olho no meio dos outros discos que a Loop editou, é o facto de ser capaz de expressar as várias e diferentes linguagens e géneros que fazem parte do gosto do Alexandre num todo coerente. Isso, por si só, reduz-lhe drasticamente a companhia. Continua diferente quando o lado de expressão visual do Alexandre é expresso na capa. Percebo pouco de pintura, a música tira-me tempo para perceber os seus fundamentos como gosto de conhecer as coisas (a fundo). Mas, no alto da minha ignorância, não é difícil perceber que uma e outra, o lado musical e o lado visual, caminham em paralelo.

Num mundo onde as photo ops, os spin doctors, a notícia inventada, os “quero agradecer a Deus e aos meus fãs, sem eles não sou nada” das entregas de prémios, momentos como aquele que ouvir e ver "The remixes" proporciona, onde estamos cara a cara com um artista desta forma tão completa e complementada, são raros. São os discos da colecção a falar, mas é ele que ali está, carne e osso, olhos nos olhos, “eu sou assim”. Há todo o tipo de colecções mas muito pouca gente pode, como o Alexandre, dizer que a sua colecção falou por si. Num blog onde todos os dias falamos de discos e de colecções, o que o Alexandre fez é especial. Independentemente da música que lá está dentro e que subjectivamente tocará ou não quem a ouve (a mim, toca-me), pensar que uma colecção de discos fale por nós e diga aos outros quem nós somos desta maneira é especial para quem tem uma a ocupar uma sala da casa e que habitualmente fala disco a disco. Olha-se para ela, quer se queira quer não, de maneira diferente.

Tudo isto vem a propósito de o Alexandre Camarão, para além de professor, músico, pintor e ciclista é, desde o dia 31 de Dezembro de 2007, também blogger. Se a amostra até agora é reflexo de alguma coisa é a de que Alexandre está, no blog, a criar a sua colecção de escolhas de pinturas de outras pessoas. Conhecendo-o como “The remixes” o deu a conhecer, esperam-se resultados incríveis dessa colecção.

Pop Dell'Arte em mix de Fabrizio Mammarella

2008-01-24T10:59:00.000Z

Fabrizio Mamarella é um dos mais interessantes produtores da nova geração disco e a prova está nos seus lançamentos nas respeitadas Hairy Claw e Bear Funk. Agora, a convite do activo site/blog Cosmic Disco, Fabrizio assina uma mix - cujo link está mais abaixo - que tem a particularidade de incluir o tema Querelle dos Pop Dell'Arte que, como sabem, a Bloop:Recordings reeditou no final do ano passado. E é bom ver gente com o perfil de Mammarella a dar o sinal máximo de respeito por um tema - tocá-lo e incluí-lo em mixes que servem de apresentação do seu universo enquanto djs.

Set List

1. Kaoru Inoue - The Secret Field (Todd Terje Remix)
2. Loud-E - Palaza Break
3. Contact-U - Dancing Inner Space
4. Caja De Ritmos - Drumstep 1
5. In Flagranti - Low Dose Virility
6. Tom Browne - Fungi Mama (Bebopafunkadiscolypso)
7. Pop Dell’Arte - Querelle
8. Woolfy - The Growler
9. Ronny & Renzo - Big Smack And Flies (Mungolian Jet Set’s Medievel Knievel Version)
10. Dflex - Evif

Fabrizio Mammarella - Cosmic Disco Exclusive Mix (áudio)

20 anos de JB

2008-01-23T11:34:00.000Z

Neste último Natal completaram-se 20 anos de uma importante, embora meramente pessoal, ocasião: a entrada na minha colecção de discos do meu primeiro título de James Brown. "The LP of JB" é uma compilação lançada pela Polydor e impressa em Hannover, na Alemanha. Além da música continha duas coisas importantes: uma capa onde o Padrinho da Soul surgia em toda a sua glória e uma contracapa carregada de preciosas notas que contextualizavam a carreira de James e anotavam cada um dos títulos presentes nesta colecção. Ou seja, "The LP of JB" representou a proverbial ponta de um longo fio que até aos dias de hoje vou desenrolando.
Em 87 várias coisas importantes aconteceram na minha vida, mas a mais importante terá sido a entrada na faculdade e a chegada a uma nova cidade. Na altura os meus gostos musicais oscilavam entre os Smiths e Laurie Anderson e o Tom Waits e os Talking Heads e coisas assim (de que ainda hoje gosto, como é óbvio). Os discos na colecção ainda se encontravam abaixo da centena (que me lembro de atingir em 88!), mas possuia já todas as certezas do mundo em relação a um futuro ligado à música. Nesse Natal, como é natural, regressei a casa e num passeio pela baixa de Coimbra lembro-me de ver "The LP of JB" na montra da Discoteca Nova Almedina. Quando o meu irmão me perguntou o que é que eu queria como presente de Natal não hesitei e indiquei-lhe este disco. Para não haver surpresas - quem precisa de surpresas na Noite de Natal quando já está munido de todas as certezas? - fui com ele à loja e deixei-o apenas escolher o embrulho.
Em 20 anos este álbum rodou centenas, se calhar milhares de vezes. "Doing it to Death", "Soul Power", "It's a Man's World", "Papa's Got a Brand New Bag", "I Got The Feelin'", "Mother Popcorn", "Sex Machine"... clássicos atrás de clássicos de alguém a quem não reconheci imediatamente o carácter absolutamente revolucionário que imprimia na sua música. A minha primeira abordagem foi pelo sentimento e pela energia. Um pouco mais tarde, com a entrada do Hip Hop na era dourada do sampling, comecei a identificar em passagens de gente como De La Soul ou A Tribe Called Quest excertos daquelas canções de James Brown que tão bem conhecia... E o retrato começou a ficar mais nitído.
Nestes 20 anos construí uma imagem muito clara de James Brown, depois de ler longamente sobre ele, de escrever sobre ele e sobretudo de ouvir não apenas a música que ele criou mas também a que ele "provocou": o funk serviu de banda sonora a profundas transformações na paisagem americana. E continua a servir de inspiração para tanta música grande que - em vários géneros - nos vai obrigando a balançar o corpo e a cabeça. Vinte anos depois, essa compilação de James Brown continua a ter um lugar especial numa colecção que entretanto foi crescendo bem para lá da marca 100. Ainda assim, esta compilação continua a estar ao alcance do braço e livre do pó que se acumula noutras referências não tão desfrutadas, por assim dizer.

Theo in Detroit

2008-01-22T09:00:00.000Z

"Sound Sculptures", álbum de Theo Parrish, foi um dos pontos mais altos de 2007. Theo parece um alquimista com a capacidade de transformar em ouro tudo aquilo em que toca. A Adidas, para promover a sua série Sound Of The City, usada para retransformar as eternas Superstar, produziu um clip com Theo Parrish (é provável que existam outros...) que é deveras interessante: mostra-o a patrulhar a cidade com equipamento de gravação, como se estivesse a procurar capturar a alma de Detroit. E depois mostra-o em estúdio a trabalhar, reprocessando na sua MPC os sons entretanto registados. Comentários no fórum DJ History sugerem que a segunda pessoa no estúdio é Omar-S, ideia que a foto no site Discogs parece confirmar. Como é óbvio, tendo em conta quem produziu o vídeo, Theo é mostrado com uns ténis de três riscas num par de momentos do vídeo. Nada de escandaloso, no entanto. Na verdade, o único defeito deste vídeo é a sua curta duração. Ainda assim ganhamos uma pequena perspectiva sobre o pensamento de Theo Parrish e a sua relação com Detroit. E esse é o verdadeiro prémio contido nessas imagens.

Theo Parrish in Detroit (vídeo)

Vinil na idade digital

2008-01-21T11:53:00.000Z

Ontem voltei a "atacar" a feira de velharias aqui da zona, depois da interrupção forçada devido às férias de Natal. A última vez que tinha passado por uma destas feiras rendeu algumas preciosas adições à minha colecção de Libraries e ontem, entre outras coisas, risquei "Young Gifted & Black" de Aretha da minha lista de "necessidades" que não podem ser satisfeitas com reedições em CD. O vinil, tudo parece indicar, deixou de ser apenas o formato do passado e começa a reclamar com alguma pertinência um lugar no panorama discográfico do futuro.
Hoje, no Público, Victor Belanciano escreve sobre o facto de os novos suportes digitais estarem a comprometer a qualidade do som que se ouve. A Rolling Stone, no dia a seguir ao natal - talvez por saber que tantos iPods iriam aterrar nos sapatinhos de todo o planeta - publicou um artigo a que deu um título com uma óbvia carga dramática: em "A Morte da Alta-Fidelidade" Robert Levine explicava como a compressão dos MP3, por um lado, e a chamada Loudness War, por outro, têm vindo a provocar um decréscimo na qualidade do som da música que ouvimos. Essas são parte das razões para que algumas edições em CD de finais dos anos 80 e inícios dos anos 90 comecem a atingir preços significativos no mercado do coleccionismo - nessa época, ainda não se pensava em termos de "masterização digital" e os primeiros CDs pouco mais eram do que transcrições digitais dos masters analógicos. E de alguma maneira, essas edições retiveram as principais qualidades dos respectivos masters. Hoje pensa-se de forma diferente e para que o impacto seja maior - na rádio, no iPod ou na aparelhagem lá de casa - a vertigem do volume tem comandado as preocupações dos engenheiros de som na hora de masterizar. Mas agora, uma outra obrigatoriedade condiciona esses mesmos engenheiros quando masterizam um novo disco: pensar nos pequenos monitores dos computadores e nos minúsculos auscultadores em que toda a gente parece hoje ouvir música. Concessão, atrás de concessão, atrás de concessão. O som tem sofrido as consequências e a música, claro, tem sido penalizada por isso.
Há quem argumente que isso ajuda a explicar a crescente procura de vinil que, em Lisboa, até justifica que um par de novas lojas tenha aberto portas... Num momento de recessão da indústria, pensar em ganhar a vida a vender discos é não apenas uma prova de coragem, mas um acto de puro romantismo. E, no entanto, a verdade é que cada vez há mais público a procurar edições em vinil. Se isso acontece porque há quem queira voltar a ouvir música de forma decente, quem apenas se deixe conquistar por uma ideia fetichista da cultura do vinil, quem aprecie as capas XL, quem aposte numa carreira de DJing e encare as rodelas de plástico negro como ferramenta, ou simplesmente quem prefira ter a música impressa dessa forma por oposição às ofertas digitais, o que tudo isto sugere é que parece haver uma nova geração de Vinyl Junkies. E escrevo "parece" porque as informações são contraditórias: na Jamaica, uma espécie de "reserva natural" do single de sete polegadas, as transformações são notórias e parecem ter decretado a morte do pequeno single de vinil; nos Estados Unidos vários distribuidores especializados no universo da música de dança fecharam as portas e parecem ter complicado a vida a uma série de editores que ainda apostavam nas edições em vinil.
E por cá? Bem, por cá recuperam-se clássicos da década de 80 "Do Tempo do Vinil", reeditam-se algumas obras perdidas nesse formato e alimentam-se estratégias de mercado com a coolness do sete polegadas - a revista Blitz ofereceu um single de vinil de Tiago Bettencourt aos seus leitores. E estes são apenas alguns exemplos de resistência do vinil na era da transformação digital. Quem sabe se um dia destes o vinil ainda revela ser o balão de oxigénio desta moribunda indústria: quando o CD surgiu, facturaram-se quantias incalculáveis a vender pela segunda vez os mesmos discos às mesmas pessoas. Houve quem tenha convertido colecções inteiras para o novo formato e a indústria esfregou as mãos de contente pois estava a vender masters que há muito estavam pagos. Será que vamos assistir a uma nova febre de reedições, mas desta vez para colocar em vinil tudo o que apenas foi editado originalmente em CD? É que tudo indica que os CDs estão para sair de cena e só os formatos que se apoiam na internet para distribuição - MP3, etc. - e o vinil têm sobrevivência garantida. Os próximos episódios ditarão os caminhos a seguir...
Entretanto, alheios a tudo isto parecem estar os senhores e senhoras que todos os domingos lá vão transportando caixas e caixas de plástico com promessas de revelarem algumas preciosidades no meio dos detritos que as décadas também foram imprimindo em vinil. O lado menos positivo da questão é que há quem ache que tudo o que os Beatles, Amália ou Dire Straits fizeram vale o seu peso em outro. Felizmente, a "fome" orienta-nos as compras para outras direcções... E ainda bem, porque não há MP3 que faça justiça ao "Rock Steady" de Aretha ou às delicadas curvas da melodia que Marcos Valle e Elis Regina traçam em "Terra de Ninguém".

30 anos das rodas de aço

2008-01-19T09:29:00.000Z

Três décadas! É verdade, o modelo SL-1200MK2 foi lançado em 1978 como um upgrade ao modelo SL-1200 original, fabricado desde 1972 mas destinado a hi-fis domésticos. O MK2, como se sabe, veio mudar o mundo e tornar-se a "weapon of choice" de DJs de todas as áreas. Foi com 3 SL-1200MK2 que Grandmaster Flash nos ofereceu a obra prima "Adventures on the wheels of steel", não apenas um novo standard em "live" cut n' paste, mas também a obra que rebaptizou a invenção da Matsushita para o universo do Hip Hop (e não só). A importância deste artefacto, que continua a ser usado embora vários modelos com novas funções tenham surgido desde 78, é impossível de sublinhar. A história do djing seria certamente muito diferente sem ele. Robusto e carregado de personalidade, o SL-1200MK2 permitiu desbravar novos territórios musicais e aguentou sem dificuldades as intensas viagens que, de Detroit a Londres, de Lisboa a Tóquio, de Nova Iorque a Roma, permitiram a imposição de uma enorme variedade de djs e de muito diferentes abordagens à música. E apesar das inovações todas entretanto registadas no domónio dos gira-discos, poucas coisas continuam a ter um ar tão cool como um par de 1200 prateados nas mãos certas. Fica aqui a primeira das nossas homenagens ao Technics SL-1200MK2 neste ano de aniversário. E seja bem vindo ao clube dos trintões!

The Million Dollar Orchestra: Better Days

2008-01-17T10:04:00.000Z

Era mais ou menos inevitável - depois do empenho mimético das bandas de nu-funk em recuperarem aquele ponto perdido no tempo em que James Brown comandava supremo os destinos da música negra nos Estados Unidos algum dia se haveria de chegar ao disco. Curiosamente, tal como "Brainfreeze" de Dj Shadow e Cut Chemist funcionou como uma cartilha que permitiu a descoberta de um enorme e inexplorado filão funk, também a cena disco do último par de anos - alimentada a re-edits e novas produções de gente como Faze Action ou Escort - teria que conduzir ao ponto em que alguém quereria entrar em estúdio com uma série de músicos para recuperar o impulso que em míticos estúdios como o Sigma Sound de Filadélfia e com bandas como os MFSB (aka Salsoul Orchestra!...) rendeu inúmeras obras primas da era dourada disco. Al Kent fez exactamente isso com a sua The Million Dollar Orchestra que agora se apresenta com "Better Days".
O escocês Al Kent faz tudo como se nem um dia se tivesse passado sobre a data de estreia de Saturday Night Fever: entrou em estúdio (fita analógica, pois claro) com uma secção de cordas e uma série de músicos bem orientados na arte de manter um groove perfeito para a pista e saiu de lá com 8 faixas com títulos onde expressões como "get down", "bus stop", "boogie", "funky" e, claro, "love" polvilham os títulos. A produção tem todas as ideias certas: crescendos, breaks, guitarras em horas extraordinárias, baixo sinuoso, percussões dirigidas às ancas... tudo no lugar, prova de que Al Kent não só estudou a lição original, como a entendeu na perfeição.

Mais info aqui!

James Brown ao vivo no Zaire

2008-01-16T09:11:00.000Z

A partir de um post no belíssimo The Heat Warps (embora o nome represente o pesadelo de qualquer digger - discos empenados pelo calor é a pior coisa do mundo... sobretudo se estivermos a falar, por exemplo, do Afro Rock da KPM...)chegámos a uma preciosidade de valor incalculável: o registo áudio do famoso concerto de James Brown no Zaire, em 74, que precedeu o mítico Rumble In The Jungle, o combate que opôs Muhammad Ali a George Foreman. E que documento que é este bootleg nunca editado oficialmente: em 1974 não era apenas a África que estava em convulsão pondo um ponto final na era colonial, James Brown era também um vulcão em permanente erupção. Uma das maiores estrelas do mundo negro que tinha construído uma personna maior do que a vida propulsionada pelo funk, uma invenção própria que transformou a cena musical da década de 70 para sempre, o padrinho da soul fez dos palcos o laboratório de aperfeiçoamento da sua fórmula explosiva e portanto ouvir este documento é ouvir essa superestrela no topo dos seus poderes. Por isso obrigado ao Heat Warps! Façam o favor de arredar a mobília da sala...

James Brown - Live in Zaire 1974 (áudio)

Cut Copy: So Cosmic mix

2008-01-15T17:15:00.000Z

O excelente Music For Robots publicou há umas semanas uma mix que não podíamos deixar passar em branco. Pertence aos Cut Copy e é uma interessante leitura da cena cósmica. Do Music For Robots e por Dan dos Cut Copy:

aphex twin - on
This is one of Aphex Twin's classics, and I've always used it as an intro to our DJ sets. I'm a big fan of looped piano riff (two other faves of mine being mike oldfield's tubular bells or DJ Shadow's building steam from a grain of sand). It's almost hard to imagine this is the same guy who wrote come to daddy.

cut copy - so haunted (knightlife end edit)
Our mate Knightlife called me up when he heard 'so haunted' on the radio and asked what happens after it fades out. He was imagining this sun soaked disco reprise so we gave him the parts and two days later we had our hands punching the air listening back to it.

panda bear - bros
This panda bear record is without a doubt my favorite of 2007. For me it's like paul simon graceland era meets animal collective meets the avalanches. Some of my favorite shit.

popolice - (edit)
Popolice is a one man my bloody valentine - it's a trick because whenever I close my eyes at his shows you can imagine a whole band with wailing guitars and heartbrakingly beautiful textures and harmonies. A bit of an underground favorite in melbourne, he's played with us and become a mainstay on the cut copy stereo.

delia & gavin - rise
For me this song reminds me of driving at dusk, or perhaps it's the sound of the world as it was being created. I've only seen them play once but they had me transfixed for the 25 minutes that they played, with no gaps or talking. amazing.

Elitechnique - fingerfood (major swellings mix)
There's a touch of herbie hancock in all of us. And I must admit I remember seeing the electronic saxophone on a show called 'beyond 2000' when I was a kid and badgering my parents to buy me one. They never did.

nu musik - warp
This song is incredible to me. It's one of those tunes that transports you; from chicago house to blissful acoustic guitar, sounding like one of the best remixes you've heard. I was staggered to find out it's actually from 1982 and the original version of the song.

panthers - goblin city (holy ghost! dub)
Holy ghost! seem to be one of the heroes of DFA's new wave of talent. This mix of panthers is as good as many of the DFA's own. I cant wait for more.

alan braxe & fred falke - horizon
This track appeared on the promo for Rubicon a number of years back but (perhaps due to it's length) has remained a tantalizing piece of braxe/falke magic. I love it every time I hear it, but never manage to listen to it long enough to get over it. pure bliss.

bell x1 - flame (chicken lips dub)
This mix is a bit like a modern pop interpretation of the anthemic white-funk of talking heads. One my favorite chicken lips remixes for some time.

giorgio - knights in white saturn
This is one of my favorite giorgio tracks. I love this era of his music where in parternship with pete bellotte their songs build and deconstruct themselves piece by piece over a whole side of vinyl. This particular one is a cover of Justin Hayward and spans three disco interpretations of the song. The cover is also absolutely genius.

aeroplane - aeroplane
Aeroplane is my new favorite artist. This track comes like a contemporary version of the songs that inspired the new cut copy record 'In ghost colours'. Not out of place next to Jean Michel Jarre's 'Equinoxe' or PIL's 'this is what you want, this is what you get'. An epic soundtrack to... well... something.

fleetwood mac - never forget
'Tusk' was an ambitious double-album and although it probably didn't scale the heights of 'Rumours', it has some truly heartwarming/breaking chords and melodies.

lifelike - so electric
Like alan braxe and daft punk, lifelike seems to be at his best when his tracks stumble upon some sort of shared musical consciousness; a melody seemingly from the past which takes hold like a fond memory of childhood. 'So electric' is simultaneously triumphant and nostalgic, and for me an instant classic.

saturn 5 - oscillations
pure kraut. It goes to show you dont need more that one chord (or even one note for that matter) to write a compelling tune.

international music system - runaway (edit)
A lot of the time in writing our second record was spent researching and listening to music from the past, making connections between our modern favorites and those that inspired them. To me almost like a proto-alan braxe blueprint. Unfortunately it's incredibly difficult to get information about many of these italo artists so I know precious little about it. It's good though.

cut copy - lights & music
This song was written from two ideas and then joined together. The chorus began as an dubby electronic disco number I wrote and the verses from post punk inspired jam that Tim and I recorded on bass keyboard and drum machine. It's also our next single.

jean michel jarre - equinoxe (edit)
What more can be said about Jean Michel Jarre? He's a hero. For the tech heads, he has put the Yamaha CS60 and 80 into our hearts forever.

harmonia - deluxe (drum edit)
Harmonia was the all-star 'dreamteam' of krautrock. Michael (Jordan) Rother from Neu on guitar combined with the Cluster pair and Roedelius (AKA Shaq) and Moebius (not unlike the silky skills of Clyde Drexler). Seriously though both the harmonia albums are masterpieces. Over the last couple of years I've listen to these records countless times for inspiration.

the bells - target group (C90 mix)
C90 seem to have emerged as blog favorites for many people. This is my pick of their mixes.

holy ghost - hold on
I cant say enough about Holy Ghost! This record is a hands down classic for me. From the throbbing staccato synth of the verses to the soaring clavinet piano of chorus. This the Cut Copy 12" anthem of 2007. When are these guys going to do a remix for us already? DFA, you've done it again...

bagraiders - nil by mouth
Bagraiders have emerged along with wunderkind Knightlife (who also remixed this particular tune) as part of the new wave of Australian electro producers. For some reason more than most other countries this scene has really taken hold here when only a few years ago it was Jet and their rock revival clones that seemed to rule the bars and clubs.

space - save your love
This is an instrumental edit of Space's 'save your love'. Not be confused with the KLF/Orb collaboration also called 'Space' this is more than remeniscent of Daft Punk's Disovery era.

inflagranti - additional alpha blocker
I my opinion these guys rarely put a foot wrong. And even when it is wrong, goddamn it - it's still so right. This track almost goes into transcendental chicago house territory. I cant wait for their next 12.

oran juice jones - the rain
An 80's underground soul classic.

cut copy - hearts on fire (a cappella)
cut copy - hearts on fire (joakim mix)
Joakim is someone who I've followed musically over his career and have always been surprising and inspiring. His most recent forays into mixes seem to have been his most successful in terms of club play and he seems to be really hitting his stride. This version of our tune came through to us when we were at DFA recording our album and was a soundtrack for that period. Hands in the air!

Cut Copy - So Cosmic (áudio)

O livro de Disco Patrick - parte 2

2008-01-14T13:49:00.000Z

E finalmente chegou o livro de Disco Patrick, o número 22 de uma série limitada de apenas 100 exemplares! E que livro! "The bootleg guide to disco acetates, funk, rap and disco medleys" é um poderoso documento, profusamente ilustrado e anotado que nos leva ao exacto ponto em que a cultura de música de dança começava a definir-se. Disco Patrick lista e anota os principais selos de bootlegs e os seus outputs, transformando assim o seu livro num valiosíssimo guia para futuras compras. Mas, mesmo para quem não pretenda atirar-se a este filão de discos, o livro continua a ter pontos extra de interesse por ilustrar um período menos conhecido da história da música com muita informação sobre protagonistas esquecidos da era em que o disco reinava. As centenas de fotografias - de etiquetas, mas também de pessoas, de equipamento e de estúdios, etc - oferecem um passaporte visual para uma época vibrante, quando os djs começaram a assumir o risco de transformar o mundo à sua volta, ou pelo menos alguns dos temas de que mais gostavam.
Contamos, logo que o livro esteja mais ou menos "digerido", apresentar por aqui uma entrevista a Disco Patrick. Stay tuned...!

Oh no, it's disco!

2008-01-13T10:18:00.000Z

James Murphy teve um ano em cheio: “Sound of Silver” coroou 2007 da melhor maneira, mas como se não bastasse há ainda que contabilizar 45:33 e a entrada número 36 na espantosa série FabricLive.

LCD SOUNDSYSTEM 45:33 DFA/EMI-VC 5/5
JAMES MURPHY & PAT MAHONEY FabricLive. 36 Última/Fabric 5/5

Ouvir 45:33 todos estes meses depois da sua apresentação no iTunes com a chancela da Nike só reforça a ideia inicial de puro génio. E agora, com os excertos posteriormente usados em Sound of Silver devidamente contextualizados, a imagem torna-se nítida: o desafio da gigante corporação de material desportivo pode ter sido lançado com a ideia de obter três quartos de hora de banda sonora para joggers rendidos à era do iPod, mas James Murphy tratou a matéria-prima essencial do seu segundo álbum (alguns temas devidamente despidos de vozes) como combustível para um mini-set de Disco. As marcas estão todas lá: o crescendo, as vozes eufóricas como apontamentos repetitivos, a pausa um pouco antes da meia hora para preparar o clímax e depois a calma que chega a menos de 10 minutos do fim, como o encerrar de uma noite gloriosa na pista de dança. Claro que a escala – 45 minutos apenas – não favorece a ideia de viagem que um set implica e sob esse aspecto particular FabricLive 36 adequa-se um pouco melhor (ultrapassa os 70 minutos…) a ilustrar a paixão de James Murphy (aqui com o baterista Pat Mahoney) pelo lado mais oblíquo do Disco.
A encomenda do clube Fabric é aproveitada para Murphy encenar mais uma sentida homenagem a Nova Iorque. Não a uma Nova Iorque real, mas a uma Nova Iorque imaginada onde as noites do Loft ainda perduram e o Disco é campo de experimentação suficientemente amplo para acolher Donald Byrd e Larry Levan, Mudd e Daniel Wang os Was (not Was) e, claro, os LCD Soundsystem. Saltam-se épocas e sensibilidades sem nunca privar as colunas de música de refinado carácter lúdico que apesar de ser pensada com um propósito muito específico nunca rejeita a sofisticação e a liberdade de formas. Estamos na presença dos faróis que guiaram James em Sound of Silver ou que pelo menos inspiraram todas aquelas fabulosas linhas de baixo que injectam sinuosidade nas canções que elevaram a colheita 2007 dos LCD Soundsystem à categoria de futuro clássico. De certa maneira, ouvir este FabricLive.36 é o equivalente de espreitar para dentro da cabeça de James Murphy. Continua-se sem perceber como funciona, mas percebe-se claramente porque se mexe.

Texto publicado originalmente no número 19 da revista Blitz.

Op. # 25 nas bancas + passatempo HdB

2008-01-11T18:54:00.000Z

O Hit da Breakz assinala a edição do número 25 da revista Op., uma vez mais disponível com duas capas, com a oferta de três assinaturas aos seus leitores. Enviem-nos um mail a explicar porque precisam desta assinatura. Sejam imaginativos. Os três melhores mails serão premiados com uma assinatura anual desta revista. A palavra ao editor da Op:

A Op. é uma revista cultural generalista, com um conceito pioneiro em
termos nacionais, que cruza os campos da opinião e da divulgação de
arte contemporânea, partindo da música (como um dos mais definitivos
veículos de comunicação) para promover uma reflexão em contacto directo
com as restantes áreas da criação - cinema, design, literatura, teatro,
artes plásticas, dança, moda, fotografia, bd, publicidade, etc...
É uma revista independente, concebida por um conjunto de profissionais
(críticos, teóricos, designers, ilustradores, etc...) que aqui se reúne
com o objectivo de criar uma publicação com um grau de exigência global
superior ao da maior parte dos projectos que se desenvolvem nesta área
em Portugal.

Op. #25, já nas bancas - destaques:
*dossiê cantoras soul
*dossiê Nanni Moretti
*Caetano Veloso
*Douglas Sirk
*W. G. Sebald
*exposição "Um teatro sem teatro"
*Robert Rauschenberg em Serralves
*Magdalena Kozena na Gulbenkian
*Summer Records
*Jakbeat
*Italians Do It Better
*a revista Wax Poetics
*"Alfred Hitchcock presents"
*"Seinfeld"
*a integral das sinfonias de Shostakovich por Mstislav Rostropovich
*Chris Connor
*Bonnie Prince Billy
*David Lynch
*Amos Oz
*as listas dos melhores discos do século XX de Hans-Peter Lindstrom e
de Yen Sung
*etc...

CBS TOP 100

2008-01-10T10:07:00.000Z

O Cybernetic Broadcasting System tem uma lista de 100 entradas para resumir 2007. E que lista espantosa que é. No site podem descarregar um PDF com a lista e 10 ficheiros de MP3 que percorrem todo aquele espantoso conteúdo. De que é que estão à espera?

RIP Mort Garson

2008-01-09T19:57:00.001Z

Mort Garson faleceu no passado dia 4 com 83 anos. A Variety dá a a notícia com alguns detalhes. Importa saber que morreu um pioneiro na utilização da tecnologia electrónica surgida na década de 60, os revolucionários Moogs, que mudaram a forma de executar e de pensar a música. Em tempos, Mort Garson foi mesmo por aqui mencionado no HdB a propósito de um post sobre, claro, Moog Records. Desaparece assim mais um pioneiro, autor de discos esotéricos que ecoavam a descoberta de novos mundos (sonoros, mas não só...) na época em que foram feitos. Fica a nota de pesar.

Cosmo Baker e a História do Hip Hop

2008-01-09T13:01:00.000Z

Já está disponível o Volume 12 da incrível aventura em que Cosmo Baker embarcou há já algum tempo - contar a história do Hip Hop com sets dedicados a cada um dos anos desde que há produção discográfica deste género: o arranque foi, portanto, com 1979 e agora a viagem chega a 1990. Os primeiros onze episódios continuam disponíveis para download (link abaixo) e constituem uma impressionante radiografia da evolução do lado musical desta cultura. Aproveitem. Aqui fica a (incrível) set list do 12º volume!

Above The Law "Another Execution"
Ice Cube "Once Upon A Time In The Projects"
Brand Nubian "Who Can Get Busy Like This Man?"
Main Source "Just Hanging Out"
Eric B. & Rakim "Mahogany"
Compton's Most Wanted "Give It Up"
CPO "Ballad Of A Menace"
Lord Finesse & DJ Mike Smooth "Here I Come"
Omniscence "Lost In The Music"
Gang Starr "Love Sick"
Digital Underground "Freaks Of The Industry"
Lakim Shabazz "The Lost Tribe Of Shabazz"
King Tee "Played Like A Piano"
K-Solo "Fugitive"
Kool G. Rap "Streets Of New York"
Masta Ace "Me & The Biz"
The Geto Boys "Gangster Of Love"
A Tribe Called Quest "Bonita Applebum"
A Tribe Called Quest "Push It Along"
Freshco & Miz "Ain't You Freshco?"
Eric B. & Rakim "In The Ghetto"
Main Source "Just A Friendly Game Of Baseball"
Nice & Smooth "No Bones In Ice Cream"
Dooley-O "Watch My Moves"
D-Nice "Call Me D-Nice"
Boogie Down Productions "Material Love"
Special Ed "Living Like A Star"
Poor Righteous Teachers "Rock This Funky Joint"
Big Daddy Kane "YounG Gifted And Black"
Lord Finesse & DJ Mike Smooth "Funky Technician"
Third Bass "Product Of The Environment"
LL Cool J "Eat 'Em Up LL, Chill"
The Geto Boys "Scarface"
Above The Law "Murder Rap"
Low Profile "Playing For Keeps"
Ron B "Stitch By Stitch"
Main Source "Snake Eyes"
Chill Rob G. "Let Me Show You (Prince Paul Remix)"
K-Solo "Your Mom's In Our Business"
The Flavor Unit "The Flavor Unit Assassination Squad"
415 "Lavish"
Too $hort "The Ghetto"
Three Times Dope "No Words"
Special Ed "The Mission"
Main Source "Think"
Third Bass "3 Strikes 5000"
KMD "Gasface Refill"
360 Degrees "Somebody Like Me"
Gang Starr "Just To Get A Rep"
Public Enemy "911 Is A Joke"
YZ "Sons Of The Father"
Brand Nubian "Drop The Bomb"
Lord Alibaski "Crunch Time"
X-Clan "Heed The Word Of The Brother"
Kinds Of Swing "Nod Your Head To This"
Special Ed"Ready 2 Attack"
Special Ed "I'm The Magnificent (Remix)"
Gang Starr "Who's Gonna Take The Weight"
Three Times Dope "In Effect"
A Tribe Called Quest "Youthful Expression"
Brand Nubian "Ragtime"
415 "415in"
X-Clan "Days Of Outrage, Operation Snatchback"
Ice Cube "Amerikkka's Most Wanted"
Kid Frost "La Raza"
Kool G Rap & DJ Polo "Talk Like Sex"
Monie Love "It's A Shame"
A Tribe Called Quest "Pubic Enemy"
Intelligent Hoodlum "Trag Invasion"
N.W.A. "100 Miles And Running"
E.P.M.D. "I'm Mad"
E.P.M.D. "Rampage"
LL Cool J "Jingling Baby (Remixed And Still Jingling)"
Public Enemy "Welcome To The Terrordome"

The Rub History Of Hip-Hop Volume 12: 1990 (Mixed by Cosmo Baker) (áudio)

Episódios 1-11 (áudio)

Marsiano's bass line top 5

2008-01-08T13:06:00.000Z

A linha de baixo num tema de hip-hop muitas vezes é o que mais se destaca acabando mesmo por ser o elemento que a nossa memória melhor assimila. É com base na memória e nada mais que proponho este exercício: tentem lembrar-se das 5 linhas de baixo mais apelativas presentes em temas hip-hop.

No meu caso o resultado é o seguinte: 1. Dead Prez: "HipHop"; 2. Gang Starr: "Mostly tha voice"; 3. Diamond D: "Sally got a one track mind"; 4. Lordz of the Underground: "Chief Rocka" & 5. Beatnuts: "Props over here"

Floodwatchmusic - estudos hip hop

2008-01-08T11:03:00.000Z

O blog Floodwatchmusic é a minha mais incrível descoberta na internet nos últimos tempos. Trata-se de um blog para dissecar totalmente, tal a riqueza dos seus conteúdos. Antes de passarmos a essa enumeração, permitam-me apenas que partilhe uma ideia que me acompanha há muito tempo: sempre achei que a música se estuda. Não num sentido académico, de ir para o conservatório ou universidade estudar composição ou musicologia (caminhos mais do que nobres, claro), mas quando simplesmente se ouve música em casa. Quando por vezes me detenho em "Breaking Atoms" ou "Low End Theory" ou "Songs of Experience" sinto que estou a a estudar peças clássicas, a tentar descurtinar sentidos para lá do óbvio. Ao que parece, isso é tudo o que o responsável pelo Floodwatchmusic - J. Ben Leonard - faz o tempo todo. E isso permite-nos ter acesso a peças impressionantes como a que agora foi colocada no seu blog - Autopsy of an Album dedicada ao muitas vezes ignorado terceiro álbum dos De La Soul, o enorme "Buhloone Mindstate", de 1993.
Leonard não se limita a enumerar samples - a sua análise ao álbum é bem mais profunda e passa pela exposição dos sentidos mais profundos das letras, pelo valor do disco no contexto da carreira total do grupo, etc. E vai tão fundo que me deu vontade de voltar a ouvir o disco, de o voltar a... estudar.
O site tem outras "autópsias": do tema "Get Down" de MF Grimm, do maxi de "Running Away" de Roy Ayers, etc.
Há outras categorias interessantes para navegar no blog - Beat Dissections ("The science behind the hip hop kick drum"), Features (Um Top 20 dos Melhores discos de 2007 com entradas para The Field ou Stars of The Lid!!!), Jazz is for Wankers ("Five recent jazz platters worth checking out) ou This is Hip Hop ("Requisite thoughts on 8 Diagrams"). Este não é um blog qualquer, de facto. E isso nota-se logo na entrada que indica "Five Current Rotations" e onde se listam obras de Isaac Hayes, Steve Reich, Prince, Cocteau Twins e Mouse on Mars!... Boa leitura.

Como começar 2008 em grande?

2008-01-07T13:04:00.000Z

Como começar 2008 em grande?

Depois de ter recuperado de uma passagem de ano que parece ter-se prolongado por uns bons dias, comecei 2008 propriamente dito.

Na minha opinião um amante do vinil só deve dar o ano por realmente inaugurado com uma visita a um dos seus spots. A loja Wax Well Records no centro de Amesterdão é o meu spot preferido. É lá que tenho preenchido as lacunas existentes na minha colecção de vinil de hip-hop. Por preços muito razoáveis consegue encontrar-se os “must have” quase todos. Foi assim que em 2008 finalmente encontrei o clássico “It takes two” de Rob Base & DJ E-Z Roc que me tem escapado das mãos sucessivamente e por todas as razões imagináveis.

Mas a surpresa real foi ter reencontrado um “velho amigo”. “Hard to Earn”, obra prima dos Gang Starr, é um “must have” entre os “must have”. Porquê? Porque é o álbum com os clássicos “Mass Appeal”, “Code of the Streets” , “DWYCK” e “Mostly the Voice”. Qualquer um destes temas num 12” também vale a pena. Não é um disco difícil de arranjar (eu tenho-o em CD desde 1994) mas, não sei porquê, não tenho tido essa sorte. Mas desta vez lá estava ele. O Premier e o Guru naquela capa laranja…
E eu sem dinheiro…
Não há crise. O dono da loja é meu amigo e, por isso mesmo, proponho-lhe que me guarde o vinil e eu mais tarde passarei pela loja para fazermos uma troca: o 1º dos Little Brother + um 12” pelo “Hard to Earn”. Justo? Justo! Mas é então que acontece algo de fantástico. O dono, Taco Fett, passa-me o vinil para as mãos e diz: “Deixa estar – fica com ele na boa.” (!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!)

Agora, para festejar com toda a comunidade deste blog o facto de isto ser o meu primeiro post, deixo-vos uma mix minha inteiramente preenchida com temas de hip-hop.

Map of Africa: fantasia rock

2008-01-06T11:53:00.000Z

Comece-se isto como deve ser: o álbum de estreia dos Map of Africa de Thomas Bullock e (DJ) Harvey Bassett é uma obra-prima. O que não significa que seja um disco que beneficie de algum tipo de unanimidade. Longe, muito longe disso. Aos ouvidos de grande parte das pessoas, a maior parte das faixas de Map of Africa deve soar a R*ck FM, sobretudo para aquelas que chegam até aqui encaminhadas pela “outra” música a que Bullock (Rub n’ Tug) e Bassett (D Harvey) são normalmente associados. Na verdade, tanto os Rub n’ Tug como Harvey deveriam ser encarados como aventureiros exploradores das mais remotas margens da música de dança para quem este tipo de sonoridades não é território virgem. Em Campfire, uma das compilações que em tempos recentes se afirmou como bússula para a descoberta de uma outra forma de estar nas pistas, os Rub n’ Tug percorrem a distância que vai dos Aphrodite’s Child de Demis Roussos (sim, esse… 1) até aos Hot Chocolate passando por Flash and The Pan e Daniel Wang. Já Harvey, verdadeiro surfista dourado pelo sol do Hawai para onde se auto-exilou deixando a sua cinzenta Inglaterra para trás, ergueu em Sarcastic Disco uma verdadeira cartilha baleárico-cósmica que harmoniza Beach Boys, Severed Heads e os Double (sim, esses… 2) sem esforço aparente. O lado rock está lá, no lado mais trippy desses visionários sets. E os Map of Africa parecem apenas responder à pergunta “o que aconteceria se em vez de gira-discos tivéssemos guitarras?”. A resposta está aí, nas fantasias mais Harley Davidson de «Gonna Ride» e «Dirty Lovin», na evocação da Miami de 80, toda sol e cromados, de «Freaky Ways», na clonagem imaginativa dos Toto (sim, esses… 3) em «Map of Africa», na piscadela de olho aos Dire Straits (sim, esses… 4) em «Here Come The Heads» e na estranha familiaridade do balanço de temas como «Plastic Surgery» ou «Snake Finger». Acrescente-se a isto a sombra de palmeiras sobre areias brancas, a velocidade de descapotáveis vermelhos, o sexo mais ou menos explícito das imagens evocadas nas letras e o ar Clube Med de alguns dos grooves e começa-se a perceber para onde querem ir os Map of Africa.
Tendo em conta as referências, o que resulta realmente interessante é a seriedade com que Thomas e Harvey encaram este projecto. A intenção não é o realismo (nada naquele conjunto de referências é real – luz, maquilhagem um pouco de plástico e croma são suficientes), mas sim capturar a aura (hippie, sim…) daqueles discos errados que nos sets deles nos obrigam a colocar a mãe de todas as perguntas: “what the f*ck?”. Yeah.

Map of Africa
Map of Africa
Whatever We Want/Flur, 2007

O álbum dos Map of Africa encimou recentemente a lista de vendas da Flur e apareceu na lista de melhores do ano da revista Blitz, para onde escrevi este texto.

Wax Poetics # 26

2008-01-05T15:05:00.000Z

Já tem um par de semanas de rua, mas ainda não tinha sido por aqui mencionada: Wax Poetics # 26. Cada novo número parece um milagre, pela forma como as coisas vão caminhando. Este é um novo número especial dedicado ao Hip Hop e, como sempre, os motivos de interesse começam na capa e só acabam na contracapa: informação, informação e mais informação sobre Devin The Dude, 9th Wonder, Percee P, Just Blaze, Ralph McDaniels, Alchemist e Funkenklein, Little Beaver, Whole Darn Family e Barrington Levy e tributos a vários gigantes que desapareceram em 2007 - Bobby Byrd, Willie Tee, Joe Zawinul e Eddie Fisher. Num momento em que o Hip Hop não se encontra na melhor das formas, fazer um número destes equivale também a assentar os pés na terra e a procurar de novo as referências certas. Como sempre, os textos estão carregados de preciosa informação e apresentam o melhor dos pontos de vista - o da paixão inabalável por uma cultura que pode estar a transformar-se, mas que se recusa a desaparecer. Não demorem e vão buscar o vosso exemplar, rápido.
Entretanto, a Wax Poetics acaba igualmente de lançar o seu segundo livro (e promete ainda mais novidades para breve). Chama-se Cover Story e é dedicado á arte das capas de LPs. Leiam aqui. Ou aqui:

One of the hippest books of album covers you could ever hope to find -- a great antidote to the snoozier mainstream takes on the genre they try to pass off at big stores every Christmas! This one features super-rare album covers hand-picked by an array of staff and writers for Wax Poetics -- some of the magazine's most knowledgeable contributors -- who've dug deep into their own collections to come up with rare gems for this set! There's a genre-less presentation to the material -- no real categories, save the collections the covers came from -- and the weird mix of images from around the globe is really wonderful -- just the same sort of deep digging for new exposure we've come to love in Wax Poetics. The book features over 200 images, all in living color -- and it's a cool square-bound paperback, shaped like a record cover!

Top de vendas Flur 2007

2008-01-04T16:06:00.000Z

O Top de vendas da Flur é uma coisa espantosa: aqui mesmo ao lado (sim, mesmo ao lado - a conveniente estação de metro - recém inaugurada - de Santa Apolónia deixa-nos a uns passos da porta da loja; e para quem se encontra longe, a internet permite alcançar o que a imaginação ditar e a bolsa suportar...) temos uma loja cujo top de vendas é motivo de orgulho para qualquer pessoa com um interesse sério na música. Num país feito essencialmente de lamentações, é importante não esquecer isso. Múltiplas análises poderão ser feitas ao top, mas o mais importante agora é sublinhar que ainda há espaço para música desafiante, não conformada, não alinhada. E isto dentro de campos tão diversos como rock, techno ou disco. É dessa música que se fazem estas duas listas, que abaixo reproduzimos.
Qualquer loja é moldada pelo perfil dos seus clientes, mas as melhores lojas são as que também formam gostos e suportam a definição de tendências, antes do seu apropriamento pelas "high streets". A Flur é assim. Parabéns.

Álbuns

1 Map Of Africa «Map Of Africa» (Whatever We Want)
2 Panda Bear «Person Pitch» (Paw Tracks)
3 LCD Soundsystem «Sound Of Silver» (DFA(EMI)
4 Burial «Untrue» (Hyperdub)
5 Young Marble Giants «Colossal Youth» (Domino)
6 Manuel Göttsching «E2-E4» (MG Arts)
7 Justice «"Cross"» (Ed Banger)
8 Matthew Dear «Asa Breed» (Ghostly International)
9 Lindstrom & Prins Thomas «Reinterpretations» (Eskimo)
10 Pantha Du Prince «This Bliss» (Dial)
11 Gui Boratto «Chromophobia» (Kompakt)
12 Ricardo Villalobos «Fabric 36» (Fabric)
13 The Field «From Here We Go Sublime» (Kompakt)
14 Lindstrom «It's A Feedelity Affair» (Smalltown Supersound)
15 Arcade Fire «Neon Bible» (Merge)
16 Studio «West Coast» (Information)
17 LCD Soundsystem «45:33» (DFA/EMI)
18 Robert Wyatt «Comicopera» (Domino)
19 Animal Collective «Strawberry Jam» (Domino)
20 Battles «Mirrored» (Warp)
21 Vários «Dirty Edits Vol.1» (D*I*R*T*Y)
22 !!! «Myth Takes» (Warp)
23 Thurston Moore «Trees Outside The Academy» (Ecstatic Peace!)
24 Boys Noize «Oi Oi Oi» (Boys Noize)
25 Jens Lekman «Night Falls Over Kortedala» (Secretly Canadian)

Singles

1 Frankie Valli «Beggin' - Pilooski edit» (679)
2 LCD Soundsystem «All My Friends» (DFA/EMI)
3 Pop Dell'Arte «Querelle» (Bloop)
4 Faze Action «In The Trees - Carl Craig rmx» (Juno)
5 Depeche Mode «Sinner In Me - Villalobos rmx» (white label)
6 LCD Soundsystem «Someone Great» (DFA/EMI)
7 Âme «Balandine EP» (Innervisions)
8 Audion «Noiser» (Spectral Sound)
9 Vários «Secret Weapons EP Part One» (Innervisions)
10 Rockers Hi-Fi «Push Push - M.A.N.D.Y. rmx» (Great Stuff)
11 Still Going «Still Going Theme» (DFA)
12 Justus Köhncke vs Prins Thomas «Elan/Advance/Tilda» (Kompakt)
13 Equip (Greg Wilson) «XXXO» (Equip)
14 Buraka Som Sistema «Yah!» (Modular)
15 Faze Action «Keep It Coming» (Faze Action)
16 Lindstrom & Solale «Let's Practise» (Feedelity)
17 Kaos «Panopeeps» (Lektroluv)
18 Lee Jones «There Comes A Time - Prins Thomas rmx» (Aus)
19 Faze Action «Disco Warrior» (Faze Action)
20 Animal Collective «People» (Fat Cat)
21 Mental Overdrive «Spooks» (Full Pupp)
22 Lindstrom «Breakfast In Heaven» (Feedelity)
23 Chris Rea «On The Beach - Tangoterje edit» (Balearic Biscuits)
24 Redshape «Unfinished Symmetry» (Present)
25 Tokyo Black Star «Still Sequence EP» (Innervisions)

LCD Soundsystem - bodas de prata

2008-01-04T11:53:00.000Z

Sound of Silver dos LCD Soundsystem é uma obra de excepção, um daqueles discos que carrega nos ombros a alma da sua época. James Murphy e Tim Goldsworthy são os autores do melhor álbum de 2007. Os nossos parabéns!

James Murphy e Tim Goldsworthy foram muito longe em Sound of Silver e percorreram toda a distância que ainda separa o estilo da alma e a forma da essência. Até ao novo álbum, os LCD Soundsystem soavam muito preocupados em enunciar a revolução, desenhando regras e criando mapas para orientar a nova idade sincrética em que as vertentes electrónica e eléctrica se cruzam sem se sacrificarem mutuamente. Este admirável mundo novo rendeu um álbum de excepção (ver caixa) e abre as portas do futuro de par em par para os LCD Soundsystem se afirmarem como uma das mais importantes forças criativas do novo século. Que James e Tim o possam fazer escrutinando o passado com a sua potente lupa é apenas a prova definitiva de que neste planeta pós-Al Gore empenhado na reciclagem até no pouco verde mundo da pop é necessário ter atenção aos recursos naturais. E Nova Iorque, cidade berço da Pop Art e do Disco e do Hip Hop e de tantas outras coisas, é uma das maiores fontes de inspiração da música. James Murphy sabe-o tão bem…
Andy Warhol, esse génio que ajudou a inventar a modernidade com a sua Pop Art, apaixonou-se pelo prateado do papel de alumínio numa visita a casa de Billy Name, fotógrafo e membro da entourage do autor das pinturas de latas de sopa Campbell’s, e pediu-lhe que fizesse o mesmo na mítica Factory. Esse atelier de Manhattan era muito mais do que o lugar onde Warhol pintava: era um autêntico laboratório onde se testava os limites da década de 60, com visitantes frequentes como Bob Dylan, Mick Jagger ou Truman Capote. Name cobriu o local de tinta prateada, espelhos e papel de alumínio, supostamente fazendo eco dos gostos de viciados em anfetaminas que, algo inexplicavelmente, se sentiam atraídos por essa cor. E, claro, os Velvet Underground ensaiavam por ali ao mesmo tempo, provavelmente, que Salvador Dali ou Allen Ginsberg discutiam qualquer coisa com o homem que Lou Reed e John Cale homenagearam no álbum Songs For Drella. Que «All My Friends» dos LCD Soundsystem se apoie no mesmo piano propulsor que John Cale usa em «Work» (do álbum …Drella, precisamente) não é espanto nenhum. Afinal de contas, John Cale até foi um dos nomes requisitados para a criação de versões alternativas desse hino moderno que é «All My Friends». Al Gore bem pode dar uma medalha a Murphy e a Goldsworthy que estão claramente a fazer o seu papel nesta cruzada da reciclagem. Mas os LCD vão bem para lá do mero reaproveitamento do passado e conseguem nunca soar revivalistas, mesmo quando as referências que elegem – David Bowie e Kraftwerk em «Get Innocuous», Lou Reed em «New York I Love You», Can, The Velvet Underground, Talking Heads, Liquid Liquid um pouco por todo o lado, Disco e Electro old school na subcave de cada tema, a Factory de Andy Warhol, o Studio 54 e o Central Park – surgem sem máscaras nas canções, nos toques particulares de produção, nos arranjos ou simplesmente na sombra das melodias. Essa capacidade é mais rara do que se possa pensar e é uma das características do génio – exibir o velho mesmo em frente aos nossos olhos e fazer-nos acreditar que é novo. Não é uma ilusão. É mesmo assim. Nunca aconteceu um passo em frente não ser precedido de dois passos atrás.

Música para adultos

A crítica – nacional e internacional – reconheceu essa utilização de referências do passado quando sublinhou o carácter adulto de Sound of Silver. Dorian Lynskey afirmou no Guardian que a música dos LCD Soundsystem em 2007 é “dance-rock para crescidos” e na Uncut escreveu-se que “só raramente alguém a fazer música tão excitante e na moda se escusa a pedir desculpas por ser tão adulto.” “Mas,” escreveu Nick Southall na recentemente defunta Stylus Magazine, “o que eleva a música dos LCD Soundsystem para lá de serem apenas a maior banda de tributo do mundo é o profundo amor e estilo com que Murphy exercita os seus pastiches e, de forma mais óbvia em Sound of Silver, o puro peso das emoções que ele consegue manipular nas suas surpreendentemente ricas composições.” O cepticismo de Southall é compreensível. Até porque o arranque de carreira dos LCD Soundsystem de «Losing My Edge» ou «Daft Punk is Playing at My House» tinha algo de adolescência imberbe, não que isso seja negativo, até porque o que nessa dimensão é positivo é também, no fim de contas, o que é imediato e pouco profundo, quando a energia se sobrepõe à reflexão e as hormonas descontroladas tomam conta da acção. Agora, algo de diferente anima Murphy e as suas palavras no início de «All My Friends» até parecem falar da ideia que este texto explora: “That’s how it starts / we go back to your house / we check the charts / and start to figure it out.” Murphy parece estar a falar da própria música, e de como a citação marca o início do crescimento, antes de se procurar um caminho próprio. Sound of Silver…
Esse caminho inaugurou-se no arranque do século. Murphy recordou esses dias nas páginas da New York Entertainment: “tínhamos alguns dos writers de graffiti originais, miúdos da Zulu Nation, pessoal que trabalhava em cinema, punks de Brooklyn a precisarem de tomar banho, pessoas mais velhas da cena de dança, a Rosie Perez de muletas – era a mais estranha mistura de pessoas que se poderia encontrar,” garantiu Murphy. “Eu costumava pegar em duas pastilhas de ecstasy, partia cada uma em quatro e metia-as nos cantos dos dois gira-discos e ia metendo os peedaços à medida que o set de DJ ia avançando. Tocava Donna Summer, Kraftwerk, Public Image Ltd., os Beatles, os Stooges – qualquer coisa. De facto, parecia mesmo que algo estava a acontecer.”
E algo aconteceu. Algo que transportou os LCD Soundsystem e a DFA da dimensão de uma pequena, embora visionária, etiqueta de Brooklyn para uma operação mais sólida amparada pela “major” Capitol/EMI. Antes da edição de Sound of Silver, James Murphy falou à Pitchfork sobre o seu envolvimento com gigantes corporativos. Além de afirmar que a relação com a EMI o surpreendeu por estar à espera de gente mais maquievélica – “gosto de ser o único maquievélico na sala,” ironizou – Murphy explicou que faz sentido estar numa editora mainstream porque sempre gostou de pop: “Sempre me interessei pela pop e penso que os LCD são uma banda pop. Não gosto de pessoas que são puristas. Não gosto delas. Chateio-me muito com gente que me pergunta ‘porque é que não te limitas a fazer música de dança?’ Essas pessoas eu penso que são desinteressantes. Penso que esse tipo de crítica é totalmente infundado. As pessoas que mais admiro fizeram parte de uma época em que podiam ir a Berlim trabalhar com o Connie Plank e fazer um disco estranho e abstracto e depois ir a outro lado e fazer um hit single que chegava a número 1 com outra pessoa qualquer. Isso era excitante, sair da vanguarda e da pop e fazer com que se fundissem. Eu queria que a DFA tivesse uma banda numa major e era suposto serem os Rapture, mas quando eles saíram para fazer a sua própria cena eu pensei, ‘diabo, lá terei eu que fazer isso’.”

Fôlego de álbum

Numa época em que o MP3 se apresenta já como o inevitável suporte do futuro, favorecendo o regresso ao mais imediato plano dos singles com o irresístivel e (praticamente) redondo preço de 99 cêntimos (pelo menos no iTunes) por tema, os LCD Soundsystem – que precisamente pareciam ser vistos como uma banda de singles e cujo primeiro álbum inexplicavelmente não parecia elevar-se até ao nível da soma das suas partes – sagram o formato clássico de maior fôlego com um conjunto perfeito de nove canções. Mark Pytlik, na Pitchfork, confessou que “um álbum que parece mesmo um álbum”, como é Sound of Silver, lhe parece “positivamente ideal nos tempos que correm.” De facto, Murphy e Goldsworthy não fizeram um álbum qualquer. Para começar, parecem ter usado a escala do velho vinil: 9 canções e 55 minutos aproxima Sound of Silver das obras clássicas originalmente pensadas para vinil. Aliás, parece até haver um lado A (que termina em «Someone Great») e um lado B (que começa em «All My Friends») mais ou menos nítido. E isto, claro, mesmo sabendo que na versão de vinil de Sound of Silver se optou por um álbum duplo para preservar ao máximo a qualidade do som. E, por falar no som, é por aí que continua a glorificação do formato álbum: actualmente acontece com frequência haver alguma dispersão de sonoridades num certo tipo de álbuns por se usarem diferentes produtores (no terreno do Hip Hop, por exemplo) ou por se procurar um ecletismo por vezes inócuo que reforça o ar de novo século, a procura de diferentes públicos ou simplesmente um vazio de ideias. Nada disso acontece em Sound of Silver que beneficia de uma perfeita coesão que é fruto da particular visão de James Murphy que afirmou também (ainda à Pitchfork) que procurou incluir o máximo de detalhes nas suas canções sem se preocupar como iriam soar ao vivo. Essa é outra marca contra-corrente, num momento em que em tantas entrevistas se manifesta a preocupação em ter nos álbuns temas que reproduzam a energia de palco. Murphy é um homem de palco e os LCD são reverenciados pelos seus excelentes concertos, mas ultimamente tem manifestado o desejo de passar mais tempo em casa e no estúdio. Sound of Silver parece ter-lhe apontado a direcção.
À revista online MusicOMH, James revelou um lado modesto quando confrontado com a possibilidade de Sound of Silver ser um dos álbuns do ano: “É muito simpático e um grande elogio e claro que agradeço isso mas, quer dizer… talvez eu esteja a falar como uma pessoa rica que diz que não liga ao dinheiro. Historicamente,” prossegue Murphy, “a DFA e os LCD tiveram um óptimo comportamento junto da crítica – não somos uma daquelas bandas que vendeu muito mas não recebeu boas críticas e por isso começou a dizer ‘que se lixem os jornalistas’. Nós recebemos boas críticas e não vendemos muitos discos (risos). Não sinto uma tonelada de pressão só quero mesmo fazer o melhor possível para mim mesmo e para as pessoas que me rodeiam. E elas são muito críticas. Muito mais do que quaisquer outras pessoas.”
Talvez por causa da tal coesão que marca Sound of Silver, deixaram-se as leituras diferentes para os singles. «All My Friends» foi alvo de uma ultra-cósmica ou psicadélica remistura de DJ Harvey (guru de uma nova cena que um homem atento como Murphy não poderia ignorar), de uma versão de John Cale (que aí toca guitarra como se fosse Lou Reed…) e outra dos Franz Ferdinand (que abordaram o tema pelo ângulo Joy Division…). Já «North American Scum» foi alvo de manipulações mais electrónicas de Kris Menace e de Eric Brouceck enquanto no single de «Someone Great» se encontrou retratamento dos Soulwax para o tema título, de Carl Craig para «Sound of Silver», de Gucci Soundsystem para «Time To Get Away» e de Windsurf para «Us V Them». Um processo completamente diferente do primeiro álbum. LCD Soundystem culminou um intenso período de edição de singles e Sound of Silver iniciou-o (só «North American Scum» o precedeu) pelo que a intensão é claramente a oposta. Se no primeiro registo de longa duração se sentia que o trabalho apresentado era um mosaico representativo de ideias, impulsos e até períodos diferentes, no álbum de 2007 dos LCD Soundsystem tudo é força, determinação e unidade. De «Get Innocuous» até «New York I Love You» sente-se um fio condutor, de emoções, mas também de sonoridades. Murphy explicou que depois de um primeiro álbum com cores de terra, queria para o seu segundo LP um som mais prateado. Como Warhol, Murphy quer uma cor que represente modernidade, invenção, uma cor capaz de reflectir o seu próprio tempo, uma cor que anuncie o futuro. E este é o som dessa cor.

Sound of Silver (caixa)

Sob um determinado prisma, Sound of Silver parece o primeiro álbum dos LCD Soundsystem. Não apenas porque LCD Soundsystem soava como uma compilação de singles (mesmo não o sendo), mas também porque Sound of Silver tem a espessura que normalmente se encontra nos primeiros álbuns e que se faz de certezas, de uma confiança que chega a ser desconcertante e que é própria de quem está plenamente seguro do que quer fazer na música. O confronto com a indústria e a forma encontrada para lidar com poucas vendas ou com vendas em excesso normalmente tem efeitos nefastos nos segundos álbuns, mas tal não acontece em Sound of Silver que é um disco extremamente sólido, feito de canções que de facto parecem canções e de emoções reais a que nos podemos ligar.
No passado, James Murphy preferiu uma abordagem, digamos, intuitiva à arte das canções, debitando letras que soavam improvisadas e provavelmente eram mesmo. «Losing My Edge», por exemplo, parece fruto desse repentismo. Agora o cuidado é obviamente outro. Ouvindo «All My Friends» percebe-se que Murphy está a tentar ser ouvido para lá das colunas dos clubes que debitam a sua música. E o facto dessa canção se elevar acima das vozes de John Cale ou dos Franz Ferdinand significa que tem alma. E essa é provavelmente a inversão que explica que a mesma matéria sónica que já animava o material anterior a Sound of Silver resulte agora mais… emocional. Talvez seja da idade: Murphy está mais próximo dos 40 do que alguém da sua idade provavelmente desejaria. Mas também é a idade – e as décadas de audição das bandas todas que enumerava em «Losing My Edge» (e mais algumas ainda…) – que lhe dá a autoridade para ir pilhar no passado os impulsos que necessita para erguer as suas canções. E que lhe dá a visão para «All My Friends»: “we set the controls for the heart of the sun / one of the ways we show our age” ou “i wouldn’t trade one stupid decision / for another five years of lies”. Quando o ritmo é a miragem e o abandono é o objectivo ninguém puxa do bilhete de identidade. Mas Murphy faz mais do que exibir os anos que lhe pesam nos ombros: coloca um enorme espelho à sua frente: “sound of silver talk to me / makes you want to feel like a teenager / until you remember the feelings of / a real life emotional teenager / then you think again”.
Sound of Silver resulta perfeito nas pistas – são 9 canções pulsantes, produzidas na perfeição – e também no irmão mais novo e digital do walkman: dentro da cabeça a dança prossegue, mas as melodias, os detalhes, as palavras e os arranjos sobrepõem-se à força. E isso, acreditem, é a marca de um grande álbum.

Textos publicados originalmente na revista Blitz.

O livro de Disco Patrick

2008-01-03T10:34:00.000Z

Disco Patrick, autoridade mundial na área do disco, acaba de lançar um livro. The Bootleg Guide to Disco Acetates, Funk, Rap and Disco Medleys é um autêntico trabalho de paixão que reúne preciosíssima informação sobre um lado mais obscuro - e de certa forma experimental - do disco: aquele que favorecia a magia de estúdio e que permitiu os desenvolvimentos extraordinários na área dos edits. Patrick é um depósito imenso de informação, e muita dela está disponível aqui, que passou toda a vida a pesquisar o legado do disco impresso em vinis de circulação reduzida e acetatos criados especialmente pelos djs. Na sua página encontram-se importantes entradas como uma History of Mixing and Editing (excerto de um famosíssimo artigo que apareceu originalmente na revista Big Daddy aqui há uns anos sendo posteriormente republicado na revista Grand Slam, ambas infelizmente já desaparecidas...), a História de John Morales, importante pioneiro da arte dos re-edits ou, por exemplo, a enorme e ultra-bem documentada lista de Bootleg Mixes que permitiram a tantos djs conquistar a pista de dança. Bootlegs como por exemplo "On and On", disco decisivo para o aparecimento do house.
O livro de Disco Patrick pode ser "folheado" no site oficial, facto que por si é suficiente para deixar qualquer um de água na boca. Profusamente anotado e ilustrado, este é um importante documento para todos os que tenham nem que seja um simples e ligeiro interesse no mundo do disco. A minha cópia - edição limitada - está a caminho. As encomendas podem ser feitas através do site já indicado e despachem-se porque já só há 40 exemplares da edição limitada.

Light In The Attic: o regresso da paixão

2008-01-02T16:06:00.000Z

Antes de se ter tornado num monstro corporativo, a indústria discográfica era terreno fértil para pequenos selos que nasciam por força da paixão desmedida que os seus donos sentiam pela música. Foi assim nos primórdios da Blue Note ou da Stax: muitas etiquetas asseguraram lugar na história por terem colocado a música antes do negócio. Mas o mundo mudou com os Beatles – ou por causa deles… – e a indústria cresceu desmesuradamente, engolindo no processo muitas das pequenas operações que procuravam na música algo mais do que o lucro puro e duro. Revoluções musicais nascidas de minorias específicas – como o disco, o punk ou o hip hop – forneceram combustível aos gigantes corporativos que transformaram cada uma dessas linguagens em produtos normalizados de largo consumo: extraiu-se o gay do disco, o vómito do punk e o ghetto do hip hop e venderam-se milhões de cópias de qualidade inferior em nome de um lucro que durante anos não parou de crescer. Até, claro, à chegada da idade da Internet e do MP3. Hoje o tal gigante corporativo está agonizante e a desmembrar-se abrindo nesse processo espaço para o ressurgimento de propostas editoriais alternativas, pensadas como forma de celebração da música antes do produto. A Light In The Attic (LITA), de Seattle, é claramente um desses selos. Funk, soul e reggae, rock e folk psicadélico e bandas sonoras de filmes pornográficos podem encontrar-se no catálogo da LITA, editora que prefere cortar nos lucros para investir numa forma cuidada de embalar as suas edições, facto que apenas demonstra o profundo carinho que coloca em cada nova adição ao seu catálogo.
Matt Sullivan e Josh Wright começaram por estabelecer um acordo com a espanhola Vampi Soul para a distribuição nos Estados Unidos do seu excelente catálogo, mas rapidamente perceberam que podiam também lançar os seus próprios discos. Hoje, a LITA divide-se entre reedições (recolocou no mercado todo o catálogo dos Free Design, por exemplo), licenciamentos (lançou nos States a pérola de soul europeia que é “Keep reachin’ up” de Nicole Willis & The Soul Investigators) e lançamentos de raiz (é a casa dos Black Angels). Acção tripartida de uma operação que já ultrapassou as margens de uma Seattle onde o empreendedorismo independente tem fortes tradições.
A nova distribuidora da LITA em Portugal, a Ananana, acaba de disponibilizar uma série de preciosos títulos desta editora: um EP dos Saturday Knights (nova contratação: garage meets hip hop) e cuidadíssimas reedições de Betty Davis, Karen Dalton e Jackie Mittoo. Cada um destes títulos carrega a identidade da editora de forma vincada: a LITA é claramente o resultado de uma imensa paixão pela música e a concretização de uma ideia utópica onde o passado e o presente não são assim tão distantes, onde a música que resultou de íntimos sobressaltos (Karen Dalton) convive harmoniosamente com essoutra que parece ter nascido de públicas explosões (Betty Davis) e onde todas estas diferentes propostas são embaladas com o cuidado de quem sabe estar a criar futuras peças de colecção. Daquelas que resistem ao tempo e que são alheias ao desmoronamento de qualquer indústria.

Texto publicado originalmente no # 24 da revista Op.

Disco Beard free LP

2008-01-01T13:41:00.001Z

Bem, não é propriamente tentar recuperar tempo perdido (também é...), mas apenas uma nova oportunidade para partilhar descobertas feitas após quase duas semanas de férias sem net. As boas pessoas da Little Rock Records que também têm um blog muito interessante e até um programa de rádio (busy guys...) disponibilizaram online um álbum de edits saborosos de gente como Annie, LCD Soundsystem, JJ Cale, Stereolab, Giorgio Moroder, Donald Byrd etc. E generosidade assim não se pode ignorar. Os edits são da autoria de Disco Beard e o álbum leva o título óbvio de "Disco Beardism". Não deixem de o descarregar. Link abaixo:

Disco Beard - Disco Beardism LP (áudio)

Mapa alternativo para 2007

2008-01-01T13:28:00.000Z

Richard Carnage, um dos três contribuidores para o excelente blog Tape, postou uma lista dos 100 mais importantes maxis de 2007 (para ele claro) que é suficientemente eclética para que muitos de nós nos possamos rever em boa parte das suas escolhas. O primeiro lugar vai para o maxi cuja capa aqui reproduzimos, mas no top 10 ainda encontramos Frank Hebry, Mr. G ou Wade Nichols o que reforça a ideia de uma lista que aponta em diversas direcções, embora se centre muito numa certa ideia de pista. Dêm uma vista de olhos e já que lá vão aproveitem e descarreguem algumas das mixes disponibilizadas.

Jazz Bridges # 8: Azymuth do Brasil

2008-01-01T13:13:00.000Z

Quando na década de 70 o jazz divergiu para os terrenos de fusão as consequências foram de ordem diversa. Na produção do Miles eléctrico ou na projecção de uma Àfrica astral e futurista nas mãos de Herbie Hancock assentam alguns dos pilares fundamentais de um género que pôde ainda contar com válidas contribuições dos Weather Report, John Tropea ou Chic Corea, entre vários outros. Claro que esta abertura do jazz a novas sonoridades não foi saudada com idêntico entusiasmo por todas as frentes. Para muitos, “adulteração” era uma expressão bem mais fiel para o que se estava a passar do que “fusão”. Na década de 70 essa era uma questão que já não se discutia no Brasil. A Tropicália ou a Bossa Nova, anteriores aos fluxos de fusão no jazz tal como hoje os conhecemos (as colaborações de Chano Pozo com Dizzy não interessam para este filme…), já eram em si mesmo linguagens sincréticas. De certa forma, a cultura e a história do Brasil não teriam sido possíveis sem muitas outras fusões, pelo que as misturas são, sobretudo no caso musical, mais naturais do que provocadas. E desde pelo menos os anos 20, quando Pixinguinha descobriu o jazz nos clubes de Montmartre, que a grande invenção negra norte-americana contamina os géneros locais do país de Pelé.
Serve esta longa introdução para dizer então que os brasileiros Azymuth, mestres de uma forma muito particular de jazz de fusão, não eram propriamente uma anomalia exótica na história da música brasileira quando surgiram no início da década de 70. O seu primeiro álbum enquanto Azymuth, sem título e editado em 1975, foi agora alvo de uma interessante reedição por parte da londrina Far Out, etiqueta que muita atenção tem dado à produção do Brasil e que na última década se assumiu como nova casa de artistas tão importantes como Marcos Valle, Joyce ou… Azymuth. E esse primeiro álbum é, claro, uma pequena pérola que bem poderia cair dentro do que Ed Motta identificou como MPBHR – Música Popular Brasileira de Harmonia Rica.
Os Azymuth de José Alexandre Malheiros, Ivan Conti (ou Mamão, como é mais vulgarmente conhecido) e José Roberto Bertrami começaram por produzir sessões para grandes nomes da música brasileira como Tim Maia, Raul Seixas e Marcos Valle, entre outros. Foi aliás Paulo Sérgio Valle, irmão de Marcos, que sugeriu que o trio passasse a responder pelo nome de Azymuth após a gravação da banda sonora de “O Fabuloso Fittipaldi” onde se incluía uma faixa com esse mesmo título… A palavra azimute tem origem no árabe e significa caminho ou direcção, facto curioso que cai como uma luva na personalidade deste trio que soube desenhar um trajecto muito singular na história da música brasileira.
“Azymuth”, o álbum de 1975, é um brilhante pedaço de música que cruza marcas óbvias do jazz de fusão – por exemplo ao nível das texturas: Bertrami utilizava interfaces cósmicos como o piano Fender Rhodes e os sintetizadores Moog e Arp, ferramentas que Herbie também não dispensava nesse tempo – com o particular sentir harmónico e rítmico da Música Popular Brasileira referenciando de forma óbvia o que alguns dos cantores mais populares e avançados do seu país (Milton, Gil, Caetano…) realizavam à época e a que Joyce chamou MCB – Música Criativa Brasileira. A reedição de “Azymuth” vem acompanhada de um segundo CD de remisturas e re-edits por parte de gente valorosa como Harmonic 313, Recloose, As One (outro herdeiro assumido do jazz de fusão dos anos 70), Marc Mac dos 4 Hero ou Peanut Butter Wolf, dono da editora onde Madlib, protagonista do último Jazz Bridges, edita o grosso da sua obra. Ora Madlib não só tem preparado para breve um álbum de homenagem aos Azymuth (facto que certamente explica a sua ausência do alinhamento destas remisturas), como contou com a participação do baterista Mamão no projecto Yesterdays Universe. O impacto da obra dos Azymuth numa nova geração de produtores de música de raiz electrónica é inegável. Esse facto explica-se, obviamente, com a própria música criada pelos Azymuth que na sua devoção pelo groove e na exploração de texturas electrónicas já continha óbvias sementes de futuro. Os Azymuth gravaram mais uma série de álbuns muito bons (incluindo vários para a norte-americana Milestones), mas esta é a primeira vez que “Azymuth” se reedita fora do Brasil e o Jazz Bridges não podia deixar de sublinhar tão importante facto.

Texto originalmente publicado na revista Jazz.Pt

Resoluções para 2008

2007-12-31T14:14:00.000Z

Já se sabe que o Hit da Breakz gosta de toda a onda slo-mo, mas por aqui a lentidão de movimentos, leia-se de novos posts, tem sido excessiva. A grande resolução para 2008 é pois resolver esse problema, o que poderá passar pela adição de um novo elemento à equipa. É que o trabalho no "mundo real" tem impedido as actualizações mais contantes e seis mãos trabalham melhor que quatro, etc. Lamentavelmente, por causa de andarmos desaparecidos em combate, passaram-nos ao lado alguns factos relevantes: a vinda de Roy Ayers a Portugal (entrevista aqui em breve!), as mortes de Stockhausen, Ike Turner, Oscar Peterson e até a de Mel Cheren que apesar de por aqui assinalada tinha sido excelente pretexto para uma viagem mais funda ao universo da West End. Vamos tentar não andar tão distráidos em 2008. Há tanta música boa por aí por fora que não se justifica tanto silêncio. Resta-me desejar um excelente 2008 a todos os nossos leitores e renovar as promessas de regresso à acção!

Tributo a Mel Cheren pt. 2

2007-12-10T10:44:00.001Z

Mel Cheren teve, de certeza absoluta, uma vida cheia. De música, de certeza, mas também deve ter sido cheia de tudo aquilo que torna uma vida rica. Dono da Paradise Garage, teve a visão para fazer aquilo que é hoje tão frequente nos clubes de topo (Fabric e Cocoon, por exemplo) - associar uma editora ao clube, criando a West End Records, a meias com Ed Kushins. Torná-la, como é, um dos principais crivos da disco, isso já exigiu arte.

Mas quando se tem alguém que compreende a música de dança como Cheren compreendia (a sua passagem pela Scepter já dava sinais disso) e Larry Levan, o talento em estúdio de Tom Moulton e artistas como Taana Gardner, Sessomatto, Karen Young, Loose Joints, New York City Peech Boys ou os Sparque, o céu da disco é uma certeza.

Céu da disco onde Mel Cheren dança neste preciso momento, depois de uma segunda parte da sua vida dedicada a combater a sua doença e a ajudar outros a combatê-la. Anteontem, Mel Cheren decidiu deixar para outros o combate.

Mel Cheren faz merecidamente parte da Dance Music Hall of Fame, juntamente com Giorgio Moroder, Gamble & Huff, Gloria Gaynor, Bee Gees, Chic, Larry Levan, Frankie Knuckles, David Mancuso ou Tom Moulton, sendo dono de um Lifetime Achievement Award.

Dedicated II Supafly: 13 de Dezembro na Bicaense

2007-12-10T08:52:00.000Z

Festa oficial que celebra a aliança da Dedicated de Babak e da Supafly de Mr. Cheeks da melhor maneira possível: com um set em 3 pratos e duas mesas de mistura onde o próprio Mr Cheeks, Mr. Mute e Babak se ocuparão de manter o povo a dançar. Vai tudo acontecer no Bicaense já na próxima quinta-feira. Mais informação no myspace da Supafly e no site da Dedicated. Apareçam!

Morreu o padrinho do Disco: RIP Mel Cheren

2007-12-08T11:27:00.000Z

Quase um mês sem adicionar novo conteúdo ao HdB (demasiado trabalho...) e interrompe-se o silêncio para vir dar a notícia da morte de Mel Cheren, o Godfather of Disco, fundador da West End Records, activista em várias frentes, grande ser humano! Que descanse em paz!

O fecho da Amato e o futuro que nos promete

2007-11-20T03:54:00.000Z

A Amato, conhecida e reconhecida distribuidora de música de dança do Reino Unido, vai fechar as suas portas até ao final do ano. Não há "melhor" prenda para quem gosta de música do que ver editoras como a 20/20 Vision, a Border Community, a Bpitch, a Crosstown Rebels, a Kill The DJ, a Rong, a Buzzin' Fly, a Freerange, a Noid ou a DeWolfe Music Library (nem sabia que andava aqui...) ficarem sem distribuição.

Ironicamente, há editoras do grupo a agradecerem aos blogs por ajudarem a promover a sua música ao ponto de não se vender. Ironias à parte, só por má vontade e desonestidade intelectual não se concede a responsabilidade que cabe por inteiro à internet na maneira como tem sistematicamente sido capaz de enclausurar o amante de música em casa, escondido atrás da suposta comodidade do

"faça tudo online,
escusa de ir à loja, compre aqui e receba em casa e é a mesma coisa
escusa de ter o disco, downloade aqui e é a mesma coisa,
escusa de pagar o disco, saque aqui e é a mesma coisa"

e, com isso, ajudado a retirar vendas aos discos e receitas a quem os vende (distribuição, lojas, etc).

Curiosamente, tudo indica que será a internet, ela própria, a resposta para o problema que está a criar. Resta saber é como é que a música mudará por causa disso até porque se há coisa que é certa nisto tudo é que a música vai, claro, mudar com toda esta nova maneira de se olhar para a música. Não é difícil de perceber que um formato é mais do que um suporte para a música e basta olhar para este blog para se entender que um formato pode ser mesmo dedicação para a vida.

Admito, claro, o pensamento inerente a quem olha para o vinil como o suporte de excelência para a música (e, principalmente, para a música de dança) em tudo aquilo que penso em relação a isto. Como facilmente admito toda a comodidade que o digital traz a quem é dj. Olhando para um e outro, a verdade é que, por todo o processo que um e outro passa na sua criação e na maneira como é vendido, o vinil será, cada vez mais no futuro, um produto premium e não, como até aqui, o produto principal.

No limbo em que nos encontramos, onde nem os discos físicos se vendem nem os mp3s se vendem (custa menos na carteira escrever ali em cima www.oink.cd do que www.beatport.com...), os discos físicos continuam a ser um suporte financeiro importante para as editoras. Algo que é óbvio até para quem lidera o principal ponto de venda online de música de dança, o Beatport.

A única coisa que sempre se esperou do futuro é que seja melhor do que o passado. Coisa que, vamos ser justos com o futuro, ele até tem cumprido. Mas, neste momento, é difícil olhar para esse tal futuro que estes fechos de distribuidoras físicas promete e ver nele paredes de quartos cheias de hard drives Lacies com alguém a me dizer "isto é a minha colecção, queres ouvir alguma coisa?" e eu achar que isto é melhor do que o que tenho agora. O futuro assim é, sem dúvida nenhuma, mais prático. Não consigo é entender, por mais que tente, como é que é melhor.

Beastie Boys: o eco da cultura

2007-11-19T11:02:00.000Z

O título do novo álbum dos Beastie Boys não é, certamente, inocente. “The Mix-up” pode traduzir-se por “A confusão”, palavra que provavelmente identifica bem o que vai nas almas de Adam Yauch, Michael Diamond e Adam Horowitz. Qual é o lugar dos Beastie Boys na cultura que tão cedo abraçaram? Essa é, quase de certeza, a pergunta a que tentam responder com este “The Mix-Up”: sem usar palavras e ainda que, formalmente, o disco soe como uma fuga para o lado, para novos territórios.

Os dois anteriores registos da discografia dos Beastie Boys – “To the 5 boroughs” e “Solid gold hits” – são tentativas claras de construir um lugar no seio de uma cultura que evoluiu para fora de si mesma, esquecendo as raízes e transformando-se num negócio de milhões. O único problema aqui nem é essa transformação, que gerou fluxos de criatividade diferentes e novas e entusiasmantes sonoridades, mas o facto de o nome “hip hop” ecoar hoje de forma muito diferente nas paredes da mesma Nova Iorque que serviu de berço a esta cultura. E a palavra-chave aqui, a essência do hip hop que os Beastie Boys perseguem, é mesmo “cultura”, não no sentido “museológico” ou suplemento-de-semanário do termo, mas antes a cultura que se traduziu nos impulsos originais deste género, nas ideias puramente estéticas que suportaram a sua evolução. Significará isso que os Beastie Boys ficaram perdidos no tempo, agarrados a uma ideia saudosista da música nascida no Bronx? Nem por isso. Ou melhor, sim, certamente, se por acaso pensarem o mesmo de cada uma das bandas que hoje florescem de olhos colocados na primeira metade dos anos 80. A energia de que os Beastie Boys se alimentam não é, certamente, a mesma que faz mover Mims, que é hot porque é fly. Na verdade, essa energia é o segredo que sustenta os melhores momentos da carreira de Yauch, Horowitz e Diamond e advém de um facto incontornável: a relação que os Beasties construíram com a cultura do hip hop foi de observação, muito mais do que de participação. O background familiar – membros da comunidade judaica e burguesa de Nova Iorque – e musical – CBGB kids, com um passado punk hardcore – deste trio nunca lhes permitiu “jogar em casa” e passar da condição de eternos visitantes. Os Beasties sabem isso muito bem, daí que tenham abusado do lado rock da sua personalidade, até para justificar o nome, quando embarcaram numa muito atribulada digressão de promoção a “Licensed to Ill”, já na segunda metade dos anos 80: aparentemente eles não queriam parecer “falsos” ao lado de gente como Public Enemy ou Run DMC. Seja como for, os Beasties estavam lá nos momentos formativos desta cultura, percebendo os rasgos de génio de estetas como o colectivo Bomb Squad e erguendo a partir dessa observação uma praxis muito particular.

Primeiro com os Dust Brothers e depois com Mário Caldato, Jr. os Beastie Boys construíram uma discografia que reflecte a sua condição de “outsiders” de forma inequívoca. Em 1989, quando a tecnologia evoluiu o suficiente para permitir o sampling em larga escala, o hip hop deu um salto de gigante e instituiu novas práticas, já longínquas da old school e dos seus mimetismos de funk e disco e da etapa seguinte em que a caixa de ritmos se posicionou no centro do estúdio (Run DMC, LL Cool J…). Os Beasties, uma vez mais, estavam em cima do acontecimento, mas tiveram que olhar para Los Angeles e para os Dust Brothers de John King e Mike Simpson para encontrarem quem traduzisse a sua visão e a fixasse na obra-prima “Paul’s boutique”. Nova Iorque já tinha Prince Paul e Diamond D, mas os Beasties continuavam a observar o fenómeno da evolução do hip hop das margens, o que lhes permitiu construir discos que funcionam igualmente como comentários a toda a cultura. Daí que a capa de “Check your head” seja uma oblíqua homenagem aos Run DMC e à Adidas (os três Beasties, sentados no passeio, procuram representar o antigo logo da marca desportiva), gesto que repetem uma vez mais na capa da colecção de clássicos “Solid gold hits” onde se fazem representar como um trio de b-boys, com fato de treino Adidas, ghetto blaster e a inevitável esquina grafittada. Essa adopção das marcas visuais é muito menos satírica do que se possa porventura pensar e muito mais homenagem sentida ao tal ponto de origem testemunhado pelos Beasties na primeira metade dos anos 80.
Quando instituíram a Grand Royal em Los Angeles no início dos anos 90, os Beasties procuravam organizar o seu universo de referências. A revista do mesmo nome cobriu todas as bases da particular cosmografia que o trio tinha entretanto erguido: dos “mullets” (um corte de cabelo!) à obsessão de Miami com as baixas frequências, de Bruce Lee a Lee Perry, dos moogs aos filmes policiais dos anos 70… Os Beasties são de Nova Iorque, terra de Warhol e da arte pop, e por isso quando descobriram o sampling não se ficaram obviamente pelos discos de funk tão explorados na época estendendo a ideia de citação a um conjunto de referências visuais. De qualquer maneira, esses discos de onde nasciam os breaks que lhes suportavam as rimas ensinaram-lhes pelo menos uma coisa: Yauch, Horowitz e Diamond podiam usar os seus conhecimentos de instrumentos convencionais (a fundação do baixo, guitarra e bateria) para criarem os seus próprios breaks e duplicarem aqueles momentos de groove que tinham descoberto nas incontáveis horas à procura de samples em artefactos de vinil. E não tardou que os instrumentais criados para “Check your head” e “Ill communication” fossem reunidos num álbum que levou a ideia de sampling ainda mais longe sendo apresentado com o mesmo título e praticamente a mesma capa de um clássico de Jean-Jacques Perrey e Gershon Kingsley, “The in sound from way out”. Por esta altura, o estudo atento das origens do hip hop já tinha levado os Beasties a mergulhar fundo num passado de onde emergiram com música que dispensava as palavras porque possuía uma carga narrativa muito própria, bem evidente para os que interpretaram o hip hop como um mapa para a exploração de outros géneros musicais. “The Mix-Up” é o primeiro disco em que ousam inverter o valor aparentemente acessório destes instrumentais, colocando-os no centro da acção, apresentando-os como um todo pleno de sentido.

Os Beastie Boys chegam agora a um ponto fulcral da sua carreira e “The Mix-up” é a forma encontrada para lidar com isso. Não é um disco de hip hop, nem sequer um disco tão próximo do funk quanto alguns dos instrumentais reunidos em “The in sound from way out”. Musicalmente, é mais do que óbvio que os Beasties estão preocupados em soar como uma banda – além do percussionista Alfredo Ortiz e do cúmplice de longa data Money Mark, não há mais nenhuma adição ao trio nuclear. Michael referiu já publicamente que a música de “The Mix-up” referencia o post-punk de bandas como Slits ou Killing Joke. De facto, em “The Mix-up” há algumas piscadelas de olho ao reggae e as linhas de baixo revelam um calibre demasiado angular para poderem reclamar algum tipo de paternidade mais funky. Mas o que na verdade acontece neste álbum que chega até a ser perturbante é a confusão extrema de referências – do psicadelismo da década de 60 e das bandas sonoras da década de 70 às tais experiências do período post-punk dos anos 80 (e até, imagine-se, algum temperamento kraut). Este álbum não tem um centro óbvio e isso é certamente propositado, talvez porque os Beastie Boys queiram provar a si mesmos que são capazes de funcionar fora do hip hop e da sua mais imediata esfera estética (jazz, funk, soul, etc). Claro que as credenciais punk já tinham pontualmente facilitado desvios à norma na discografia dos Beasties, mas “The Mix-up” é diferente. Não se trata de um disco revolucionário a bordo de uma Enterprise que quer ir onde nunca nenhum trio equipado com guitarra, baixo e bateria alguma vez foi. Nada disso. Não deixa no entanto de ser um gesto de ruptura com o passado dos Beasties porque pela primeira vez equaciona-se a possibilidade de um futuro sem rap. Michael e os dois Adams estão mais velhos e este pode ser o som de uma certa resignação zen, o som de quem imagina o hip hop como o eco de uma época distante e, nesse sentido e paradoxalmente, o som de quem ainda sonha com o futuro.

What’s in a name?

Em 1962, o nome “Rolling Stones” adivinhava-se perfeito para descrever uma banda que, de facto, se revelaria irrequieta durante pelo menos as duas décadas seguintes: os Stones foram perfeitos nómadas de uma época que ajudou a inventar a cultura rock que hoje conhecemos. Mas agora, ao olhar para os cabelos brancos de Charlie Watts e para as marcas óbvias do tempo nas faces de Keith, Mick e Ron, o nome “Rolling Stones” deve ser um peso que já não pode descrever o que, muito mais do que um grupo, é uma autêntica marca que rende milhões e que é regida com o devido calculismo corporativo. Isso é, obviamente, uma consequência inevitável da passagem do tempo. Qualquer street fighting man pode, com o passar dos anos, transformar-se simplesmente em “The Man”. E estes homens que mataram o Verão do Amor em Altamont são hoje avós conformados com um nome esvaziado de sentido, mas pleno de força comercial. O que não significa, como é óbvio, que quando este conselho de administração coordena agendas e se encontra em estúdio não consiga fomentar surpresas, como “A Bigger Bang” deixou bem claro. Mas o nome, sem dúvida, perdeu o simbolismo original e transformou-se apenas num logo.
Algo de similar aconteceu aos Beastie Boys, mas em sentido inverso. Este nome “bestial” também perdeu o norte e a razão de ser quando Mike, Adam e o outro Adam deixaram de insuflar pénis de três metros em palco, de vomitar em cima de jornalistas e de destruir quartos de hotel… Só que, ao contrário dos Stones, os Beasties de 2007 não tentam agarrar o significado do nome, muito pelo contrário: inspirados, talvez, pela conversão ao budismo de Yauch, o grupo parece seguir a preceito o Nobre Caminho Óctuplo preconizado na Quarta Verdade Nobre (google it!). Os Beasties do presente tentam, sobretudo, escapar ao nome e até fazem apelos antes dos seus “Gala events”: “if you can, dress nice”. The Beastie Boys está errado… este grupo deveria chamar-se The Nerdie Boys!

Textos publicados originalmente no # 23 da revista Op.

Compilações funk

2007-11-18T16:40:00.000Z

No número 11 da revista Wax Poetics, Joe Allen cita o teórico alemão Walter Benjamin e as suas impressões sobre o coleccionismo. Em tradução mais ou menos livre: “É a grandiosa tentativa de ultrapassar o totalmente irracional carácter da mera presença do objecto através da sua integração num novo e expressivamente concebido sistema histórico: a colecção. E para os verdadeiros coleccionadores, cada uma das coisas neste sistema transforma-se numa enciclopédia de todo o conhecimento da época, da paisagem, da indústria (…).” O coleccionismo, sobretudo nos domínios da música pop, nunca esteve num plano tão destacado como hoje. E isto porque se inverteu o propósito das compilações. Até à década de 80, as compilações eram meros exercícios de marketing ou desesperadas tentativas de rentabilização de catálogo tantas vezes moribundo: sob uma capa em que se imprimiam títulos como “PolyStar” ou “K-Tel’s Best of Whatever” tratava-se a música como material de saldo de fim de época. Essa atitude ainda não desapareceu totalmente, mas um novo paradigma emergiu: o do coleccionador especializado cujo olhar sobre uma determinada época, artista ou editora se traduz em singulares compilações. No alinhamento destes discos e tantas vezes nas meticulosas notas que os acompanham pode ler-se essa “tentativa de ultrapassar (…) o carácter da mera presença do objecto”, como referiu Benjamin, e a sua consequente inserção num “sistema histórico”.

Assim, a série Sister Funk idealizada por Ian Wright (e que agora chega ao segundo volume na Jazzman) procura mostrar, como se refere nas (meticulosas…) notas de capa, que o funk não era apenas um “man’s man’s world” e que muitas vozes femininas tentaram igualmente impor-se nesse mundo de ritmos másculos. Por outro lado, “Good Things – The Story of Saadia Records” faz o que nunca foi feito – conta uma história que só existe porque alguém juntou pedaços de memória dispersos – raríssimos singles de vinil – e montou uma imagem que até aí nunca tinha sido vista: a parte de leão do output de uma obscura label da Florida. Perspectiva semelhante é avançada em “Colombia!”, colecção centrada sobre o lado mais balançado do catálogo da histórica Discos Fuentes. Como acontece com as outras compilações referidas, é o espírito coleccionista que ilumina esta selecção que tem carimbo da Soundway e que assim se junta a outro volume dedicado ao Panamá. Cada uma destas compilações funciona igualmente como diário de viagens de descoberta: não é apenas a música que se evidencia aqui, mas igualmente a arte de a encontrar e de a ordenar. Estes discos são, enfim, a prova de que um coleccionador pode inventar um passado.
Vários

“Sister funk 2”
Jazzman, 2007
“Good Things”
Jazzman, 2007
“Colombia!”
Soundway, 2007
Todos com distribuição Sabotage

Texto publicado originalmente no # 23 da revista Op.

Jazz Bridges # 7: Madlib e o universo do jazz

2007-11-17T23:27:00.000Z

Madlib tem vindo a retirar do mundo do jazz muitos elementos que lhe têm guiado a criação, mas além das questões puramente estéticas o jazz ensinou-lhe igualmente uma disciplina de trabalho que já não se usa e que no meio do hip hop onde se move é extremamente rara. A indústria pop moderna dita o fôlego da criação, pois a um álbum tem que se suceder um período de promoção e pelo menos uma digressão e as vendas dilatam-se cada vez mais no tempo não permitindo que um artista se exprima consoante a inspiração impõe. Mas um rápido olhar para a discografia de Madlib revela que este homem aprendeu o timing das edições na época em que os mais esforçados jazzmen podiam colocar o seu nome em mais de uma dezena de títulos por ano. Ora, o mais importante nome do catálogo da californiana Stones Throw tem uma vez mais uma carregadíssima agenda de edições onde se destaca “Yesterdays Universe – Prepare for a New Yesterday (Vol. 1)”.
O jazz, como já deu para perceber, corre nas veias de Otis Jackson, Jr, nome verdadeiro de Madlib: o seu pai era um músico de sessão que trabalhou bastante com H.B. Barnum, arranjador de serviço em muitas produções conduzidas por David Axelrod. Por outro lado, Madlib habituou-se a ver grandes vultos do jazz em sua casa, trazidos para jantar pelo seu tio, o trompetista Jon Faddis, sempre que a estrada o aproximava de Oxnard, a vila a norte de Los Angeles onde cresceu. O jazz não demorou a manifestar-se na música criada por Madlib. Primeiro como matéria-prima dos beats que criava para o seu grupo Lootpack ou para alter-egos como Quasimoto e mais tarde quando criou a ideia Yesterdays New Quintet. Este quinteto imaginário, mas com todos os músicos perfeitamente identificados – Ahmad Miller, Joe McDuphrey, Malik Flavors, Monk Hughes e, claro, Otis Jackson Jr – editou dois álbuns, “Angles Without Edges” e “Stevie Vol. 1”, e todos os seus “elementos” lançaram projectos a solo: a “esquizofrenia” musical de Madlib deu origem a um universo perfeitamente equilibrado, em que cada um dos elementos do quinteto tinha uma baliza estética perfeitamente definida, o que tanto podia significar experiências modais ou incursões por territórios mais free. A Blue Note foi a primeira a reconhecer o pedigree jazz de Madlib e, pela segunda vez na sua história, abriu o seu arquivo ao sampler de um artista. O resultado foi “Shades of Blue”, um álbum em que Madlib encarou o legado da Blue Note como um mapa para o guiar numa jornada musical até ao presente.
Agora, Madlib está de nova na “zona”: Yesterdays Universe é um complexo projecto em que o ponta de lança da Stones Throw vai ainda mais longe do que no passado. Como não lhe bastava um quinteto, Madlib concebeu o novo álbum como uma compilação em que participam uma série de projectos com nomes delirantes, subtraídos directamente ao universo dos discos de vinil que alimentam a sede deste criador. The Last Electro-Acoustic Space Jazz Ensemble, Kamala Walker and The Soul Tribe, Monk Hughes & The Outer Realm, The Eddie Prince Fusion Band, Joe McDuphrey Experience, The Jahari Massamba Unit, Yesterdays New Quintet, Young Jazz Rebels, Sound Directions, Jackson Conti, The Jazzistics, Malik Flavors, Ahmad Miller e Suntouch são 14 maneiras diferentes de dizer Madlib. Com a ajuda de dois bateristas - Karriem Riggins (que já trabalhou com Roy Hargrove e normalmente acompanha Roy Brown) e Mamão (do lendário grupo de fusão brasileiro Azymuth) -, Madlib fechou-se no estúdio e emergiu com mais um álbum de excepção, onde o jazz surge como uma linguagem capaz de comunicar diferentes visões musicais. Uma vez mais, Madlib percorre várias eras e correntes, do jazz de feição mais espiritual até ao free, passando por momentos mais declaradamente enraizados na tradição rhythm n’ blues. Obviamente, o que é de louvar aqui não é o facto de Madlib produzir todo este glorioso ruído com as ferramentas que o hip hop lhe ensinou a usar, mas o resultado final, a música, que o revela como um jazzman de alma e coração preso no corpo de um excepcional produtor de hip hop.

Texto publicado originalmente no número 14 da revista jazz.Pt

Onde é que está o portátil?

2007-11-09T04:26:00.000Z

Numa altura em que os djs juram que o digital é o caminho a seguir (muito provavelmente, irão ter razão), não é difícil de perceber que os diehard fans de vinil continuam a ser olhados como o passado. Talvez da mesma maneira que os djs de vinil olhavam para os djs de reel to reel... provavelmente eram eles que eram olhados com o desdém que hoje um puto com 500 cds por set debaixo do braço olha para alguém curvado com o peso de 70 discos às costas.

Mas se há coisa de que poucos djs se podem orgulhar é de pertencer às três maneiras de estar de frente para uma pista. Com a arte do dj a desenvolver-se imenso nos últimos anos, muito poucos estão aqui há tempo suficiente para saber como é viver esta arte das três formas ou sequer saber que as três formas da arte existem. Kerri Chandler é uma dessas pessoas e no último Southport Weekender decidiu espantar a geração mp3 com um set em reel to reel. Não deixa de ser uma arte em extinção mas os renasceres das fénixes são sempre bonitos de ser ver.

Bloop! em Amesterdão

2007-11-09T01:02:00.000Z

É já neste Sábado, dia 10, que a Bloop Recordings dará o pontapé de saída nas suas “actividades” em Amesterdão com a 1ª festa Bloop! no Pick Up Club (organização lendária, nascida do mundo dos squatters da cidade dos canais).

Pela cabine passarão Arter (nome fortíssimo da cena de dança alternativa, conhecido por ser o principal impulsionador das festas Putsch) , Flaminco (DJ da velha escola, nascido no universo Pick Up) e, para “representar” a Bloop, D-Mars, aka, Double D Force (organizador da festa: ).

As noites Bloop! no Pick Up Club têm reservados os segundos Sábados de cada mês com o lema “Dance Music, Different Views” a servir de principal mote.

Mote esse que é mais do que evidente no mais recente set de Double D Force para o hitdabreakz, chamado "Dirt Factor". A descobrir aqui (link directo - basta gravarem ou ouvirem em stream).

HdBTV # 2: Entrevista a Armando Teixeira

2007-11-05T09:24:00.000Z

O segundo "episódio" da HdBTV leva-nos até casa de um dos mais inteligentes e versáteis produtores portugueses - Armando Teixeira. Os discos - e o sampling - ocupam boa parte da entrevista que revela também algumas das principais ferramentas que o Armando gosta de utilizar nas músicas que cria. A propósito, fica aqui um texto que escrevi a pedido da editora dos Balla para ajudar na promoção de "A Grande Mentira", a mais recente obra assinada por Armando Teixeira.

Se há uma grande mentira no trabalho de Armando Teixeira é a aparente simplicidade das suas músicas. Na verdade, Armando Teixeira é um artesão cuidadoso que há muito transformou o seu estúdio num laboratório alquímico onde a música nasce fruto de experimentação, de desafios, de vontade de se ultrapassar. No momento em que “A Grande Mentira”, terceiro álbum do projecto Balla, é lançado pode afirmar-se que Armando Teixeira é um consumado artista na mais verdadeira acepção dessa palavra. Compõe, escreve, orquestra, dirige, grava, produz. Toca. Canta. Apaixona-se. E conquista. Não há nada de simples nisto porque criar não é um acto simples. Tem muito de inexplicável, claro, mas igualmente muito trabalho. E Armando Teixeira é – já há muitos anos – incansável. E uma certeza do panorama nacional de música pop. Sim, porque é de pop que devemos falar quando falamos de Balla.

Os inúmeros projectos por onde foi passando (dos já distantes Ik Mux aos mais próximos Bulllet) deram a Armando Teixeira válidos argumentos. Permitiram-lhe conhecer a música de diversos ângulos. Alguns deixou de os explorar, outros – como acontece com a identidade Bulllet – continuam em campo. De todos Armando Teixeira retirou experiência e uma ou outra nova forma de abordar a canção. O resultado de todo esse saber acumulado está bem explícito em “A Grande Mentira”. Canções com cabeça, tronco e membros, com melodia, refrão e sentido, com palavras certas, palavras erradas e silêncios, com guitarras, sintetizadores e baterias, com amor, desamor e cansaço, com promessas, entregas e paixão.

Armando tem uma enorme capacidade de usar a sua música como um filtro que retém partículas de um passado glorioso feito de orquestrações clássicas de gente como Paul Mauriat ou David Axelrod, de ecos de personalidades como Gainsbourg ou Barry White, de géneros como a Soul ou a Chanson, como a pop de todos os tempos e a arte de colagem de fim de século. Tudo é depois condensado, revisto, retocado, reequacionado com muito gosto, com o saber próprio de quem coloca a música acima de tudo o resto. E, felizmente para nós, “A Grande Mentira” é um reflexo disso tudo com canções que nos animam e nos magoam, que nunca nos deixam indiferentes, que nos transportam. A melhor música é assim: rouba-nos a nós mesmos. E Armando Teixeira só sabe fazer música dessa, da melhor que nós temos. E essa é uma grande verdade.

Halloween pt 2: Brad Slyde's Pure Evil

2007-10-31T15:02:00.000Z

Brad Slyde, que o hitdabreakz já entrevistou, apresenta a sua visão do Halloween em mais uma mix para o seu site Discobreak. Eis a receita, segundo as suas próprias palavras:

Featuring music from: Johann Sebastian Bach, John Carpenter and the Children Of The Corn, Nosferatu, Psycho, Quartermass, Salem, The Serpent and the Rainbow, The Shining, Snowman, The Thing, Vampire Circus, The Howling, Nightmare On Elm Street, Suspira, The Fog, Halloween, Clockwork Orange, Mike Oldfield and the Exorcist.

Arrepiante...

Brad Slyde - Pure Evil (áudio)

Vem aí o Halloween!

2007-10-27T12:05:00.000Z

Verdade, vem mesmo aí o Halloween e nada melhor do que uma mixtape para nos deixar "in the mood" para abóboras e bailes de máscaras. "Funky Halkloween" de Dr. Rubberfunk não é "Fragments of Fear" de Quiet Village, mas ainda assim é uma interessante viagem por um lado mais, erm..., funky do Halloween. Fica a sugestão. E o alinhamento.

Lalo Schifrin and David McCallum - 'Dracula Meets The Human Fly'
The Witch Doctor - 'Over Night Low'
Albert King - 'Born Under A Bad Sign'
Booker T & The MGs - 'Born Under A Bad Sign'
Run DMC - 'Back From Hell' (Remix)
Cypress Hill - 'How I Could Just Kill A Man'
Spoonie Gee - 'Monster Jam'
Howlin' Wolf - 'I Ain't Superstitious'
Yesterday's New Quintet - 'Superstition'
Tony Joe White - 'Stud Spider'
4th Coming - 'Dead Don't Die Alive'
Maceo Parker - 'Doin' It To Death'
BT Express - 'Devil's Workshop'
Grant Green - 'Walk In The Night'
Mongo Santamaria - 'Night Crawler'
Marie Queenie Lyons - 'Fever'
Howlin' Wolf - 'Killing Floor'
Uptight's Band - 'Devil's On The Run'
Buddy Rich - 'Sneakin Up Behind You'
Ken Nordine - 'Black'
Albert King - 'Angel Of Mercy'
Bill Cosby - 'Martin's Funeral'
Mr Güder - 'The Horror'

Dr. Rubberfunk - Funky Halloween (áudio)

HdBTV # 1: DJ Ride ao vivo no Music Box

2007-10-26T09:04:00.000Z

E de forma discreta aqui está o primeiro "episódio" da HdBTV. Com comando de Fred Parreira (o Absurdo do fórum HdB) e logo de Ana Rita Goulão (Min no fórum), a HdBTV irá trazer até nós reportagens de concertos, pequenos apontamentos musicais, entrevistas ou diggin' reports sempre que possível. Sem promessas de regularidade porque nem sempre é possível conjugar necessidades logísticas, mas podemos garantir que é para continuar! Para já fica um apontamento sobre a passagem de DJ Ride no Music Box há um par de semanas.

Still diggin' after all these years

2007-10-24T21:22:00.000Z

Ao ver este pequeno documentário, de título "Free Samples", que DJ Castle Rock e Shawn Cikanek colocaram no YouTube, penso nas razões que, depois de todos estes anos, ainda me fazem ter sede de discos. A verdade é que a assoalhada que reservei ao vinil cá em casa começa a aproximar-se perigosamente da sobre-lotação e a colecção ameaça alastrar-se como um vírus para outros recantos do lar, e ainda assim não há dia que passe em que após visionar mais uma lista ou o stock de uma loja eu não pense que... tenho poucos discos e que me faltam muitos mais do que aqueles que consegui acumular durante cerca de duas décadas de relação íntima com a música e o vinil. Esta sede, pensava eu, já devia estar saciada por esta altura, mas nada disso: cada novo blog que descubro a disponibiizar pérolas soul e funk só me dá é dores de cabeça. Já nem sequer me preocupo em descarregar porque basta a capa de um Blue Note raro, de um Library sobre o qual leio há anos, de uma obra-prima obscura de disco produzida no bloco de leste para a minha alma começar a salivar profusamente e eu ser assaltado por delírios que normalmente incluem um grande jackpot do euro-milhões, um avião privado e paragens em tudo o que é record spot sério por esse mundo fora. Esta sede toma realmente conta de mim e mais de dois ou três dias sem comprar discos equivale a um suplício. E, claro, não podem ser uns discos quaisquer. Afinal de contas quem já acumulou uns valentes metros de prateleiras como eu já não se satisfaz com qualquer coisa... Este fim de semana, lá estarei eu de novo, em busca da batida perfeita e de mais uma peça para o interminável puzzle que é esta minha paixão por música e discos!

Chromeo: Le Mix

2007-10-19T08:47:00.000Z

Hoje, em regime cut n' paste, chama-se por aqui a vossa atenção para os Chromeo de P-Thugg e Dave 1, irmão de A-Trak, DJ de Kanye West (small world, hein?). Tudo isto por causa desta Le Mix descoberta no blog androïdes et moutons électriques. Tem isto:

chromeo – ‘needy girl’
gino soccio – ‘who dunit’
the jets - ‘rocket 2 u’
rick james - ‘sweet & sexy’
general caine - ‘bomb body’
klymaxx - ‘meeting in the ladies room’
roy ayers - ‘hot’
sylvester - ‘someone like you’
the deele - ‘body talk’
touché - ‘wrap it up’
marcus miller - ‘my best friend's girlfriend’
chemise - ‘she can't love you’
change - ‘oh what a feeling’
paul hardcastle - ‘don't waste my time’
stacy lattisaw - ‘attack of the name game’

e está aqui: Le Mix (áudio)

Arquivo da Folkways

2007-10-17T14:00:00.000Z

Chamada rápida de atenção para uma série de 24 programas de rádio disponíveis para download no site da Smithsonian Folkways que são uma óptima apresentação do histórico catálogo de Moses Asch para o qual o visionário Harry Smith tanto contribuiu.

This series of 24 one-hour programs explores the remarkable collection of music, spoken word, and sound recordings that make up Folkways Records (now at the Smithsonian as Smithsonian Folkways Recordings). The music of modern day giants like Bruce Springsteen, Bob Dylan, and Ani Difranco is interwoven with original Folkways recordings to demonstrate the lasting legacy that Folkways Records has on popular music. Recent and archival interviews with Pete Seeger, Woody Guthrie, Lead Belly, Mickey Hart, Studs Terkel, and others help reveal the remarkable human stories behind this equally remarkable collection. The series was produced by CKUA Radio in Alberta, Canada and originally aired in 1999.

Página de downloads

Powerhouse Magazine # 2

2007-10-16T16:17:00.001Z

De Toronto trouxe esta Powerhouse Magazine que ainda não conhecia. É o segundo número de uma revista com regularidade semestral (o primeiro tinha por tema "No Sleep Til Brooklyn") e é um retrato de Nova Iorque nos anos 70: "That 70s Show - New York City in the 1970s" segue a vocação fotográfica da Powerhouse e inclui trabalho de gente como Martha Cooper, Jamel Shabazz, Joe Conzo e Charlie Ahearn, entre muitos outros. O papel é de alta qualidade e os artigos - sobre Marlon Brando, Afrika Bambaataa, Dondi White, Richard Hell ou Al Pacino - escritos com a clara noção de que aqui as histórias estão a ser contadas sobretudo pelas excelentes fotografias.

Preview em pdf do número 2 da Powerhouse Magazine

Moodymann no World Wide de Gilles Petterson

2007-10-15T23:46:00.000Z

Moodymann ou Kenny Dixon Jr é um personagem complicado, arauto da negritude perdida do techno e do house que prega, sobretudo, a uma vasta e internacional comunidade branca a partir da sua Detroit natal. A sua discografia é um labirinto confuso, de edições limitadas e reedições de origem duvidosa a criarem um complicado enredo que no entanto conta uma belíssima história: a sua música faz-se de memória, mas também de futuro, da sujidade do vinil, mas igualmente dos rigores digitais. KDJ, podem ter a certeza, é um génio. E Gilles Peterson sabe-o muito bem. No seu World Wide de 11 de Outubro deu a Moodymann a sua estreia na rádio britânica. O resultado é uma intensa viagem pela sua brilhante carreira, com um alinhamento de excepção. Que é obviamente obrigatório ouvir. A próxima emissão também promete:

Next week GP will be joined in the studio by Moodyman and a few other DJ heavyweights for a unique co-present

Alinhamento:

Modern Jazz Gang - 'Miles Before and After' (Adventure)
Jay Electronica - 'Voodoo Man' (Test)
Jef Gilson Septet avec Llyod Miller - 'Fable of Gutenberg' (Spirit > Jazz)
Quantic - 'Melodious Wayfarer' (Tru Thoughts)
David Essex - 'Rock On' (J Dilla Ahu Edit) (Test)
Flying Lotus - 'Dolly' (Ahu Edit) (Test)
Jill Scott - 'Crown Royale' (Hidden Beach)
Jill Scott - 'Insomnia' (Hidden Beach)
Linkwood Family - 'Piece of Mind' (Fire cracker)
David Essex - 'Rock on' (Re-edit) (Test)
Unknown (Mark E Edit) (Test)
Cerrone - 'Music of Life' (Malligator)
Moodymann - 'A Place Where Most Suburban Kids Think Their > From' (Mahogani Music)
Moodymann - 'Technolgystolemyvinyl'
Moodymann - 'Black Mahogony' (Mahogani Music)
Amp Dogs Knight's - 'Im Doin Fine' (Mahogani Music)
Moodymann - 'Shades of Jae' (Mahogani Music)

Moodymann Takeover

Moodymann - 'Freaky Lil Mama' (Mahogani Music)
Norma Jean Bell - 'I'm The Baddest Bi**h' (White)
Moodymann - 'No Feedback' (Mahogani Music)
Sly Stone - 'Can't Strain My Brain' (Epic)
Andres - 'Roots' (Mahogani Music)
Moodymann - 'Mama's Hand' (Mahogani Music)
Moodymann - 'One Night' (Mahogani Music)
Moodymann - 'Telephone Blue' (Peacefrog)
Brougham - 'Musicians From the Summer Program for Youthful
Musicians' (Ubiquity) > Was (not Was) - 'Out Come The Freaks' (Z Records/Island)
Jnerio Jarel - 'It Ain't Dead!!' (Lex)
Josie Stingray Ft J.Davey - 'Doin My Thing' (Test)
Bugz in The Attic -'After the Dance' (Simbad Remix) (Test)
J R Bailey - Just Me'N You (Passion Music)

Página de Gilles Peterson na BBC 1
Link Mp3 para o programa inteiro

Wax Poetics # 25

2007-10-13T21:17:00.000Z

Há uma nova Wax Poetics, 25ª número!!!, nos locais do costume. Este número é especial e apelidado de "Photo Issue" por conter uma série de interessantes ensaios fotográficos. Nas bancas está igualmente o primeiro LP editado pela Wax Poetics - o álbum dos East Of Underground, raridade que há muito pedia actualização - e a primeira antologia, sob a forma de livro, de material publicado originalmente nos primeiros cinco números desta revista, entre 2001 e 2003. Numa altura em que já se paga para cima de 50 libras por exemplares do arranque da história da Wax Poetics, é uma boa ideia organizar esta antologia. Já encomendei o meu exemplar, mesmo tendo os 25 números da WP bem guardados cá em casa.
O "Photo Issue" da WP inclui material de primeira, como sempre. A palavra à Dusty Groove:

They're not kidding about "The Photo Issue" tag on the cover -- because this issue of Wax Poetics is filled with a wealth of amazing music photos -- so much so, it almost feels like one of those high-end art books, but at a fraction of the price! The issue seems much larger than before -- almost 200 pages overall -- and it's filled with current and classic photos of New Orleans musicians, Brazilian artists, and a fair bit of hip hoppers from back in the day! But even with all those pics, the Wax Poetics crew have still given us plenty to read here -- as at least a quarter of the magazine still features text -- with articles on funky Miles Davis, Max Roach, Sharon Jones, Numero Group Records, East Bay Funk, The Dragons, Beastie Boys, and others!

Heliocentrics: do funk para o futuro

2007-10-13T15:48:00.000Z

Os Heliocentrics são um produto do revival funk, mas são tudo menos uma banda revivalista. Projecto de Malcom Catto, que já na Mo'Wax tinha dado provas de um espírito progressivo, os Heliocentrics partem do conhecimento profundo que o seu líder possui da história do funk (foi um dos dealers de relevo no auge da explosão do mercado dos Funk 45s), mas injectam nessa equação uma vontade de explorar o desconhecido.
Catto, juntamente com membros dos Soul Destroyers de que também fazia parte, mais Max Weisenfelt dos excelentes Poets of Rhythm (que também gravaram como The Whitefield Brothers) completa os Heliocentrics, a banda que se faz ouvir no enorme "This Time" de DJ Shadow. Em "Out There", o álbum de estreia na Now Again, subsidiária da Stones Throw, os Heliocentrics encaram o funk como uma tela em branco, em cima da qual podem pintar cores de jazz e pinceladas de experimentalismo que definitivamente os afastam do lado mais tradicional do género. A fundação rítmica continua por lá, mais ou menos intacta, mas a arquitectura que suporta é inventiva. Este é outro dos álbuns para a lista de melhores de 2007 (que este ano terá várias entradas com marca Stones Throw!...). Podem ler sobre ele aqui.

RBMA & Toronto: impressões finais

2007-10-08T10:59:00.000Z

A iniciativa Red Bull Music Academy está, uma vez mais, de parabéns: o Term 1 decorreu sem falhas e com total interesse, tanto ao nível das lectures e da acção nos estúdios como de todas as iniciativas paralelas - exposições, dj sets... - que preencheram os espaços da Academia, da Red Bull Festival Hub e dos clubes associados. No dia de despedida deste primeiro período (segue-se um segundo já a partir de próximo sábado!) fizeram-se as contas ouvindo-se os trabalhos realizados pelos "alunos" e o saldo foi francamente positivo: ao longo de hora e meia ouviram-se sonoridades mais experiemntais, hip hop e nu-soul, techno, house, drum n' bass e outras tipologias mais ou menos dificeis de descrever. Muitas vezes, os alunos contaram mesmo com a colaboração dos monitores Jake One (já há uns anos teve por aqui entrevista - produtor de gente tão diversa como De La Soul ou 50 Cent!) ou Om'Mas Keith (dos Sa Ra Creative Partners), o que deve resultar numa fantástica sensação! Particularmente feliz foi o tema de Baris Karademir, da Turquia: um disco de carburação lenta encimado pela sua própria voz em falseto. Delicioso.
Toronto é uma belíssima cidade. Sobretudo na artéria Queen Street West (onde a foto ao curioso cartaz que podem aqui ver foi feita), zona de design e moda, cenário de imensas lojas que vão da mais vanguardista moda até às quinquilharias e lojas de discos como a Cosmos. Só passear ao longo dessa enorme avenida já dá uma excelente ideia do carácter distinto desta cidade de dois milhões e meio de habitantes e de gente muito nova... Cruzei-me na rua com uma turma de miúdos de 14 anos de uma escola pública numa aula prática de fotografia, todos empunhando máquinas analógicas que disparavam em todas as direcções... Esta cidade, de facto, pulsa de vida. Mas mesmo tendo tudo isso em conta, é bom estar de volta a Lisboa. Há muito para fazer e está na hora de deitar as mãos ao trabalho.

RBMA: Disco Academy

2007-10-05T21:01:00.000Z

Obviamente que tratando-se da RBMA, local de encontro de diferentes sensibilidades, artes, culturas e linguas, a musica tambem segue o rumo da diversidade e muitas foram as linguagens aqui presentes, tanto nas palestras como nos estudios onde se passava grande parte da accao. Mas o Disco Sound tomou conta de varias das palestras e de forma muito directa. Vince Degiorgio, Arthur Baker, Randy Muller, Ian Dewhirst foram alguns dos nomes que agitaram o Lecture Hall com os baixos pulsantes debitados pelos gigantescos monitors Genelec ai instalados. As historias sucederam-se na primeira pessoa, com Vince a relatar o seu encontro com Gino Soccio, Arthur a recordar os dias em que foi DJ em clubes da mafia e Ian Dewhirst, autor das compilacoes MasterCuts, a recordar a criacao em Los Angeles dos Shalimar e a tocar temas da Salsoul, editora que ajudoua ressuscitar em tempos recentes. nao tive oportunidade de assistir a conferencia de Randy Muller, mas e possivel ler o que se passou no site da Red Bull: http://www.redbullmusicacademy.com/. Boa leitura!

PS: o teclado em que fiz este post, como deve ser obvio, nao tem os acentos necessarios.

RBMA: de Buchla a Makoto e à Cosmos

2007-10-04T12:18:00.000Z

Na RBMA as coisas já seguem em velocidade de cruzeiro e as conferências sucedem-se sempre com um elevado grau de interesse. Na terça-feira houve a oportunidade de dar a primeira espreitadela no fabuloso edificio recuperado para receber a academia (mesmo na "baixa" de Toronto) e ainda apanhar parte da conferência de Don Buchla, o inventor do sintetizador usado, por exemplo, por Morton Subotnick, um dos meus pioneiros de electrónica favoritos.
O dia de ontem foi igualmente bem recheado: conferência de Vince Degiorgio, um dos primeiros movers da cena disco de Toronto, amigo de Gino Soccio e dono de um espírito vívido que favoreceu a conferência com todas as histórias incríveis sobre os passos inaugurais da cultura de DJs na cidade de Toronto. Vince passou durante a sua palestra o tema "The Mexican" dos grandes Babe Ruth (um dos meus temas favoritos de todos os tempos) na versão para mim desconhecida dos Bombers. Quando no final lhe disse que tinha adorado essa versão, Vince foi um cavalheiro e ofereceu-me o disco!...
O dia terminou com a palestra de Makoto, esteta da geração drum n' bass ligado à Good Looking de LTJ Bukem. Apesar de não dominar na perfeição o inglês, Makoto conquistou a plateia com a sua música e foi bastante aplaudido.
No final, houve ainda oportunidade para dar um salto à Cosmos, principal diggin' spot de Toronto que é, mesmo, uma loja muito séria. Em cima podem ver uma foto de Aki Abe, dono da Cosmos ao lado de uma das suas preciosidades de 500 dólares! Simpático até dizer chega, Aki é também um negociante nato: mal colocámos os pés na loja, Aki perguntou o que procurávamos e perantea palavra "Disco" fomos bombardeados com pérola atrás de pérola... LP e maxi de Mandre, "Going Back To My Roots" dos Odyssey, "Dance on the Groove" dos Funk Machine, o maxi de "Love is the Message" dos MFSB (melhor canção de toda a eternidade?) e maxi de Le Pamplemousse, projecto de Rinder & Lewis foram os holy grails recolhidos. Muitos mais havia a que o orçamento não chegou! A Cosmos é simplesmente impressionante.
E pronto, para hoje espero as conferências com Arthur Baker e Mulatu, dois gigantes que espero ter oportunidade de entrevistar após as palestras.

DJ Ride leva "Turntable Food" ao Chiado

2007-10-04T01:54:00.000Z

Curto mas dá para perceber. No passado dia 27, três locais de Lisboa foram tomados de assalto por DJ Ride e Sagas, para marcar a apresentação de "Turntable Food", o álbum de estreia do Ride. O Chiado foi um deles.

"Turntable Food", editado na Loop Recordings, já está por aí.

Red Bull Music Academy 2007: Toronto

2007-10-01T23:17:00.000Z

Toronto. T-Dot. Canadá. Podem ser muitas horas de voo, mas esta cidade merece bem cada segundo daquela interminável travessia do oceano. Cheguei apenas há um par de horas e só agora me preparo para sair, mas esta cidade promete. Já a RBMA não promete: cumpre. Um dos oradores que vou poder ouvir é o senhor da capa do disco acima, lenda viva do jazz etíope, holy grail de há muitos anos. Mas também há King Jammy ou Arthur Baker. Sei que vou gostar, pois claro. E das lojas de discos (à chegada ao hotel esperava-me um guia especialmente preparado para os participantes na RBMA, "A Jaywalker's Guide to Toronto", que desvenda todos os segredos mais importantes...). Esperem reports por aqui...

DJ Ride: Turntable Food, 27 Set - 17 Hrs, Chiado

2007-09-26T13:52:00.000Z

Prometemos uma coisa: amanhã, a expressão "on the wheels of steel" ganhará novo significado. Prometemos outra coisa: "Turntable Food" será o vosso alimento por muito tempo. ÀS 17 horas, o Chiado tornar-se-à o palco de DJ Ride e da primeira apresentação pública de "Turntable Food". A Praça da Figueira, às 18 horas, e o Adamastor, às 19 horas, serão os outros pontos da mais rápida digressão que DJ Ride realiza em colaboração com a plataforma de desenvolvimento criativo que é a Red Bull Homegroove.

Lisergia

2007-09-25T00:27:00.000Z

A minha paixão pelo rock dos anos 60, à primeira vista, não faz grande sentido. Seguidor atento da música de dança, desde que me lembro de comprar discos, o rock era um outro lado que desconhecia e que raramente explorei. Na fase crítica onde muitos dos gostos são definidos, nunca me atraiu o género, nunca lhe segui o rasto, afastado que fui pelo facto de grande parte dos meus bons amigos de adolescência terem andado a consumir o por vezes manhoso hard rock e metal dos anos 80. Abri os braços à 4AD e a todo o movimento indie que aparecia em Inglaterra mas fiquei-me por aí. Sou tudo menos o típico fã de rock e não o digo com qualquer espécie de orgulho. A cada qual, o seu.

Hoje em dia, a minha imersão no mundo da música de dança é demasiado intensa para compreender quem são e de onde vêm as bandas que preenchem os festivais todos os anos. Só a mera preocupação em tentar seguir o zeitgeist me leva a descortinar quem são os Bravery ou como soam os Babyshambles quando são inspirados pela Kate Moss.

No entanto, a verdade é que o rock, e principalmente o rock psicadélico melódico, diz-me muito. E, confesso, era coisa que estava longe de pensar que dissesse. O facto de ser de épocas diferentes da minha podia, à primeira vista, denunciar isso mas a verdade é que sempre tive prazer em descobrir o que tocava antes na rádio. Estava longe de pensar porque quase nunca tive contacto com ele. Nos sítios onde cresci, o rock psicadélico era tudo menos plat du jour musical. Coisa que a música de dança não era. Coisa que os ambientes da 4AD ou o indie rock ou mesmo Madchester não eram. Eram géneros com que cresci, com quem cresci também. Mesmo com o funk, com a soul e com o jazz, outros pontos importantes no meu gosto musical, isso acontecia. Estavam à minha volta regularmente. O rock psicadélico era, isso sim, um verdadeiro desconhecido.

Depois de apresentados, este rock é o melhor contraponto que conheço para a intensidade da dança. não que a música não seja intensa mas por ser tão diferente daquilo que habitualmente oiço, o facto de apontar para direcções que habitualmente não sigo faz com que seja um enorme descanso, o tal contraponto, de que falava. Talvez mais até do que o jazz.

Mas será assim um contraponto tão grande? Afinal de contas, não será o psicadelismo dos anos 60 igualmente percursor da música de dança de hoje em dia? Com o funk e a disco a assumirem papel preponderante na história da música de dança, o rock psicadélico raramente é citado como influência do que hoje commumente chamamos de house e techno. Se o ritmo que o funk impunha nos fazia perder suor, o rock psicadélico impunha a sua força na mente. Vejo, por exemplo, pontos comuns entre o que os comunais Yahowa 13 andavam a fazer e a situação actual de gente como Ricardo Villalobos. Para lá do subjectivo que as comparações sempre têm, existe também comunhão evolutiva entre os dois aparentemente distantes géneros. David Mancuso, por exemplo, participando como actor, nas longas viagens proporcionadas por Timothy Leary, compreendeu nelas o poder social que a música tinha e nelas delineou as Loft parties que, anos depois, são marco fulcral na evolução da música de dança. E que dizer da coincidência de o termo "Summer of Love" ser usado por ambas, em tempos tão diferentes, para definir a mesma coisa : intensamente juntos na música.

Não que sejam estas as razões por gostar do rock geralmente conotado com a louca São Francisco dos anos 60. Por muito respeito que tenha pelo dj norte-americano e pelo dj chileno (respeito que estou certo que crescerá depois de ouvir a sua compilação para o Fabric), é ridículo pensar-se que podem influenciar, por si só, alguém a ouvir todo um género. São apenas pequenas e interessantes curiosidades que ajudam a fazer sentido de tudo isto.

Em baixo, está uma pequena lista pessoal de álbuns da época áurea dos anos 60. Pontualmente, existem álbuns de outros anos mas que, pela sua mensagem, fazem todo o sentido. Os álbuns dos anos 60 são tudo menos coerentes entre si. O que se percebe facilmente quando se vê nele a pop dos Mamas and Papas lado a lado com o quase puro psicadelismo dos Major Arcana. E, se o texto exprime uma paixão pelo rock psicadélico, há discos na lista que de rock têm muito pouco, como é o caso dos discos da Linda Perhacs ou dos Wali and the Afrocaravan, por exemplo. A verdade é que os Wali and the Afrocaravan até partilham a editora com o rock tingido de Hendrix do "Perpetuum Mobile" de Mariani, disco que esconde a provável estreia de Eric Johnson na guitarra, na altura com 14 anos. Nem que seja por aí (não é), existe algum nexo causal.

Leia-se a lista com o disclaimer de que não é o who's who on acid, lista que seria algo limitativa num mundo musical tão intenso e diverso. Não é tão desconexa como posso estar a dar a entender já que o tronco comum é a lisergia mas suficientemente ampla para abarcar várias e distantes ramificações. Que faça feliz quem encontrar nela um disco que o marque, como muitos deles me marcaram a mim.

Alguns dos discos já foram reeditados oficialmente mas muitos deles foram pirateados. A Radioactive, por exemplo, que é responsável pelas reedições que existem dos fabulosos Relatively Clean Rivers ou dos Fifty Foot Hose, é tudo menos edição oficial. Se por defeito de profissão, sou absolutamente contra a pirataria, neste tipo de discos, o racionalismo leva-me a pensar que pouquíssima gente conseguiria ouvir os Relatively Clean Rivers ou os Fifty Foot Hose se não fosse a Radioactive a reeditá-los em CD. Por isso, não sei que pense quando a reedição pirata é sobre algo tão tão raro, tão tão caro e tão tão bom como esses discos. Informados que estão, façam o que acharem melhor.

A Discolecção, em Lisboa, ou a Melocoton Records, em Madrid, ou o eBay são os principais locais onde encontrar estes discos. Infelizmente, como no funk, Portugal nos anos 60 e 70 não estava muito para aqui virado musicalmente e, por isso, são raros os discos que se podem encontrar a fazer diggin'. Não quer dizer que não acontece (acontece) mas é mais fácil o Scolari acertar um murro.

AORTA Aorta (Columbia, 1969)
ANONYMOUS Inside the shadow (A Major Label, 1976)
AZITIS Help (Elco, 1971)
BEACON STREET UNION The eyes of the Beacon St. Union (MGM, 1968)
BIG BROTHER AND THE HOLDING Cheap Thrills (Columbia, 1968)
TERRY BROOKS AND STRANGE Translucent World (Outer Galaxies, 1973)
THE CEYLEIB PEOPLE Tanyet (Vault, 1968)
THE CHAMBER BROTHERS Time has come (Columbia, 1967)
THE CHOCOLATE WATCHBAND The inner mystique (Tower, 1968)
THE CROME SYRCUS Love Cycle (Command, 1968)
CYNARA Cynara (Capitol, 1970)
THE DEEP Psychedelic moods of the deep (Cameo Parkway, 1966)
THE ELECTRIC PRUNES Mass in F Minor (Reprise, 1967)
EUPHORIA A gift from euphoria (Capitol, 1969)
THE EXKURSIONS The Exkursions (prensagem privada, 1971)
CYRUS FARYAR Cyrus (Elektra, 1971)
FIFTY FOOT HOSE Cauldron (Limelight, 1969)
FRACTION Moon Blood (Angelus, 1971)
FRIENDSOUND Joyride (RCA Victor, 1969)
THE FREDRIC Phases and faces (Forte, 1968)
FREAK SCENE Psychedelic Psoul (Columbia, 1967)
GANDALF Gandalf (Capitol, 1968)
MORT GARSON The Wozard of Iz (A&M, 1970)
GRODECK WHIPPERJENNY Grodeck Whipperjenny (People, 1970)
THE GROWING CONCERN The Growing Concern (Mainstream, 1968)
THE IDES OF MARCH Vehicle (Warner Bros., 1970)
INNER DIALOGUE Inner Dialogue (Ranwood, 1969)
JOSEFUS Josefus (Mainstream, 1970)
JOSEPH Stoned Aged Man (Scepter, 1970)
KALEIDOSCOPE Side Trips (Epic, 1967)
MAYTREIA KALI Inca (United Kingdom of America)
PERRY LEOPOLD Experiments in metaphysic (prensagem privada, 1970)
THE LISTENING Listening (Vanguard, 1968)
LOTHAR AND THE HAND PEOPLE Presenting Lothar and… (Capitol, 1968)
MAJOR ARCANA Major Arcana (A Major Label, 1976)
THE MAMAS AND PAPAS If you can believe your eyes and ears (Dunhill, 1966)
MARCUS From the house of trax (prensagem privada, 1979)
MARIANI Perpetuum Mobilee (Sonobeat, 1970s)
MECKI MARK MEN Mecki Mark Men (Limelight, 1968)
THE MUSIC EMPORIUM Music Emporium (Sentinel, 1969)
THE MYSTIC NUMBER NATIONAL BANK Mystic Number National Bank (Probe, 1969)
THE MYSTIC SIVA Mystic Siva (V.O, 1972)
NEIGHB'RHOOD CHILDR'N Neighb’rhood Childr’n (Acta, 1968)
THE NEXT MORNING The Next Morning (Calla, 1971)
DENNIS OLIVIERI Come to the party (VMC, 1969)
PATRON SAINTS Fohob Bohob (prensagem privada, 1969)
THE PEANUT BUTTER CONSPIRACY …is spreading (Columbia, 1967)
THE RED KRAYOLA Parable of Arable Land (International Artists, 1967)
RELATIVELY CLEAN RIVERS Relatively Clean Rivers (Pacific Is, 1976)
LINDA PERHACS Parallelograms (Kapp, 1970)
US69 Yesterday’s Folk (Buddah, 1969)
WALI AND THE AFROCARAVAN Home : Lost and found (Sonobeat, 1969)
THE WALNUT BAND Go nuts (Apaloosa, 1976)
WEST COAST POP ART EXPERIMENTAL BAND Part One (Reprise, 1967)
YAHOWA 13 Kohoutek (Higher Key, 1973)

Museu Cósmico # 10: Domingo, 23

2007-09-20T09:41:00.000Z

O Museu Cósmico está de volta, com algumas mudanças. A décima edição terá convidados, regra que se deverá manter para os próximos meses. A décima edição acontece com os últimos raios de sol ainda a brilharem e por isso terá lugar no Jardim das Esculturas o que possibilita a quem aparecer que se possa usufruir da fantástica cafetaria do Museu do Chiado. Tudo isto, entre as 16 e as 19 horas.
Neste Museu Cósmico # 10 haverá dois djs que dispensam apresentações: Mike Stellar e José Belo, dois depósitos imensos de conhecimento e bom gosto que certamente ajudarão a viagem cósmica a tornar-se mais variada e interessante. Nesta 10ª viagem, o flyer continua a ser da responsabilidade de Márcio Matos. E as imagens, mesmo invisiveis, continuam a ser da responsabilidade de Zekan. Dado novo: o Museu Cósmico agradece publicamente à Red Bull Homegroove por ter tornado o seu regresso possível.

Sun Ra em Detroit, 1981

2007-09-19T07:39:00.000Z

Ainda muito recentemente discutia com um amigo como o nosso passado musical foi mal documentado, sobretudo em imagens em movimento. A passagem de nomes importantes das décadas de 60, 70 e 80 pelos nossos estúdios aconteceu praticamente sem que uma única câmara estivesse presente e por isso nunca perceberemos como se comportavam os Duo Ouro Negro, os Petrus Castrus ou até os GNR de "Independança" quando a fita começava a rodar. Noutros países, com indústrias musicais mais desenvolvidas, esse esforço de documentação aconteceu desde sempre e por isso é possível aceder a marcos históricos como o que vos apresentamos aqui: Sun Ra a falar à televisão pública de Detroit em 1981. Deborah Ray faz as perguntas e Sun Ra apresenta as mais delirantes respostas possíveis. Especialmente deliciosa é a sua versão particular da Egiptologia. E a verdade é que prestar atenção a esta meia-hora de entrevista é perceber um pouco melhor a música espantosa que este homem criou.

Link para a página do American Black Journal

Ashley Beedle: Kate Bush edit

2007-09-17T08:56:00.000Z

Ashley Beedle é mais do que uma lenda. É um mito. Ainda este fim de semana me reencontrei com várias peças do seu passado, mais especificamente discos dos Ballistic Brothers ou dos Black Science Orchestra. E não por algum gesto de retrógado saudosismo (a que às vezes também cedo...), mas por estar à procura de matéria para o presente: a discografia deste senhor está cheia de momentos que continuam a fazer pleno sentido e que poderiam, por exemplo, funcionar num contexto baleárico. Vem isto a propósito de um excelente edit de uma enorme e clássica canção de Kate Bush que Ashley terá tocado no seu set no Bestival. Ora, uma conversa sobre este edit em particular teve lugar no já recorrente DJ History e percebeu-se que, aparentemente, não há planos para colocar esta pequena maravilha em vinil e por isso mesmo Beedle resolveu partilhá-la com o mundo através de um apetitoso ficheiro MP3 com 320 Kbps de potência cujo link poderão encontrar abaixo. Façam um favor a vocês mesmos e descarreguem-no para o vosso iPod ou o que quer que seja que usam para levar a música atrás... Em dias mais dificeis, mais cinzentos, mais complicados, este poderá muito bem ser o remédio que precisam para escalar qualquer montanha.

Kate Bush 'Running Up That Hill' (Ashley Beedle Edit)

RIP Bobby Byrd

2007-09-14T11:17:00.000Z

Bobby Byrd, essa alma imensa que acompanhou James Brown, faleceu na quarta-feira vítima de cancro aos 73 anos, na sua casa de Loganville. Este foi o homem que criou o eterno "I Know You Got Soul", tema que serviu de base a tantos excelentes momentos da história do Hip Hop (ver abaixo). Bobby foi casado com a enorme cantora Vicky Anderson (que também acompanhava James Brown) e era padrasto da também cantora Carleen Anderson que nos anos 90 teve uma assinalável carreira.

Eis um excerto de um texto que escrevi aquando do falecimento de James Brown:

No reformatório, Brown tinha aperfeiçoado capacidades adquiridas nos breves momentos em que frequentou a igreja antes de ser encarcerado: a sua voz e um ouvido profundamente musical permitiram-lhe liderar um grupo gospel através do qual conheceu Bobby Byrd, um cantor e um amigo que o acompanhou por boa parte da sua vida profissional. Foi a família de Bobby que acolheu James aquando da sua libertação em 1952. Byrd tinha um grupo de gospel, mas a força de James vinha de um mundo mais terreno, do R&B de gente como Hank Ballard & The Midnighters ou The Clovers. Quando James se juntou ao grupo de Byrd as coisas mudaram. Começaram por ser os Avons e rodaram por todas as salas possíveis da cidade de Toccoa, onde Byrd vivia. E tocaram até os papéis naturais de cada um sobressaírem, empurrando James decididamente para a frente do palco pois era ele que obtinha as mais entusiásticas reacções do público. Os Famous Flames tinham nascido e estavam prontos para o sucesso.

I Know You Got Soul samplado por:

A Tribe Called Quest - "Money Maker"
CEO - "Hit Me with the Beat"
Compton's Most Wanted - "The Final Chapter"
Cool C - "The Glamorous Life"
CPO - "The Movement"
DJ Jazzy Jeff & the Fresh Prince - "You Got It (Donut)"
Double XX Posse - "Executive Class"
Dream Warriors - "Face in the Basin"
Eric B and Rakim - "I Know You Got Soul"
Everlast - "I Got the Knack"
Ice Cube - "Jackin' for Beats"
KMD - "Hard Wit No Hoe"
Kool G Rap - "It's a Demo"
Kool Moe Dee - "Rise 'N' Shine"
Kwame - "Keep on Doin' (What You're Doin' Baby)"
Martine Girault - "Revival"
MC Ren - "Kizz My Black A-z"
Movement Ex - "United Snakes of America"
Original Flavor - "Give 'em Some Wrek"
Professor Griff - "Pawns in the Game"
Public Enemy - "Cold Lampin' with Flavor"
Public Enemy - "Fight the Power"
Public Enemy - "Party for Your Right to Fight"
Rappin is Fundamental - "Whenever You Need an MC"
Roxanne ft Chubb Rock - "Gear"
Salt-N-Pepa - "A Salt with Deadly Pepa"
She Rocker - "Give it a Rest"
Special Ed - "Come On, Let's Move"
Ugly Duckling - "Everybody C'mon"
Wee Papa Girls - "You've Got the Beat"